Libros de Artistas contemporáneos, página 42 de 380

De repente me di cuenta de que me estaba introduciendo en un terreno literario, de que mis cuadros habrían podido explicarse literariamente, y entonces fue cuando empecé a preocuparme por los aspectos mas puramente plasticos. Asi, fui eliminando imagenes que me parecian excesivamente descriptivas para buscar otras signicas, el color en libertad... y pase a un periodo mas abstracto en el que incluso habia una cierta influencia del geometrismo. Era el momento en que en toda Europa, e incluso en EE.UU., se iniciaba lo que se denominaria abstraccion lirica, y que mas tarde acabaria recibiendo el nombre de informalismo. Me dicuenta de que lo geometrico ahogaba la produccion y de que los signos debian moverse en absoluta libertad.

Los homenajes del escritor y pintor Ramón Gaya (1910- 2005) constituyen una singular versión del gesto que quizá mejor caracterice el arte moderno: la obra que reflexiona sobre sí misma remontándose a los preliminares de su crea - cion. Pero Gaya no solo expone la genesis de sus cuadros, sino que ademas lo hace con humildad: atribuye el impulso creativo a la admiracion. En los homenajes Gaya siempre se muestra a punto de pintar por aproximacion a sus mas venerados antecesores, a los que convoca a su estudio citandolos selectivamente. Y en esta voluntad de sintonia con sus maestros se manifiesta su idea de la pintura, pura potencia que insiste, impersonal; que fluye y repercute a contrapelo del tiempo.No es extraño que en algunos de los homenajes de Ramon Gaya el pintor haya sido sorprendido acechando: reflejado en la superficie del piano o en un rincon del espejo. Pues, como señala Miriam Moreno (2010, 144), los homenajes de Gaya son un buen ejemplo del arte comprendido desde el artista, segun lo entendia Nietzsche: en ellos el pintor es a la vez el que contempla y el que pinta. En los homenajes Gaya nos abre la soledad de su estudio, pero no lo vemos pintar directamente, sino que asistimos a la profundizacion de su mirada, en contacto con la del pintor elegido, tomado como ejemplo. Al observarlo criticamente, destacando ciertos rasgos superiores, se enriquece. En los homenajes Gaya, citando, cultiva esa atencion extrema que, segun su admirada Simone Weil (1994, 154), constituye en el hombre la facultad creadora.

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez al público español una retrospectiva, comisariada por Tomàs Llorens y Didier Ottinger, sobre uno de los pintores norteamericanos de referencia del

L'homme le plus extraverti de ce siècle fut aussi le plus mal connu. Accueilli par les surréalistes, inventeur de la méthode paranoïa-critique, surnommé le premier peintre post-freudien, Salvador Dali (1904-1987) est resté, des années 1920 jusqu'à sa mort, sous les feux de l'actualité. L'auteur révèle ici un Dali différent de sa légende.

Catálogo publicado con motivo de la exposición Eduardo Arroyo. El Cordero místico, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 4 de julio y el 30 de septiembre de 2012. En 2008, el pintor Eduardo Arroyo (Madrid, 1937) acometio el proyecto de hacer una vision personal en blanco y negro del poliptico del Cordero mistico (h. 1432) de los hermanos Hubert y Jan van Eyck, conservado en la catedral de San Bavon en Gante. Para ello dibujo a lapiz sobre papel vegetal, al mismo tamaño del original, las veintiuna tablas que componen el retablo. La exposicion incluye la tabla conservada en el Museo del Prado La Fuente de la Gracia de la escuela de Jan van Eyck, que inspirada en el poliptico de Gante ofrece el contrapunto de la epoca al modo de recrear una obra maestra. El catalogo incluye un texto introductorio de Jose Manuel Matilla, jefe del departamento de Dibujos y Estampas del Museo del Prado, y la reproduccion fidedigna de todas las tablas que forman el poliptico de Arroyo, asi como la obra original de los hermanos van Eyck que sirvio de inspiracion al artista madrileño.

