Libros de Teatro contemporáneo extranjero del XIX al XXI, página 6 de 32

Decía Dino Buzzati que el teatro era para él una especie de droga, una cosa infernal, algo que pone al hombre en una situación completamente distinta de la vida normal, un mundo fascinante, una puerta abierta al mundo de la fabula, de la fantasia, del mito y uno de los generos literarios con mayor misterio y a los que mayores esfuerzos dedico. La comedia Un caso clinico relata la divertida, al tiempo que inquietante, historia de un paciente que entra en una insolita clinica privada, cuyo funcionamiento se parece, antes que al de un hospital, a una especie de maquina de engranaje de cuyas garras es dificil desprenderse. La obra, que destila fina ironia y lleva una fuerte carga alegorica, fue escrita por Buzzati a partir de uno de sus relatos mas celebrados, Siete plantas, y representada por primera vez en el Piccolo Teatro de Milan en 1953 con unanime exito de critica y publico. Dos años despues, en Francia, un joven Albert Camus, posterior Premio Nobel de Literatura y gran admirador de la obra del italiano, se encargo de hacer una adaptacion para un publico parisino que quedo estupefacto, sorprendido y entusiasmado.Dino Buzzati (Villa San Pellegrino, Belluno, 1906 - Milan, 1972). Fue desde niño una especie de enfant prodige. A los 8 años comienza a estudiar musica, toca el violin y mas ta...

Por diferentes motivos, Conan Doyle tuvo al idea de convertir las aventuras de su personaje más exitoso en una obra teatral. En esta obra nos encontraremos a una serie de personajes que buscan denodadamente un paquete con uso documentos, los cuales comprometen a un miembro de la alta clase ondinense

Teatro

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Punk Rock es la historia de siete jóvenes de Stockport (Inglaterra) en un momento clave de sus vidas. En pleno tránsito hacia la vida adulta, se enfrentan a los exámenes que les abrirán las puertas de la Universidad y les permitiran huir del suburbio industrial en el que han crecido. La presion es maxima y cada uno debera lidiar con ella a su manera. Pero no todos estan preparados para soportarla.

A mediados de la década de 1950, poco después de la publicación de "Aullido" y de "En el camino", Jack Kerouac y sus cómplices, ahora famosos, tratan de esquivar cómo pueden los misiles irónicos y los dardos maliciosos que a carcajadas la artilleria mediatica estadounidense les arroja. Como respuesta, el profeta Kerouac se ajusta bien la camiseta, la visera y los sneakers de la tribu y realiza un esfuerzo por reivindicar el discurso beat, ese autentico frankenstein del que muy poco despues se apartaria.Para ello cuece un experimento del que no se tuvo idea hasta muchos años despues de su muerte: "The Beat Generation", obra de teatro en tres actos, escrita en Florida en 1957, que en ese momento nadie quiso montar y la cual fue sorteada en una bodega de Nueva Jersey donde sobrevivio casi 40 años, hasta ser descubierta en 2005.El libro que el lector tiene en sus manos -inedito en español -se puede leer como una pieza teatral o como un relato dialogado, debido a que Kerouac lo escribe con su habilidad prosa espontanea con que segrega su poesia y su prosa.En "La Generacion Beat", nuestro autor vivisecciona las personalidades de los beats mas representativos: Neal Cassady (Milo), Gregory Corso (Manuel), Allen Ginsberg (Irwin), Peter Orlowsky (Paul) y el mismo (Buck). Burroughs no aparece, lo que es sintomatico sin embargo reune a los mencionados en tres espacios neoyorquinos para exponernos abiertamente y descaradamente lo que es espiritu beat; es decir, esa mezcla de vitalidad entropica, insensatez, desapego a las convenciones, juego ludico, busqueda religiosa, amoralidad, celebracion de los instintos, consumo recreativo de drogas e irreverencia, que sigue fascinando a los jovenes y viejos mas prendidos de este planeta.

