Novedades del último mes en libros de Historia del arte

Una mujer desvalija los almacenes de los museos madrileños tras la guerra civil. LLeva una tarjeta de visita con un título aristocrático que se ha inventado. Expolia tapices de seis metros, cientos de cuadros y todo tipo de bienes culturales. No es la unica, tambien lo hacen los vigilantes del arte, monjas, anticuarios, directores de museos... Esta es una increible historia real sobre el mayor robo de obras de arte sucedido en España, que la ficcion no se habia imaginado y en la que aparece una presunta espia sovietica, que vende al Museo del Prado por una millonada el autorretrato falso de un gran pintor holandes. Aqui tienes un episodio oculto de la posguerra.

Anders Zorn. Recorrer el mundo, recordar la tierra es el catálogo que acompaña a la exposición homónima organizada por Fundación mapfre y la Hamburger Kunsthalle. Esta publicación ofrece un recorrido completo por la vida y obra de Anders Zorn (1860-1920), considerado el pintor sueco mas internacional de su tiempo. A traves de ensayos de destacados especialistas y una cuidada seleccion de imagenes, el catalogo explora la evolucion artistica de Zorn: desde sus inicios humildes en Dalecarlia hasta su consagracion en las grandes capitales europeas y americanas. El lector descubrira su maestria en el retrato, el paisaje y el desnudo, asi como su especial relacion con España y su amistad con artistas como Joaquin Sorolla. Una obra imprescindible para amantes del arte y coleccionistas, que permite adentrarse en el universo creativo de uno de los grandes maestros de la modernidad internacional.

Un ensayo fascinante sobre cómo "el año terrible" de París desembocó en el nacimiento del impresionismo. Entre el verano de 1870 y la primavera de 1871, un periodo que Victor Hugo bautizó como el "Año Terrible", Paris fue sitiada, padecio una hambruna y hubo de rendirse al ejercito aleman. A continuacion, los republicanos radicales establecieron la Comuna, que fue aplastada tras sangrientas batallas callejeras y el incendio del centro de la ciudad. Como demuestra el prestigioso critico de arte Sebastian Smee, ganador del Premio Pulitzer, fue durante estos tiempos tumultuosos cuando nacio el movimiento impresionista, como respuesta a la violencia, la guerra civil y la intriga politica. Smee relata la historia de aquellos dias dramaticos a traves de los ojos de las grandes figuras del impresionismo. Edouard Manet, Berthe Morisot y Edgar Degas quedaron atrapados en Paris durante el sitio. Otros, como Pierre-Auguste Renoir y Frederic Bazille, se unieron a regimientos fuera de la capital, mientras que Claude Monet y Camille Pissarro huyeron del pais justo a tiempo. En el periodo posterior, estos artistas desarrollaron una nueva conciencia sobre la fragilidad de la vida. Esa sensacion de transitoriedad -reflejada en el enfasis en la luz fugitiva, las estaciones cambiantes, las escenas callejeras fugaces y la impermanencia de todas las cosas- se convirtio en la gran aportacion del movimiento a la historia del arte. En el corazon de todo ello hay una historia de amor: la de Manet, considerado por todos el padre del impresionismo, y Morisot, la unica mujer que desempeño un papel central en el movimiento desde sus inicios. Smee describe con gran sensibilidad su compleja relacion, la influencia mutua que ejercieron y su inmenso legado, al tiempo que otorga el merecido reconocimiento a la mujer en el corazon del impresionismo. Penetrante y absorbente, Paris en ruinas capta las pasiones y politicas cambiantes del mundo del arte y explica el profundo impacto que tuvieron las presiones del sitio y el caos de la Comuna en el arte moderno, y como el genio artistico puede surgir de la oscuridad y la catastrofe.La critica ha dicho: Smee se basa en una gran cantidad de fuentes historicas y biograficas para examinar el nacimiento del impresionismo durante una epoca de feroz agitacion politica y social en Francia... Transmite vividamente el terror de la epoca, los tensos enfrentamientos militares y las conspiraciones, y las pasiones inflamadas... Su descripcion de las obras de los impresionistas es perspicaz, como lo es su sensibilidad hacia las complicadas relaciones entre los artistas. Historia cultural habil y vibrante.Kirkus ReviewsPersuasivo y vivido El arte de la rivalidad se enraiza en la teoria de primera mano, pero esta dirigido a lectores no especializados, se trata en parte de minibiografias y en parte de una historia del arte mas amplia.John Williams, The New York Times (Sobre El arte de la rivalidad)Con detalles e incisividad propios de una novela y una prosa vivida y agil El arte de la rivalidad es una delicia pura y cargada de informacion, escrita con astuta autoridad.Michael Upchurch, The Boston Globe (Sobre El arte de la rivalidad)La brillante biografia de grupo de Sebastian Smee es unica en su genero.Ann Hulbert, The Atlantic...