La exposición aborda tres cuestiones que van encadenándose e interrelacionándose. La primera, y fundamental, es la figura de Paul Gauguin, cuya huida a Tahití, donde reconquistó el primitivismo por

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, mayo-septiembre de 2012. Rosemarie Trockel (Schwerte, Alemania, 1952) irrumpe en la escena artística alemana, dominada por figuras masculinas, en los años 70. Su obra explora formas y materiales de trabajo diversos eludiendo encasillarse estilisticamente. Sus creaciones cuestionan las categorias legitimadoras del arte, el orden social, las identidades de genero; explorando constantes como las concepciones opuestas del feminismo, la metamorfosis del sujeto, la interrelacion entre humanos y animales y el impacto medioambiental de nuestra especie, los fenomenos de la moda, la celebridad, la belleza y los iconos sociales, el cuerpo o la construccion social del sujeto. Junto a su obra se reunen piezas de artistas afines, poco reconocidos y autodidactas, como James Castle, Judith Scott, Morton Bartlett y Manuel Montalvo, a los que la creadora alemana considera ejemplares e inspiradores de su trabajo.

Henri Matisse (1869-1954) no solo es conocido como uno de los más importantes pintores franceses del siglo XX, sino también como cofundador y uno de los principales exponentes del fauvismo. Su trabajo refleja una continua busqueda del poder expresivo de los colores puros, brillantes y de las formas simples; como resultado, la representacion realista de la naturaleza a menudo se retira a un segundo plano.Para Matisse, el color no era un mero instrumento para expresar sentimientos subjetivos, sino que se convertia en la luz misma, funcionaba como medio en la creacion de un espacio pictorico autonomo: Mas alla de mi fructifero trabajo con los tonoscreados, debe surgir una armonia del color vital, una armonia que es analoga a una composicion musical.Como artista creativo, Matisse no fue solo un pintor, sino que tambien experimento con otros materiales: hizo vidrieras y diseños para teatro y creo esculturas significativas en bronce, ceramica y arcilla. En su vejez, confinado en una silla de ruedas, elaboro collages con papel de colores, pegamento y tijeras: sus famosos recortes de gouache.

El catálogo recoge la primera muestra individual en España de la artista neerlandesa Lily van der Stokker, una autora multidisciplinar que centra su atención en el estudio de figuras y formas planas y coloridas que remiten a una realidad onirica llena de alegria. Sin embargo, la aparentemente inocente obra de Lily van der Stokker esconde un mundo de desafios sutiles a los lugares comunes de la cultura y la sociedad, desafios que tensan los limites del arte con aquello que la posmodernidad se ha afanado a evitar: lo bonito, lo decorativo, lo insignificante.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, abri-septiembre 2012. Conformada por unas quince obras, la muestra incluye desde sus piezas iniciales, realizadas en Milan en los años setenta, hasta su trilogia de los años noventa formada por Background, Lapsus Exposure e INITIALS, asi como otras piezas cruciales como Charon (MIT Project), Fly, Box, Clara and Dario, Untitled: Philippe VACHER y la obra Retake with Evidence presentada en la Documenta 12, que explora, a traves del la imagen audiovisual procedente de diversos soportes las relaciones temporales entre imagen y sujeto. Una serie de obras filmicas nunca vistas de los primeros 70 se mostraran por primera vez en esta exposicion. A traves del uso de imagenes audiovisuales tomadas de diferentes medios, Coleman ha transformado las relaciones temporales entre imagen y sujeto en las artes visuales contemporaneas .

El pintor danés Arne Haugen Sorensen es uno de los integrantes del proyecto Cuatricomía de la muerte. Su obra plástica reflexiona sobre la vida y la muerte y aborda el enigma del tránsito desde una reflexion que supera el pensamiento existencialista nordico, pues incorpora como referentes la mitologia clasica y la religion cristiana, tan extendida en los paises latinoamericanos.