Losada incorpora a su colección Aniversario dos piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912): La Señorita Julia (1888) y El padre (1887). Impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de su singular lucidez. El autor reflexiona acerca del arte teatral de la siguiente manera: "¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos; donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!".

La primera versión castellana directa del drama filosófico La tragedia del hombre, de Imre Madách (1823-1864), obra cumbre de las letras húngaras, que bien merece estar en toda biblioteca junto al Fausto, El paraíso perdido y La divina comedia.

En La clase muerta Kantor recreó una escuela de ancianos muertos que se encontraban con los tambien fantasmas-niños, representados por maniquíes, de su infancia. Los personajes, a lo largo de La clase muerta, desarrollan historias en las que recordar como se aprendia. En 1942 son asesinadas en Wielopole ochocientas cincuenta personas. La manera en que Kantor trata en Wielopole, Wielopole el componente militar, su premonicion de muerte y ese caracter de separacion radical del mundo de los vivos, la abren a una dimension significante universal y lleva hasta sus ultimas consecuencias su idea del teatro de la muerte.

Para aquellos aficionados y amantes del teatro que andan buscando siempre obras pequeñas que puedan presentar en certámenes, en exámenes de acceso a alguna academia de arte teatral -realizando así sus sueños de convertirse en actores-, o simplemente para quienes desean poner en escena algo sencillo y de una cultura diferente en sus pueblos… Aquí tenéis veinticuatro obras teatrales tremendamente cortas y más largas que la vida misma, aunque tal vez estaría bien que supierais el motivo que me llevó a escribirlas: "Mi pequeño y único hijo, al que nunca dejaba salir de casa, ni siquiera para ir a la escuela por miedo a perderlo en una desgracia inesperada -también temía que adquiriera una mala educación de los niños de la calle- un día, intentando convencerme para sacarlo de su aislamiento, me dijo: - Papá, llévame para ver uno de tus espectáculos. Pero no tardé en matar su ilusión de vivir el ritual que implica ir al teatro cuando le dije: - ¿Y qué te parece, hijo, si hacemos teatro aquí, en casa? - ¿Se puede? Me preguntó extrañadísimo. - Claro que se puede. - ¿Cómo? - Por la magia del teatro. Tú, sólo cierra tus ojos y verás. A partir de entonces empecé a escribirle obras breves, con pocos personajes, y que pudiéramos representar los dos, en nuestro hogar. Así convertimos todos y cada uno de los rincones de la casa en escenarios: el sofá, el suelo del salón, la terraza, etc., y él, disfrutaba como un enano, gritando cada vez que terminábamos una representación: "¡Ala, qué magia! Hemos hecho teatro sin ir al teatro." - Sí, hijo, la imaginación es la magia del teatro". ¡Qué duro es, descubrir, después de escribir estas palabras, que nunca tuve hijos, pero sí, la magia del teatro!

Podría decirse que el rasgo principal de Fausto es la desmesura, atributo que sólo en apariencia y en nombre de esas reglas que pretenden identificarse con lo clásico, puede considerarse como negativo. La desmesura temática y un poco folclórica del mito del hombre que hace un pacto con el diablo para curar sus deseos insatisfechos y poder acceder al conocimiento total de la experiencia, se transforma en la obra de Goethe en desmesura formal, lo que le permite incorporar muchas contradicciones consideradas por algunos como irreconciliables: es a la vez un drama trágico pero no carente de comedia, alegórico pero también fantástico, místico, estrafalario y erudito; y, como mezcla sin compeljos el pasado histórico con el presente de la escritura haciendo del anacronismo un instrumento formal, podría decirse que, como el sueño para Freud, Fausto se construye sosteniéndose con un pie en el pasado y con el otro en el suelo igualmente fértil de la víspera.

Versión de Antonio Buero Vallejo. El teatro contemporáneo de Brecht se representa en esta obra versionada por el mejor Buero Vallejo.