La dimensión humorística del arte es un territorio enigmático y sorprendente, repleto de interesantes paradojas: la risa es efímera pero convive con la eternidad de la obra; puede ser un signo de alegria, pero tambien de sufrimiento; y encuentra su espacio incluso en los museos mas solemnes, donde el humor parece estar proscrito. Carlos Reyero rastrea la viva presencia de la risa en el arte occidental -especialmente en la pintura- desde el Renacimiento hasta principios del siglo XX, invitandonos a descubrir un fascinante juego de complicidades que une a artistas y espectadores a traves del tiempo. El autor muestra como la risa puede ser tanto un mecanismo de critica social y desafio al poder como un reflejo de tensiones culturales y subjetividades cambiantes. A partir de un sinfin de ejemplos artisticos, aborda temas como la satira politica, la parodia, el carnaval y la inversion de roles, lo pretencioso y lo cursi o el humor escatologico y sexual, destacando siempre el papel del contexto y la mirada del publico. Este libro es una sugestiva contribucion a la comprension no solo de la risa artistica sino tambien de lo comico en general. Y es, ademas, una reivindicacion convincente del humor como eje fundamental de la historia del arte, capaz de revelar contradicciones y complejidades de la experiencia humana.

Frente al abuso de lo actual sobre lo posible, se hace necesario mantener espacios de indisposición, reservas que tienen que ver con la intimidad, con lugares y pensamientos privativos, refractarios, por tanto, a la ideologia comunicacional de la transparencia. Pero dichos espacios no solo han de ser cultivados, sino que brotan espontaneamente de las estrategias que pretenden aniquilarlos. Frente al mundo perfecto de lo digital, siempre habra un afuera inasequible, una insurgencia azarosa incontrolable, un ambito indisponible.

El momento en que el arte se identificó como una esfera autónoma de experiencia y se instaló en museos y salas de conciertos fue también el momento en que surgió la necesidad de que saliera de sí mismo, de que se convirtiera en algo distinto del arte. La musica ha pretendido ser algo mas que el arte del musico: el lenguaje de la mente o el drama del futuro. La arquitectura quiso construir no solo edificios, sino un mundo nuevo, y para ello busco surcar los cielos. Los artistas revolucionarios decidieron crear no solo cuadros, sino las formas de una nueva vida. Y las performances e instalaciones del arte contemporaneo se situan en la indecisa frontera entre el interior y el exterior, entre el arte y la politica.

A partir de 1570 Felipe II promovió la recuperación iconográfica y cultural del reino visigodo de Toledo como parte de su proyecto político para definir la naciente Monarquía Hispánica. Su neogoticismo entronco con el que ya protagonizaron siglos antes los reinos peninsulares medievales, y precederia al que desarrollarian los borbones en el siglo XVIII y el estado liberal isabelino en el XIX. En todas estas epocas, imagenes y textos inventaron potentes imaginarios que fueron recreados en galerias de retratos, principalmente por medio de pinturas, esculturas y estampas. From 1570 onwards, Philip II promoted the iconographic and cultural recovery of the Visigothic kingdom of Toledo as part of his political project to define the nascent Spanish Monarchy. Hi ...

A través de setenta y cinco relatos de misterio, escándalo y desventuras, este Atlas de crímenes contra el arte es el primer libro que ilustra y contextualiza de forma global la delincuencia contra el arte en todo el mundo.Las historias de crimenes artisticos nos emocionan y nos intrigan. Divididas en tres categorias robos, vandalismo y falsificaciones y organizadas geograficamente, cada historia contenida en este libro revela una serie de motivaciones para los delitos artisticos: la codicia, la busqueda de reconocimiento, la venganza, el poder y la fama, pero tambien, de forma algo sorprendente, el amor, la equidad y el idealismo.Con ejemplos artisticos que abarcan desde la historia antigua hasta la contemporanea, el Atlas de crimenes contra el arte presenta imagenes de obras maestras de todo el mundo, los delincuentes que las profanaron, los protagonistas que investigaron los delitos y recuperaron o restauraron las obras y, en muchos casos, instantaneas de lo sucedido.

