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Una repilación única del espectacular trabajo llevado a cabo en todas y cada una de las creaciones presentadas a los premios Figaro. Más de 460 imágenes, autenticas obras de arte a todo color que nos deleitan y nos trasladan a un mundo imaginario en donde todo parece psoible.

Almodóvar y Freud es un libro sobre el placer, en el cual ambos autores son tratados de una forma no jerarquizada, es decir, lejos de cualquier intento de aplicación de la teoría psicoanalítica a la obra del cineasta. No se trata de psicoanalizar al autor, ni a sus personajes, ni el sentido de su obra. Por el contrario el interes es encontrar las correspondencias que unen a estos dos autores, quienes a contrapelo de ciertas versiones respetables y tranquilizadoras sobre el placer, han asumido su complejidad mas alla de la moral y de las formas de organizacion social declaradas o implicitas de su tiempo. Se trata de rastrear una postura intelectual en Freud, quizas un gesto estetico en Almodovar que podrian entenderse dentro del pensamiento de la negatividad ya que el potencial subversivo de Freud y de Almodovar puede leerse en esa veta: son autores posicionados en la negatividad.

¿Ha sentido alguna vez la sensación de que una película le gusta, pero no sabe exactamente por qué? ¿Sí? ¿Y es de los que le encanta sumergirse durante dos horas en una realidad diferente a la suya? Pues digame, ¿no le apeteceria aprender a disfrutar un poquito mas del cine que ve, a sacarle el maximo partido? Si sus respuestas son afirmativas, sin duda este libro ha sido escrito para usted. En el encontrara una guia sencilla para comprender el cine en toda su dimension.¿Ha sentido alguna vez la sensación de que una película le gusta, pero no sabe exactamente por qué? ¿Sí? ¿Y es de los que le encanta sumergirse durante dos horas en una realidad diferente a la suya? Pues digame, ¿no le apeteceria aprender a disfrutar un poquito mas del cine que ve, a sacarle el maximo partido? Si sus respuestas son afirmativas, sin duda este libro ha sido escrito para usted. En el encontrara una guia sencilla para comprender el cine en toda su dimension. Realizara un viaje a traves de los generos cinematograficos, que le llevaran a asimilar el lenguaje, la belleza estetica y la filosofia que hay detras de cada pelicula. Tambien encontrara consejos y listados de los films mas recomendables para empezar a disfrutar, desde hoy mismo, del arte mas importante de estos dos ultimos siglos.

This monograph forms an introduction to the major themes and the key images of American photographer Joel Meyerowitz, illustrated with 55 chronologically-presented images that offer a fresh insight into his career.An introductory essay by Colin Westerbeck discusses Meyerowitz''s life and work and places him both in the context of his time and within the history of photography. Born in 1938 in New York City, Meyerowitz went to Ohio to study painting and medical drawing at the State University but moved back to New York to work in advertising as an art director-designer.He then started to take photographs, leaving his job to concentrate on his new career. Shooting film in black-and-white, he travelled around the United States for three months after which he was offered a Guggenheim Scholarship to take pictures on the theme of ''leisure time''.It is as an early advocate of colour photography that Meyerowitz has had the greatest influence, for he was instrumental in changing the attitude toward the use of colour from one of resistance to nearly universal acceptance.His subject matter evolved from incidents on city streets shot with a small 35 mm camera to the large format field photograph. Architecture, light and space - particularly at Cape Cod - acquired a new interest for him. After the destruction of the World Trade Center in New York, he was the only photographer granted unimpeded access to Ground Zero where he systematically documented the work of demolition and excavation, rescue and recovery. He has been awarded the title Photographer of the Year by the Friends of Photography, San Francisco. His work is in the collections of the Museum of Modern Art and the Metropolitan Museum of Art, both in New York and he has been exhibited and published worldwide, for many years.

A lo largo de los siglos los artistas se han visto sucesivamente ensalzados y olvidados, encumbrados a la fama u omitidos en el discurso de la historia del arte. Nuevas modas, el cambio de las corrientes historiograficas o investigaciones reveladoras enaltecen a creadores hasta entonces en el olvido y apartan de los focos a otros que gozaron de granexito años atras. Este ensayo aporta nueva luz sobre muchos de estos autores y asi es posible redescubrirlos gracias a los dieciocho especialistas nacionales e internacionales que participan.

Antología de composiciones de los siglos XVI - XVII y XVIII en torno al amor.

No tocar, por favorNo tocar, por favor parte del minucioso registro de incidencias en las salas de exposición de Artium, recogido por el personal del museo desde su creación en 2002. Este registro supone una ventana abierta para explorar los comportamientos y actitudes de los visitantes frente a las obras de arte y frente a la propia institucion museistica.Artistas participantes: Guillermo Trujillano, Joan Fontcuberta, Mireia c. Saladrigues, Andres Hispano, Felix Perez-Hita, Oier Gil, Sandra Amutxastegi, Pau Figueres y Arturo "fito" Rodriguez.

