Libros de Artes Escénicas

Primer volumen de la colección "Descubriendo la escena", dedicado a la peluquería teatral. "Entre dramas y pelucas" está escrito por nuestras compañeras del teatro Valle-Inclán Ana M. Pérez Augusto, Sagra Diaz Tirado y Mar Navarro G., profesionales con mas de 25 años de experiencia de distintas artes escenicas. El primer capitulo del libro hace un breve repaso a la evolucion del peinado desde la antigua Grecia hasta el siglo XX. Los siguientes capitulos presentan, paso a paso, algunas tecnicas y metodos de trabajo de peluqueria que marcan la diferencia a la hora de desenvolverse entre las bambalinas del escenario. Un libro practico y bellamente ilustrado.

ESTE LIBRO VA DIRIGIDO A TODAS LAS PERSONAS QUE DESEAN PARTICIPAR DE LAS ACCIONES CREATIVAS QUE SE PRODUCEN EN EL ESPACIO ESCéNICO A TRAVéS DE LOS ELEMENTOS ESCENOGRáFICOS QUE LO COMPONEN: CUERPO, ILUMINACIoN, INDUMENTARIA, ESPACIO SONORO, MOVIMIENTO, AC

La voz y el actor contiene el método de aprendizaje y producción vocal que Cicely Berry utiliza en la mítica Royal Shakespeare Company; un auténtico referente de la formación vocal para directores y actores teatrales que desde hace decadas, aporta ejercicios para el desarrollo de la relajacion y el control de la respiracion que permiten optimizar los recursos vocales para actores profesionales y oradores. La voz y el actor es indispensable para aproximarse al texto hablado o recitado y dotarlo de verdad y corporeidad personal.

Este libro es una disección fascinante y estimulante del reto que supone la dirección teatral. Anne Bogart se expresa con un enorme conocimiento del coraje que requiere crear Arte en mayúsculas, ahondando en cada una de las siete areas que identifico, en

Presentamos un libro sobre el aprendizaje teatral, escrito por uno de los pedagogos más importantes del siglo. Se trata de Michael Chejov, sobrino de Anton Chejov, cuyas enseñanzas han ejercido una gran influencia en los actores de muchos paises. Su sistema de interpretacion rechaza el abuso de psicologismo y se apoya sobre todo, en la creacion en la mente del actor de imagenes interiores, frecuentemente abstractas, y en la actividad fisica para generar emociones. Michael Chejov ingreso en el teatro del Arte de Moscu en 1912 y rapidamente se convirtio en una de las figuras mas importantes del Primer Estudio, como se llamaba a su seccion experimental. En 1928 abandono la Union Sovietica y recorrio Letonia, Lituania, Alemania , Italia, Francia e Inglaterra antes de establecerse definitivamente en Estados Unidos. Tambien alli impartio clases de interpretacion, contando entre sus alumnos con Gregory Peck, Marilyn Monroe y Yul Brynner. Encuadernacion: Rustica.

«En la incertidumbre, y hasta en el pánico, el arte es lo único que tiene la función de reflejar lo que está pasando para aclarárnoslo y, si es posible, ayudarnos a salir adelante.» En 2020, recluida

"No he permitido nunca la presencia de extraños al equipo en el proceso de preparación de ese acto de amor que es el teatro. Durante los ensayos los actores deben desnudarse, relajarse para sentirse libres y crear sin temor al ridiculo, sin miedo a equivocarse. Por eso el ambiente debe ser protector, sin miradas ajenas [...]. Eso de 'la catarsis' que los antiguos griegos dijeron que era una purificacion".Jose Carlos Plaza, el director de escena mas galardonado de su generacion, abre las puertas de su conocimiento en este libro, un tesoro para profesionales y un testimonio unico para todo interesado en el proceso de creacion y en el oficio de contar historias, para dejar que el lector entre en lo que considera mas secreto: el ensayo de una obra de teatro. Ese momento medio magico, medio cientifico, en que un texto escrito pasa a hacerse carne se nos desvela aqui de la mano de un hombre que ha pasado su vida dirigiendo espectaculos. Con juegos, anecdotas y analisis de texto ineditos, el libro revela tanto el laborioso entrenamiento de actores y actrices como el placer que significa vivir una situacion imaginaria, y abandonar un yo mas pequeño para revelar su inmenso yo creador. El objetivo: conseguir que el espectador salga transformado de una funcion teatral.

