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Breve descripción de CINE, FLAMENCO Y GÉNERO AUDIOVISUAL. Enunciación de lo trágico en las películas musicales de Carlos SauraAnálisis de las películas musicales de Carlos Saura junto con un repaso a la Historia del Cine Español y a la transcendencia de Saura en el.

Este libro recoge las memorias del curso Sensibilidad y pensamiento cinematográficos, y el trabajo posterior al mismo, que ofrece la Universidad Nacional de Colombia como asignatura de contexto. Este curso tuvo lugar en el primer semestre academico del año 2010, inmediatamente despues de la muerte de Eric Rohmer (1920-2010). El profesor y los estudiantes, quienes pertenecen a varias facultades de la Universidad, admiradores sin reservas del gran cineasta frances, conformaron un grupo de investigacion para sustentar y perfeccionar los distintos ensayos que se encuentran en este libro. Rohmer fue una de las figuras centrales del movimiento conocido como la Nueva ola francesa, director escritor de los Seis cuentos morales que enseñan a pensar tan seria como pasionalmente en el cine, dejando entrever claramente su esencia, nunca desligada para el de un intimo vinculo con las demas artes, la filosofia y la ciencia. Rohmer se expreso, con una austeridad absoluta, acerca de las cosas que no por pasar por elementales dejan de ser las mas importantes de la vida. Su obra se ocupa, entre otros asuntos, de la continuidad entre lo viejo y lo nuevo, la juventud y la madurez, lo desconocido y lo conocido, la literatura y el cine; sera recordado siempre por su afirmacion de lo mejor del hombre, de una espiritualidad a toda prueba.

Buster Keaton fue una persona peculiar...Sin duda alguna, un tipo que es capaz de hacer reír mediante escenas en las cuales se somete voluntariamente al golpe, a la contusión y a las fracturas merece un buen puñado de paginas. Su inmutabilidad, sus ojos grandes de vaca triste y su cuerpo flaco hacian contraste con su devocion por las faldas y las botellas de vino, su aire socarron y una inusitada curiosidad y ganas de descubrir los misterios del cine. En Claros de BK, su autor, Ivan Carabaño, se dedica a fragmentar la vida de Buster Keaton, abriendo espacios de claridad a modo de sketches de una pelicula de cine mudo. El lector podra descubrir multiples matices sobre el hombre, pero tambien sobre el creador que consagro su existencia al septimo arte, y que tanto nos hizo y nos hara sonreir. Clara Martinez Klarusk se encarga de aportar disparate y remanso a este libro de genero inclasificable con el buen hacer de sus ilustraciones.

¿Cómo nació el premio de los óscar? ¿Es cierto que la India es uno de los países del mundo que más películas produce al año? ¿Qué convirtió Lo que el viento se llevó en una película mítica? ¿Qué fue la nouvelle vague en el cine? ¿Por que las peliculas de catastrofes fueron tan populares en los años setenta? ¿Como nacio el fenomeno Tarantino? ¿Donde radicaba la originalidad de Pedro Almodovar?Este libro responde a estas y muchas otras preguntas, incluso a algunos que nunca se nos hubiera ocurrido formular, y logra asi contarnos muchos detalles de la historia del cine español e internacional, en una obra sumamente completa y original.Sabremos que los hermanos Lumiere fueron los inventores del cine, que Hitchcock nunca gano un Oscar, que los fans de James Dean se niegan a creer que hubiese muerto, tras sufrir un terrible accidente de trafico, y tambien que peliculas lanzaron a la fama a emblematicos directores de cine tales como Bernardo Bertolucci, Luis Garcia Berlanga, David Lynch o Wim Wenders.

