Libros de Teoría y crítica de arte, página 55 de 207

Un análisis exhaustivo y rompedor de la historia y la psicología de la representación pictórica que pone de manifiesto que queda lejos de ser una materia sencilla Gombrich aplica los hallazgos de las ciencias experimentales a la comprension del arte, aunque sin dejar de maravillarse por las sutiles relaciones existentes entre la contemplacion del mundo y la creacion y la contemplacion del arte Los problemas de representacion son decisivos para La historia del arte, y Arte e Ilusion es un texto imprescindible para los lectores interesados en comprender este medio de expresion Uno de los libros de arte mas influyentes publicados hasta la fecha

Gilles Deleuze y Félix Guattari en ¿Qué es la filosofía? definían el concepto, un concepto, como territorio; como tal, o sea como territorio abstracto y reflexivo, la interrupción concibe una distancia con respecto al objeto o referente inicial, unicamente para volver a el de la manera mas cercana posible. El concepto de interrupcion en si mismo es capaz de cuestionar y alterar los codigos de los lenguajes explicitos, e implicitos, en su naturaleza, asi como de posibilitar la reestructuracion de los distintos elementos simbolicos, a partir de miradas ajenas (como lo hace Jean-Luc Godard con las de otros cineastas), o sacando provecho de las imagenes que la propia sociedad produce y propaga. El reto es tratar de plantear la interrupcion como un elemento conceptual hibrido, desestructurador y reestructurador de la imagen a traves del discurso artistico; y como base analitica experimental, pero sin embargo exacta, definidora de una sensibilidad en los margenes del lenguaje, mas alla de los limites de lo instituido. La interrupcion concreta ese instante de aprehension de la imagen desde la matriz perceptiva, en intervalos de tiempo indefinidos, que desencadenan una serie de discontinuidades a traves de fenomenos tanto externos como internos.

La anónima publicación de Los efluvios cordiales de un monje amante del arte en 1796 marca el nacimiento del romanticismo alemán. Pese a su apariencia y tono inocentes, es un alegato del entusiasmo artistico dirigido contra la tradicion dieciochesca: no el arte clasico, sino el renacimiento italiano y, sobre todo, el redescubrimiento de Alberto Durero como personificacion del autentico arte aleman constituyen el paradigma que presenta la obra. El texto ofrece otras caracteristicas sorprendentes: la combinacion de formas (vidas de artistas, cartas, poemas, una nouvelle...), el tono patriarcal del narrador, la idea ilustrada de la tolerancia aplicada al arte, el anuncio de una nueva religion del arte y el relato de la vida de Berglinger. Este supone una doble innovacion, al proyectar la musica como arte absoluto e introducir el modelo de artista romantico en conflicto permanente con su entorno. La aparente sencillez e inocencia del discurso del monje, de agradable lectura - el texto no se dirige a expertos, sino a amantes del arte-, ni oculta su conocimiento de la discusion estetica en la Alemania de finales del XVIII, ni resta complejidad a su radical intencion filosofica.

Este libro reúne la producción crítica del poeta Guillaume Apollinaire (1880 - 1918) quien fue el primero en sostener, defender y encontrar las palabras que definirían las nuevas concepciones plásticas... palabras que los propios cubistas asumieron luego como propias. Fue Apollinaire quien acuño, por ejemplo, la palabra surreal. Estas "Cronicas del cubismo" abarcan de 1905 hasta su muerte en el 18. Son entregas escritas a toda velocidad para ser publicadas de inmediato por diferentes periodicos: con pluma veloz, en largos parrafos casi sin puntucacion, sostenidos por la idea que va precipitandose en el papel, son cronicas brillantes, inteligentes, polemicas de un poeta que compartia con amigos como Picasso, Duchamp, Delaunay y tantos otros (pero no todos) sus nuevas percepciones y visiones.