Una guía para la vida que reúne la filosofía del humorista. Ignatius Farray se inspira en el emperador romano Marco Aurelio y reúne en este libro las ideas que rigen su filosofía de vida y su comedia

La difusión del revolucionario sistema con que Stanislavsky enriqueció el teatro del s. XX, ha sufrido una serie de oscurecimientos que han dificultado su recta apreciación. Sólo pudo supervisar en vida la primera parte de su libro. El trabajo del actor sobre si mismo. La vision de su trabajo es incompleta sino se la considera conjuntamente con El trabajo del actor sobre su papel. La aproximacion norteamericana tiene su fuente en un encuentro de pocas semanas entre el mismo Stanislavsky y Stella Adler en un momento en que las investigaciones del director ruso no habian alcanzado el contraste a que las sometio mas tarde. La mayor parte del conocimiento que tenemos de Stanislavsky llega a España y Latinoamerica a traves de la version estadounidense que soslaya la enorme importancia del habla escenica reduciendola a la mera interioridad. La prueba a que fue sometido el sistema por E. Vajtangov, V. Meyerhold y M. Chejov hizo revisar al gran maestro sus aproximaciones; y asi surge al final de su vida el sistema de las acciones fisicas donde la aceleracion del proceso de construccion del personaje se halla en la elucidacion fisica de la accion, mucho mas potente que la elucidacion psiquica a la que hasta entonces se habia dado preeminencia. Maria Osipovna Knebel fue discipula directa de Stanislavsky, compañera y amiga de E. Vajtangov y M. Chejov, de quien edito su legado fundamental, El arte del actor. El Ultimo Stanislavsky el analisis activo es una extraordinaria herramienta empleada por muchos directores de todo el mundo, que ya da sus frutos en los trabajos de la Abadia y que en la practica se convierte en una guia esencial para el actor, un mapa para orientarse en el oceano de palabras que es el texto teatral.

Un texto de referencia ineludible, tanto en el ámbito de la creación teatral como en el del activismo político, la psicoterapia, el arte y la educación social.

En esta obra se encierran años de investigación y práctica dedicados a la formación y dirección del actor, pero ello no le daría un valor especial si no fuera el resultado de UNA FORMA DE "VIVIR" EL TEATRO. Este ha sido siempre el objetivo-y la gran leccion- de William Layton: desarrollar una tecnica que se toma a si misma como punto de partida y como dogma de fe, una enseñanza que tiene lugar en un proceso de crecimiento organico y que "solo aspira a indicar un buen camino". Lo que el lector encontrara es un cuidadoso resumen de su proceso didactico, una tecnica que encuentra en su sencillez y claridad sus mayores virtudes, pero tambien su gran dificultad y desafio. Porque si este "trampolin" , instrumento tan facil de entender como dificil de dominar, se quiere usar con virtuosismo, es decir, "volar" con el ("VIVIR" EL TEATRO), requiere, como dice su autor, "meses de trabajo... años de practica para hacerlo propio", y asi estar preparado para "aprender del mejor maestro: el Publico."

Un actor se prepara, aunque obra de carácter autobiográfico, adopta la forma narrativa de diario de un estudiante, llamado Kostya, durante su primer año de aprendizaje del «sistema Stanislavski», que

Independizado totalmente, Meyerhold llegó a ser el primer director teatral en un sentido moderno. Su labor renovadora alcanzó todas las facetas teatrales: cambió la disposición de la sala alterando las relaciones actor-público; experimentó en la escenografía, yendo de las más sutiles estilizaciones al constructivismo; fundó estudios y talleres para la formación del actor, intentando sacarlo del anquilosamiento del teatro burgués y aristocrático del siglo XIX y llevarlo a la máxima expresividad requerida por el actor moderno; modificó el espacio escénico, incorporó las enseñanzas del teatro Nô japonés y del teatro chino; intentó la utilización de elementos del music-hall, del circo y del cine (fue precursor del happening); experimentó con el ritmo musical y el movimiento de los actores. Todas sus investigaciones conducían a un solo objetivo: devolver al teatro su teatralidad, su convencionalidad.