Rocío ArévaloSinestesiasSinestesias es la exposición más global dentro de la trayectoria artística de Rocío Arévalo. Encontramos un inventario de las preocupaciones fundamentales que han constituido la poetica de esta joven creadora chileno-canaria. A saber, la autoconciencia del yo y la identidad individual a partir de la frontera fisica del cuerpo; las marcas psicologicas, sociales y personales, resultado de los Trastornos de la Conducta Alimentaria (TCA), las construcciones biopoliticas del sujeto (Somos lo que comemos, 2012-2013; Menu, 2013); los afectos que intervienen en el sentido de pertenencia a una determinada comunidad y las distancias y percepciones ? objetivas y subjetivas ? que median en esas relaciones sociales. Los materiales simbolicos de una memoria atravesada por el desplazamiento, la emigracion, una infancia nomada marcada por las derivas geograficas transcontinentales y sensoriales de la contracultura hippie a finales de los años 70 (Bistec y papas fritas, 2013).La exposicion se acerca a un momento de exploracion en la obra de Arevalo. Define la transicion hacia un concepto visual donde la artista trasciende la auto-referencialidad y lo biografico para reflejar imagenes que ahondan en la construccion social de un imaginario sobre la comida, el alimento, y el acto social y cultural de comer, en ocasiones como metafora misma del campo del arte contemporaneo y las relaciones de poder que se estructuran a partir del encuentro fortuito en torno a una mesa (El arte de comer, 2012-2013). El signo alimento, comida, y la accion de comer en si misma, son aqui identificados como un espacio cultural y antropologico donde se pone en tension el placer, la libertad y las necesidades fisiologicas del individuo, con la imagen historicista de un hecho cultural, esencialmente local y privado, que es reinterpretado y transformado, bajo la logica del mercado en condiciones globales, en espectaculo, ritual sofisticado y territorio de negociacion en el dominio publico (Ni crudo, ni cocido, 2013; Retratos comestibles, 2013).Esta exposicion deviene una galeria de retratos en los que Arevalo prueba su oficio como acuarelista. En algunas de estas imagenes se reconoceran rostros de la sociedad canaria, caras de artistas, comisarios, criticos, galeristas -de dentro y fuera del contexto insular-, que forman parte del contrato social del arte; tambien personajes anonimos y del album de fotos familiar de la artista. Autorretratos, retratos individuales y colectivos que tienen en comun el haber quedado atrapados en el gesto cultural de comer. Un gesto vital, tambien erogeno, que paradojicamente reproducimos para morder y tragar, escupir y vomitar, o, por el contrario, para hablar y narrar.

El presente libro es fruto del trabajo interdisciplinar de un grupo de investigadores y ofrece un análisis de la creación y el hecho musical y sonoro contemporáneo en el contexto hispanohablante, observado como un proceso cultural intimamente vinculado con las emergentes y cambiantes corrientes de pensamiento estetico, los movimientos sociopoliticos e identitarios y los avances cientificos y tecnologicos.

Dalt del tren, en un vagó precintat, un pintor barceloní de vint-i-sis anys travessava França en plena Guerra Mundial. Aquell jove era Josep Aragay i Blanchar, artista de gran projecció dins del panorama cultural de la Catalunya noucentista. Era la primera vegada que Aragay sortia del pais, pero el seu esperit inquiet i avid de coneixement ja feia temps que maldava per fer possible un gran somni, visitar Italia. Gracies a una beca municipal, l'any 1916, Aragay va recorrer Italia i va escriure un diari de viatge en el qual explica la seva experiencia estetica i vital. Es tracta d'un document de gran valor artistic i literari, que ha restat inedit durant gairebe cent anys, i que ens permet coneixer, sobretot, la forta influencia que l'artista va rebre de l'art italia d'epoca renaixentista. No existeix, fins avui, cap altre testimoni que ens relati, dia per dia, l'experiencia d'un intel·lectual catala de l'epoca en terres d'Italia. Xavier Castanyer ha recuperat el manuscrit original i ens presenta una edicio del Diari que ens posa a l'abast un text fonamental del Noucentisme. Amb la inclusio d'uns capitols previs, contextualitza la figura d'Aragay dins l'art catala contemporani i explica les consequencies d'un viatge que va canviar la vida de l'artista.

Roman Polanski (born 1933) is a French - Polish film director, producer, writer and actor, who stands as one of the most influential directors living today. A truly international filmmaker, Polanski has received numerous awards, including the Palme d'Or at the Cannes Film Festival and five Oscar nominations. Polanski has tackled many genres, including the horror film (Rosemary's Baby, 1968), film noir (Chinatown, 1974), historical drama (Tess, 1979), and, more recently, the war film The Pianist (2002), about the holocaust, and the thriller The Ghost Writer (2010). Polanski has also directed some of the most talented actresses of our time, including Catherine Deneuve, Mia Farrow and Kate Winslet. Polanski's films are dominated by a sense of claustrophobia and deal with the existential themes of loneliness, fear and uneasiness.

Este Cuaderno de Artista se publica junto al Volumen P de Matador y ha sido posible gracias al apoyo de Fundación Banco Santander. Se compone de veinte dibujos originales de Juan Muñoz, que el autor realizo en el año 1992. Los dibujos estan basados en el cuento Una avanzadilla del progreso, de Joseph Conrad, que el autor incluyo originariamente en el volumen titulado Cuentos de inquietud (1898).La fotomecanica de este Cuaderno de Artista ha sido realizada por Cromotex, mientras que la impresion corrio a cargo de Palermo (Madrid). En el se ha aplicado un total de cuatro tintas sobre papel Olin Rough Cream de 300 gr., distribuido por Antalis.