Los Modi fueron inicialmente un conjunto de dieciseis dibujos realizados por Giulio Romano que representaban otras tantas parejas en diferentes posturas sexuales. En 1524 fueron grabados al buril por Marcantonio Raimondi y sirvieron para ilustrar una serie de sonetos erotico-burlescos de Pietro Aretino. La edicion inicial fue secuestrada y destruida por orden papal, y solo quedan de ella algunos ecos o trasuntos visuales posteriores: el ejemplar mutilado de una tosca edicion del siglo XVI y las copias que hizo en el XIX el conde de Waldeck. Esta es la primera vez que se publican ordenadamente estos y otros materiales junto a los poemas de Pietro Aretino. Tambien es una primicia el estudio de todo ello dentro de la cultura artistica renacentista. Los Modi constituyeron un hito en la historia de la representacion del cuerpo humano y merece la pena rescatarlos del estrecho marco que le habian venido prestando hasta ahora las historias del erotismo.

Conocer y usar bien el color es esencial no sólo para los artistas, sino también para los arquitectos, los urbanistas o los diseñadores. De la percepción cromática dependen el éxito del proyecto y su potencial para integrarse en la vida cotidiana de los usuarios: el color representa una oportunidad para aumentar sustancialmente el valor funcional y cultural del proyecto, ademas de para mejorar los efectos del mismo sobre la sociedad. Jorrit Tornquist, uno de los maximos expertos del color en la actualidad en Italia, dirige su investigacion desde hace cuatro decadas hacia las vertientes paralelas de la expresion artistica y del proyecto cromatico para la arquitectura, el urbanismo y el diseño. En estas paginas, profundiza y amplia los temas de su ensayo Colore e Luce. Basic design (1983), agotado desde hace tiempo. Tambien analiza cada uno de los fundamentos tecnicos del uso del color a partir de los sistemas vigentes para la clasificacion de los colores, al igual que los principios fisicos y fisiologicos sobre los que se basa el fenomeno de la percepcion cromatica. Una parte amplia del trabajo esta dedicada al funcionamiento del sistema ojo-cerebro y contiene una sintesis de las principales teorias acerca de los fenomenos perceptivos del color. Otro capitulo importante es el de las aplicaciones: sobre la base de los datos tecnicos y de las respuestas psicologicas que el color provoca en los animales y en el hombre, se trazan las lineas generales que guian el uso del color de manera optima en numerosos sectores de la comunicacion al igual que a la hora de realizar un proyecto, desde la iluminacion de interiores y de exteriores hasta la eleccion del color de la arquitectura, desde la identificacion de los colores correctos para la señalizacion hasta la de los colores para la publicidad y la comunicacion. Color y Luz es una sintesis actualizada y valiosa de teoria y de investigacion aplicada.

Desde su publicación en 1935, Arte y Estado nunca se había reeditado. Se trata, no obstante, de una de las obras más importantes de Ernesto Giménez Caballero (1899-1988) y la que culmina su evolución desde el vanguardismo estetico hacia la ideologia fascista. Pese a la factura antiacademica de su escritura y a su tono militante, el libro interesa, ante todo, como pensamiento sobre el arte desde la perspectiva fascista, un ambito poco frecuentado en nuestra cultura. Pero es interesante tambien como testimonio excepcional de un tiempo en que la literatura se hizo compromiso, u no soleen el campo de la izquierda. El amplio conocimiento de Gimenez Caballero de los movimientos artisticos de su tiempo, su propia experiencia como creador artistico, ideologo y promotor de empresas culturales- piensese en La Gaceta Literaria-, convierten sus reflexiones y su testimonio en un hito de la historia intelectual española de preguerra; una historia cuya investigacion todavia muestra incomprensibles lagunas e insuficiencias.