A comienzos de los años sesenta, en el noreste de Madrid, nace el Barrio del Pilar: un barrio obrero levantado a la vez que crecen sus carencias, sus luchas vecinales y una fuerte identidad colectiva. En ese entorno, marcado por la falta de infraestructuras, la llegada de la droga en los años ochenta y una vida en la calle intensa, se forma Toro.Mientras el barrio cambia -con hitos como la construccion de La Vaguada o unas fi estas populares que se vuelven referencia en Madrid-, un grupo de chavales empieza a experimentar con pintar las paredes sin saber aun que aquello tenia nombre. El graffiti aparece como juego, como impulso y como forma de afirmarse en un entorno duro.Con Muelle como referente inalcanzable del graffiti madrileño, Toro construye su propio camino, atravesado por la familia, la salud y la escritura urbana. Un relato de barrio, memoria y supervivencia que retrata el nacimiento de una generacion marcada por la calle.

Con más de 200 impresionantes imágenes, Cat es una celebración completa y a la vez lúdica del gato doméstico en el arte y la cultura popular. Cuidadosamente combinadas para revelar yuxtaposiciones intrigantes, estas diversas obras muestran las emocionantes formas en que el gato ha inspirado a lo largo del tiempo y las culturas. Desde gatos atigrados hasta carey, desde gatos de la suerte japoneses maneki-neko hasta mascotas de artistas, y desde mosaicos antiguos hasta alta costura contemporanea, este libro se deleita con el innegable atractivo estetico de nuestros amigos felinos. Los ensayos de Hannah Shaw, tambien conocida como Kitten Lady, y Leila Jarbouai trazan la relacion simbiotica de la humanidad con los gatos a traves de la cultura visual y nos conectan empaticamente con este preciado animal en imagenes. A lo largo de la obra, se presenta una amplia gama de artistas y creadores sorprendentes y de renombre, como Tracey Emin, Louis Wain, Thom Browne y Yoshitomo Nara, asi como personajes iconicos como El Gato con Botas, el Gato de Cheshire y muchos mas. Cat da vida a este cautivador animal con algo para satisfacer a los amantes de los gatos en cada pagina. Panel asesor: Yekaterina Barbash, Claire Catterall, Anja Charbonneau, Mihoko Iida, Leila Jarbouai, Jenny Pierson, Hannah Shaw tambien conocida como Kitten Lady, Anna Stothart, BriAnne Wills, y Kristiina Wilson.

La Petite Mort se adentra en la atracción por las superficies de las obras de de la Mora y va más allá de ellas para explorar los impulsos y deseos inconscientes que han sido un tema constante en la practica del artista.Su meticuloso proceso de recopilacion, catalogacion y ensamblaje de fragmentos redefine los limites entre el dibujo, la pintura y la escultura.Acompañando la exposicion Gabriel de la Mora: La Petite Mort, esta edicion incluye una lectura en profundidad de la obra del artista a cargo del curador Tobias Ostrander, junto con ensayos comisionados especialmente de la historiadora del arte Maria Minera y del escritor y poeta Pablo Soler Frost; cada uno reflexiona sobre aspectos de la muerte, el erotismo y la transformacion en la practica de de la Mora. Este volumen ilustra mas de 80 obras del artista producidas a lo largo de los ultimos 25 años. Numerosos detalles muestran la precision y el atractivo de sus composiciones, que emplean materiales como cabello humano, fragmentos de cascaras de huevo, alas de mariposa y obsidiana.

Maniera salda una deuda con Toledo. Aunque han sido numerosas las exposiciones dedicadas al Greco, su escuela e incluso a los artistas que precedieron su llegada, nunca antes la ciudad había acogido una muestra que realizara un recorrido por la pintura toledana del siglo XVI. En consecuencia, la exposicion organizada por el Museo del Greco acerca al visitante al manierismo, un particular estilo venido de Italia que marco una etapa decisiva en la historia del arte europeo.Catalogo de la exposicion que tuvo lugar en el Museo del Greco del 12 de noviembre de 2025 al 15 de febrero de 2026.