En Interpretaciones 2, Daniel Schoffer retoma el cruce entre frases de Freud, tangos y dibujo iniciado en su primer libro, Interpretaciones: Frases de Freud dibujadas a ritmo de tango. Esta nueva entrega va mas alla de las frases dibujadas para explorar como los aforismos freudianos se entrelazan con el universo del tango y el pensamiento psicoanalitico. Los dibujos acompañan reflexiones que tejen una trama donde Freud y el tango dialogan desde el arte, el duelo, la musica y el amor. Schoffer inicia el libro con una breve historia del tango y se adentra en los personajes tangueros del Buenos Aires de 1900, abordando temas como la melancolia, el Edipo y la neurosis, todo desde una mirada sensible y original.

El principal objetivo de este manual es crear un método de trabajo con el texto, desde su primera lectura hasta conseguir su encarnación, su oralización más humana, sólida y profunda posible. Está dirigido, fundamentalmente, a actrices y actores que quieran ahondar en el trabajo del decir, de la palabra hablada, de la palabra artistica en su comprension fisico-organica, en el dominio de su musicalidad y de sus posibilidades expresivas y comunicativas. Entender el texto como partitura y el cuerpo como el instrumento que la interpreta. Un cuerpo que, para la consecucion de la belleza sonoro-expresiva, se ha de construir de manera consciente, consecuente y adecuada. La voz del texto. Biomecanica de la palabra hablada muestra como desde el texto se principian y mantienen todas las posibilidades constructivas del personaje, independientemente de la deriva individual que adopte cualquier interprete en su desarrollo creativo. Señala como la actividad basica que el texto nos propone, ya conforma los fundamentos biomecanicos y organicos del personaje que vayamos a construir, independientemente de la dramaturgia, de la direccion, del estilo, etc., que hayamos elegido.

¡Este es el libro que todos estábamos esperando! El libro que convierte la técnica de la interpretación musical más en un juego y una exploración que en una tarea. Perfecto tanto para el principiante como el profesional veterano, el estudiante y el profesor, el aficionado y el critico.Victoria Clark, actriz ganadora de un premio Tony, The Light in the PiazzaLos autores ofrecen una sorprendente recopilacion de estilos desde la opereta europea hasta los musicales de rock, con ejemplos y recursos de investigacion.E. C. Skiles, Choice Book ReviewsPredigo que este volumen servira como libro de texto para la proxima generacion de estudiantes de todo el pais, quiza tanto para estudiantes de opera como de teatro musical. La pedagogia es solida; los ejercicios son practicos y la progresion del aprendizaje sistematica y sensata.David Alt, DMA, Ex Presidente del Departamento de Interpretacion Vocal, Frost School of Music, Universidad de MiamiAvalado por profesionales, criticos y academicos, Interpretacion en el teatro musical analiza el oficio y las necesidades del interprete musical, traza un recorrido por la historia del genero y proporciona al lector las herramientas necesarias para comprender el viaje del personaje y habitarlo de forma organica. A traves de un enfoque divertido y una redaccion agil, que combina teoria y practica, los autores desmitifican la carrera del actor musical y desglosan los fundamentos de la interpretacion y el analisis musical.

Este volumen es un cuaderno de trabajo; un compendio de consejos, reflexiones, recomendaciones y sugerencias sencillas para adentrarse en la escritura dramática. Me encanta tener cuadernos. En italiano se alude a la brutta copia, en frances al cahier de brouillon. Como estudiante, la expresion pasar a limpio resuena a tarea de muchas horas de apuntes escritos en las clases de la universidad. Esas notas, tomadas a mano, tachadas o subrayadas, son testigo de un camino pedagogico. Durante los ultimos veinticinco años de docencia en la RESAD (1999-2024), he podido compartir procesos de escritura, leer escenas, analizar proyectos y tutorizar trabajos practicos de final de estudios de mi alumnado de Dramaturgia, con los que he constatado que revisar, corregir y retocar el material son tareas esenciales. Mi experiencia como dramaturga y mi tarea academica han sido un puente constante de ida y vuelta entre la teoria y la practica. Estoy convencida de que el trabajo de pulido y de revision del material es definitivo para diferenciar una obra con hallazgos, con ingenio y con interes, de una obra que aspira a perdurar: porque escribir es algo que hacemos de forma espontanea, pero corregir requiere tecnica y oficio. Es bastante sencillo detectar los problemas de composicion de una creacion. Lo dificil es saber como subsanarlos. Para ello hacen falta, ademas de tenacidad y constancia, capacidad analitica y herramientas tecnicas; precisamente lo que aspira a brindar este cuaderno.