La historia del deseo a través de las mejores pinturas y esculturas eróticas de todos los tiempos. Un título tan evocador solo podía ser de un libro destinado a recoger seductoras historias, en este caso 69 hermosas estampas pictoricas y escultoricas. Desde el mas picante de los frescos pompeyanos hasta la geografia genital de Georgia OKeeffe, pasando por El origen del mundo de Courbet, las candentes sodomias de Jerome Bosch, los hieroglificos eroticos de Duchamp o Magritte, los frios incestos de Balthus, la sensualidad homosexual, la profunda sobriedad de Caravaggio, o hasta la alegre frivolidad de Fragonard, el deseo erotico ha inspirado las mas inolvidables, enigmaticas y apasionadas obras maestras. Este volumen recoge 69 obras que han sido seleccionadas bien por su gran expresividad, su caracter atrevido, provocador, innovador; o bien por su habil enfoque, mirada o simbolismo. Jean-Manuel Traimond desvela los iconos eroticos del arte occidental que han sabido mantener un acertado equilibrio entre concrecion y sutilidad.

Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dolares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por que parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerias y el mundo de los coleccionistas, Don Thomson desvela los secretos economicos y las estrategias de marketing que impulsa al mercado a producir los precios astronomicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, desde Baquiat a Koons, Tapies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicologia y los intereses que mueven el mercado del arte para recordarnos que en el arte contemporaneo, como en tantos otros campos, la linea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.

Por primera vez en español, Duomo ediciones publica una recopilación de los mejores artículos del escritor y guionista escocés William Boyd. El autor se pasea por temas como la literatura, cine, África, su infancia y lugares y personajes que ha conocido a lo largo de su vida.

Desde los textos célebres que había publicado el escultor en vida hasta las entrevistas que concedió, en las que exponía sus puntos de vista sobre el arte, pasando por las libretas y las hojas inéditas, este volumen reune los Escritos de Alberto Giacometti. La edicion precedente ha sido enteramente revisada y corregida, aumentada tambien con los manuscritos y hojas encontrados desde 2004, hasta entonces desconocidos. Minuciosamente elaborada por el equipo de la Fundacion Alberto y Anette Giacometti, esta recopilacion ofrece a los lectores toda la variedad de la creacion literaria del artista, completamente indispensable en el conjunto de su obra. Ademas los textos aparecen profusamente ilustrados para permitir a los lectores ver el estado de las libretas de Giacometti y entrar asi de lleno en el universo intelectual y creativo del artista.

A lo largo del siglo XX han sido muchas las voces femeninas que han reclamado para las mujeres la ciudadanía del mundo: Wollstonecraft, Beauvoir, Friedan, Millett, Firestone, Cixous e Irigaray serán algunas de las congregadas en estas paginas. El poder evocador de sus discursos fue tal que consiguieron franquear los dominios de la etica para propagarse al ambito de la estetica. Arte feminista y arte femenino seran los frutos de tan arriesgado cruce, y Judy Chicago, Martha Rosler y Ana Mendieta algunos de los nombres propios que materializan este proyecto. Mujeres de ojos rojo es un viaje al mundo del arte para buscar en el lo intuido por Beauvoir: cuando las mujeres sueñan no tienen por que hacerlo con los sueños de los hombres.

Este extraordinario libro de Marjorie Perloff fue uno de los primeros en ofrecer un riguroso y rico análisis de los momentos de fulgor del futurismo poético en el arte y la literatura europeos de principios del siglo XX. A traves de penetrantes consideraciones sobre la prosa, las artes visuales, la poesia y los manifiestos futuristas, Perloff revela los impulsos del momento futurista desde Rusia hasta Italia y traza los ecos que, a traves de los años, aun reverberan en la obra 'posmoderna' de figuras como Roland Barthes. Esta edicion, puesta a punto con su nuevo prefacio, reexamina el momento futurista bajo la luz de un nuevo siglo, en el que el ethos futurista parece cada vez tener que decir mas acerca del presente.

Una obra innovadora que cuestiona los cimientos de un siglo de teoría y crítica del arte.«Audaz, original, estimulante» Steven Pinker, cátedra Johnstone de Psicología, Universidad de Harvard, autor d