El descubrimiento del arte rupestre del Paleolítico, del Arte con mayúscula, transformó súbitamente a los primeros humanos de seres salvajes en artistas y de simples cazadores en creadores de ideas y pensamientos complejos. Y este paso trascendental sucedio en la cueva de Altamira, en 1880. A pesar de la grandeza y esplendor tecnico de este arte, Marcelino Sanz de Sautuola no dudo en clasificarlo como la obra de un artista prehistorico. La enorme magnitud de este descubrimiento eclipso su actividad como historiador y naturalista, asi como su dedicacion a la economia y al progreso de su tierra.

DISTF

* Un objeto de papelería que capta la elegancia dorada y ornamental de Gustav Klimt. * Su encuadernación en tela, con una cuidada reproducción de El beso, ofrece sofisticación y textura. * Una pieza

En el ámbito de los estudios visuales, el autor, ha publicado numerosos ensayos sobre su obra y la de otros artistas

El número 4 de Uve Magazine, Singladuras, rock y deshielo, se construye como un recorrido por distintas formas de creación atravesadas por el tiempo, el desplazamiento y la transformación, tanto personal como colectiva. A lo largo del numero conviven ensayo cultural, entrevista extensa, cronica, texto literario y recuperacion historica, con una atencion constante a los procesos y no solo a los resultados.Sandra Marquez firma Henri Rousseau, el curso de una vida, un articulo de fondo que recorre la trayectoria del pintor desde una perspectiva biografica y simbolica, atendiendo a la deriva vital, la marginalidad y la construccion de una obra ajena a los circuitos academicos. A partir de ahi, el numero se adentra en el cruce entre musica, identidad y migracion con la extensa entrevista a Diego Avello Bull, realizada por Beatriz Menendez Alonso, que gira en torno a su trayectoria entre Asturias y Estados Unidos, el rock como forma de resistencia y el documental I Took the Road Less Traveled como relato vital.La revista incluye tambien el ensayo de Nerea Aguado Alonso Yoko Ono, escritora de cuadros, un texto que revisa su obra desde el arte conceptual, la performance y la experiencia, alejandola del estigma mediatico y situandola como una figura central de la creacion contemporanea. La literatura clasica tiene presencia con La maga primavera de Emilia Pardo Bazan, un texto que dialoga con el eje del numero desde la naturaleza, el ciclo vital y la concienciaEn el ambito de la conversacion, Emain Juliana entrevista a David Acera, narrador oral y escritor, en un dialogo amplio que aborda la literatura, la oralidad, la infancia, la censura, la industria cultural y la responsabilidad politica del arte en el contexto actual del tiempo.Veronica Garcia-Peña aporta La vida detras de los mapas, un articulo que explora los margenes de lo cotidiano a traves de los llamados reseñadores sentimentales, convirtiendo espacios secundarios en territorios cargados de memoria y significado. El numero se cierra con dos textos literarios que desplazan el foco hacia la experiencia personal y la escritura como forma de atencion. Regina Salcedo firma Literatura luminosa: Mi jardin hobbit, un texto ensayistico e intimo que reflexiona sobre la escritura, la lectura y los pequeños sucesos luminosos que sostienen la creacion, mientras que Marta Pastur Rubio cierra el numero con Mosca de la fruta, una pieza literaria que funciona como un cierre en suspenso: un texto de simbolismo concentrado que rehuye la clausura y deja abierta la linea de lectura hacia el proximo numero.