¿Sabías que el gran Sergéi Diaghilev, impulsor de los Ballets Rusos, se atrevió a decirle al mismísimo Alfonso XIII que ambos eran imprescindibles, a pesar de no hacer nada? ¿Y que el bailarín Rudolf Nuyerev aprovecho una gira por Paris para desertar de la Union Sovietica, puesto que, si regresaba a Rusia, lo matarian debido a los rumores sobre su homosexualidad? ¿Quedo contento Tchaikovsky con la partitura de El lago de los cisnes? ¿Cual fue el motivo por el que la bailarina Margot Fonteyn se retiro con sesenta años y no antes? ¿Por que Degas dedico toda una coleccion de cuadros al mundo de la danza clasica? ¿Que relacion guarda Picasso con el ballet? ¿Que tuvieron que ver unas monjas un poco transgresoras en el origen del ballet romantico? ¿Como un bailaor de flamenco, un mero autodidacta, acabo convirtiendose en una de las primeras figuras de los Ballets Rusos y su obsesion por ellos lo llevo a la locura? ¿Por que se bautizo a un tipo de postre con el apellido de una famosa bailarina? ¿En que suceso se vio envuelto en España el coreografo Marius Petipa, que tuvo que salir huyendo del pais? El ballet clasico no es solo una disciplina, sino un arte, la expresion del alma de una persona a traves del movimiento. Un tipo de danza basada en el control absoluto del cuerpo y el dominio de la tecnica capaz de crear una estetica impecable que generalmente se ha relacionado con la identidad de la mujer, a pesar de que, hasta el siglo XIX, eran los hombres los que interpretaban los grandes papeles, los masculinos y los femeninos. Hablamos de la epoca en la que los vestidos y el calzado eran autenticos handicaps para ejecutar un paso de baile en condiciones. De aquellos años hoy solo han quedado los nombres de los ejercicios. Los vestidos se acortaron, las mujeres se subieron a las puntas, los hombres se convirtieron en el apoyo indispensable de la bailarina Y entre bambalinas, todo un ejercito de compositores, coreografos, diseñadores de vestuario y decorado y empresarios que hicieron girar su vida en torno al ballet y escribieron su historia; una historia que hoy nos plantea numerosas preguntas. De algunas de ellas tratara de dar respuesta este libro. Pero mejor sera adentrarnos en sus paginas y empezar a leer. El mundo del ballet te espera.

En el escenario y en la pantalla reconocemos una gran actuación cuando la vemos. Pero, ¿cómo consiguen los actores convertirse en arte?, y ¿cómo logran conferir a la fantasía la apariencia de lo real? Hace mas de un siglo, uno de los directores de teatro con mas talento de todos los tiempos, Constantin Stanislavski, se planteo estas preguntas y propuso multiples respuestas que, desde 1930 y durante mas de medio siglo, fueron interpretadas y adoptadas en Estados Unidos, una nacion que todavia no habia encontrado su voz como potencia artistica.Los creadores del Metodo formarian a generaciones de actores. El Metodo ayudaria a algunos; pero destruiria a otros. James Dean, Marlon Brando, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Paul Newman, Kim Stanley, Dustin Hoffman, Ellen Burstyn, Robert De Niro, Al Pacino..., son algunos de los artistas formados en el Metodo, o contra el Metodo, que consiguieron que Hollywood se convirtiera en la fabrica de sueños global que es hoy en dia.Saltando a la perfeccion entre los puntos de vista de los personajes, mientras relata sus vidas y sus epocas, el critico y director de teatro Isaac Butler explica la biografia del Metodo como nunca antes se habia hecho, en una narracion que transporta a los lectores de Moscu a Nueva York y Los Çngel

«La Poética de Aristóteles es el libro de teoría narrativa más estudiado, leído y citado a lo largo de la historia. No solo por personas interesadas en el teatro clásico, dramaturgos, directores de e