La cabeza de Juan el Bautista a cambio de una danza erótica: la pieza teatral en un acto de Oscar Wilde lo reunía todo para escandalizar a la sociedad victoriana. Escrita originalmente en frances, se publico en Paris en 1893, y un año despues se tradujo al ingles. Provocativa e incendiaria, Salome conocio la censura y el repudio, fue interpretada por Sarah Bernhardt y prohibida en Inglaterra por representar personajes biblicos. La opera de Richard Strauss cosecho, en su estreno en Estados Unidos, feroces criticas que llevaron a la cancelacion de todas sus funciones. Oscar Wilde, condenado a dos años de trabajos forzosos por difamacion publica contra el pudor, no pudo presenciar su estreno el 11 de febrero de 1896 en el Thetre de l uvre de Paris.

Pobre Bitas o la cena de personajes (aquellos de la Revolución Francesa) es una pieza corrosiva -"chirriante" la denominó su autor-, despiadada sin exaltación, pero con una violencia indirecta y penetrante más letal que la pasión. Napoleón, el personaje histórico de La feria de los sustos -"pieza con disfraz"- es sometido a una interpretación tan libre como lo requiere la inagotable imaginación del autor. Jean Anouilh (1910-1987) logró el milagro de permanecer durante décadas en un lugar eminente e indiscutible, aunque desafiantemente personal, del teatro francés contemporáneo. Su obra, lejos de inmovilizarse en sus formas más celebradas, se renovó constantemente dentro de la fidelidad al talento que la animaba.

La anunciación hecha a María es un diamante de cuidadísima belleza y Paul Claudel (1868-1955), su autor, un orfebre genial y esmerado. Dramaturgo, poeta, diplomático, Paul Claudel es un personaje que podriamos tildar de discordante. Alcanza las cimas de la literatura moderna tratando tematicas que mas se antojan medievales. ¿Que mas podia esperarse de uno a quien lo saco de su ateismo leer a Rimbaud? Una pagina de su biografia explica la singular perspectiva de este autor. El joven Paul de dieciocho años acude a la misa de Navidad a Notre-Dame en busca de un estimulante apropiado y materia para algunos ejercicios decadentes y, para su sorpresa, recibe en lugar de lo que buscaba, la fe. Tenemos, pues, a un poeta de las vanguardias parnasianas metido a catolico, que terminara siendo, en expresion de Mauriac, un catolico que escribe drama. De ahi que solo si se concibe a Claudel como un asceta sensual, se pueda comprender su Anunciacion. Porque, ante todo, se trata de un drama mistico a pesar de que su sencillez, rayana en la ingenuidad, posea el encanto de lo espiritual, de la proximidad de la gente del pueblo al Misterio lo que, en un erudito como lo fue Claudel, es una virtud.

Creditors (1888) forma, amb El pare (1887) i La senyoreta Júlia (1888), una trilogia que és el croquis punyent d'un naufragi personal. Strindberg hi reflecta, d'una manera palpitant, la peripècia del seu primer divorci, l'aberració a què la conjugalitat redueix l'individu. Tres personatges, dos homes i una dona, es passen comptes de dos en dos. Cada un és el creditor inexorable que, a l'exigència despietada del deute, hi afegeix l'interès usurer d'anihilar l'altre. I com que cada personatge és, alhora, creditor i deutor, cada un acaba essent botxí i víctima. En aquesta pugna, els dos homes es perden escometent-se per la dona que diuen que estimen, però que, en veritat, únicament desitgen. Dissecada així per Strindberg, la relació conjugal es revela com una mera expressió de poder i de lubricitat, sota el control d'una dona que domina, si no l'escena, la situació. De retruc, l'autor ens serveix impulsivament una imatge, real i especular, de si mateix.

Lau pertsonaia normal, egongela normal batean, solas ustez normal batean Normaltasun ororen azpian ezkutatzen den absurdoa eta zentzugabekeria nabarmen uzten dizkigu egileak, literatura unibertsaleko eta antzerkiaren historiako pieza ezinbestekoa bihurtu den obra honen bitartez.