Icons recorre el extraordinario legado de la casa de subastas internacional Sotheby's a través de cien de las obras más significativas vendidas bajo su bandera. Con obras que abarcan diferentes historias y medios, desde un Tyrannosaurus rex de 67 millones de años hasta el infame platano Cattelan de Maurizio, este atractivo libro ofrece a los lectores una vision exclusiva del recorrido de cada obra de arte hasta su llegada a la sala de ventas de Sotheby's. La presentacion de estos objetos, procedentes de algunas de las colecciones mas prestigiosas confiadas a Sotheby's, ofrece acceso entre bastidores a momentos cruciales de la historia del mercado del arte. Desde iconos nacionales como la Constitucion hasta exitos de subastas como la inolvidable "Niña sin globo" de Banksy, parcialmente destrozada, cada obra premiada se muestra como una imagen de gran formato acompañada de un texto informativo escrito por especialistas de Sotheby's. Algunas entradas seleccionadas tambien incluyen imagenes contextuales, como la obra expuesta in situ o en la sala de subastas, asi como citas inmersivas de curadores, criticos del sector y los especialistas de Sotheby's que las pusieron a la venta. Desde redescubrimientos hasta lotes record y subastas de guante blanco, cada objeto vendido a traves de Sotheby's tiene una historia fascinante que contar. Publicado para coincidir con el regreso de la marquesina de Sotheby's al Breuer un referente de la escena artistica neoyorquina, que anteriormente pertenecio al Museo Whitney de Arte Americano, y posteriormente al Museo Metropolitano de Arte y a la Coleccion Frick, Icons destaca el legado de la casa de subastas a traves de las obras maestras que ha tenido el privilegio de custodiar. Los artistas y creadores destacados incluyen a Jean-Michel Basquiat, Louise Bourgeois, Constantin Brancusi, Leonora Carrington, Paul Cezanne, Edgar Degas, Salvador Dali, Helen Frankenthaler, Achille y Pier Giacomo Castiglioni, Vincent van Gogh, Edward Hopper, Frida Kahlo, Gustav Klimt, Jacob Lawrence, Edouard Manet, Andrea Mantegna, Ludwig Mies van der Rohe, Joan Mitchell, Piet Mondrian, Georgia O'Keeffe, Patek Philippe, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Raphael, Norman Rockwell, Mark Rothko, Georges Seurat y Louis Comfort Tiffany, entre otros.

¿Cómo explicar el mar de fondo cultural que representa hoy el arte urbano? ¿Cuáles son sus características artísticas, sus códigos y su lenguaje? ¿Cómo ha invadido el arte urbano las galerías y les ha procurado a algunos de sus artistas altas cotas de popularidad? Estas son algunas de las preguntas que Magda Danysz, dueña de una galeria y reconocida experta en arte urbano, contesta con un estilo comprensible y entretenido en esta antologia unica y profusamente ilustrada que tambien ofrece informacion de renombrados nombres internacionales. Este titulo rememora la historia del arte urbano abarca desde sus inicios, mediados de la decada de 1970 y hasta nuestros dias. Este recorrido historico se enriquece con el retrato de los grandes nombres internacionales de la disciplina. Algunos de los artistas que encontramos en el libro son Bansky, Baskiat, Blek le Rat, Crash, Dondi, Futura, Jayone, Jonone, Jr, Keith Haring, Lee Quinones, Lokiss, Ludo, Obey, Os Gemeos, Pignon Ernest, Quick, Rammellzee, Seen, Skki, Space Invader, Swoon, Vhils, Villegle, Zevs, entre muchos otros.

This volume arises from the Blended Intensive Programme Challenges in Cultural Heritage: Sustainable Development and Digital Transformation, organised within the FORTHEM Alliance. The programme brought together students, academics, and professionals from several European universities to explore how cultural heritage can be responsibly managed amid technological advances and global pressures.Developed through collaboration among the Universities of Palermo, Burgundy, Valencia, and Lucian Blaga University of Sibiu, the programme created a dynamic environment for international and interdisciplinary exchange. Hosted in Valenciaboth physically and virtuallyit offered a setting where historical heritage and modern innovation coexist, illustrating how the past is constantly reinterpreted through contemporary needs and future goals.The chapters compiled in this book examine the relationship between cultural heritage, sustainability, and digital transformation. Contributors discuss how to protect vulnerable heritage assets while promoting resilience, and how digital tools can reshape documentation, analysis, and communication. Through theory, case studies, and practical examples, the volume highlights both challenges and opportunities at the intersection of tradition and innovation.The publication reflects the collaborative ethos of FORTHEM, enriched by diverse participants and intercultural dialogue. It underscores that the future of heritage depends not only on technology but also on shared learning and cooperation. This volume aims to inform and inspire readers to engage critically with the evolving field of cultural heritage and to contribute to shaping a sustainable future where heritage continues to benefit communities worldwide.