Antología de los mejores textos de Fernando LeónFernando León de Aranoa ha protagonizado una de las trayectorias más exitosas del reciente cine español. Su mirada personal y el trazo humano que caracteriza sus peliculas han conectado con un amplio publico que se identifica con el cine que huye de los grandes escenarios y se declara resueltamente en contra de la hipermetropia.En este libro se recogen textos vinculados directamente con las peliculas de Fernando Leon, escritos de muy diversa indole, de su vision del oficio de cineasta, de sus peliculas favoritas, de temas que le han interesado, y una escueta seleccion de relatos breves. Pero todos reflejan su peculiar mirada y la impronta de su singular pincelada, y ayudan a desentrañar las claves de uno de los directores mas interesantes del cine español.

Un padre, su hijo y una educación nada convencional: ni escuela, ni trabajo, ni drogas; solo tres películas a la semana. Fue un trato muy poco convencional: Jesse podía dejar de ir al instituto, dormir todo el dia, no trabajar, no pagar alquiler pero a cambio tenia que mantenerse alejado de las drogas y ver tres peliculas a la semana con su padre, el critico de cine canadiense David Gilmour. Jesse acepto de inmediato y al dia siguiente padre e hijo comenzaron con la primera pelicula de la lista: Los cuatrocientos golpes de François Truffaut. A lo largo de tres años padre e hijo vieron todo tipo de peliculas, desde las consideradas joyas del cine hasta los grandes bodrios de todos los tiempos. Con el trasfondo de El padrino, Instinto basico, Showgirls, Ciudadano Kane o La ley del silencio, David y Jesse hablan de los principales directores de cine, de las escenas celebres y de los actores que las protagonizaron, y poco a poco sobre todo tipo de temas: chicas, musica, mal de amores, trabajo, drogas, talento, dinero, amor, amistad... Cineclub es un repaso personal de la historia del cine, un desafio a nuestras nociones de la educacion y, sobre todo, la historia real y conmovedora acerca de como un padre y un hijo sortearon una epoca muy especial en su relacion; en la que los hijos se encierran en si mismos y los padres pierden la oportunidad de llegar a ellos. Esta es la historia de una decision que lo cambio todo.Reseña:Al mismo tiempo que recorrian la senda cinematografica se detenian, casi sin pretenderlo, en la existencia misma.ABC

Esta obra no es una historia del cine. Tampoco es cine para la historia. Tan ambiciosas pretensiones quedan lejos de este cine con historia. La preposición que funde los términos de esta inseparable pareja no responde a otras acepciones que las recogidas en el mismisimo Diccionario de la lengua española: relacion, compañia, colaboracion, comunicacion... Asi pues, Cine con historia es el "certificado matrimonial" de una union, la que sellaron hace ya mas de un siglo ese invento genial patentado por los hermanos Lumiere y la realidad que desde entonces ha venido colandose a traves de su lente.La seleccion de filmes comentados en estas paginas esta limitada en el tiempo (de diciembre de 1995 a diciembre de 2008), no asi en el espacio, porque hay cerca de una veintena de paises representados en el catalogo de peliculas confeccionado, cintas estrenadas a lo largo de mas de una decada, pero cuyas imagenes y dialogos pueden convertirse en inestimables apoyos para descifrar una epoca -los ultimos cincuenta años- o alguno de los episodios que la han marcado.

Vampiros y zombies posmodernos ofrece la clave para conocer el origen y el significado cultural de la figura literaria y cinematográfica del no-muerto, y analiza las últimas mutaciones sufridas tanto por los descendientes del conde Dracula como por los muertos vivientes. El lector encontrara, en la primera parte, una breve explicacion de la figura del no-muerto basada en los clasicos literarios que establecen su paradigma Frankenstein o el moderno Prometeo, El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, El retrato de Dorian Gray y Dracula. Estos siniestros personajes surgen en el romanticismo ingles en respuesta a las consecuencias mas materialistas del cientificismo radical de la Ilustracion. Y la popularidad de la que todavia gozan en el imaginario colectivo es debida a la continuada vigencia del desencantamiento del mundo, pues representan un modo mitico de afrontar el tan humano temor a la absurdidad de la existencia. La extraordinaria proliferacion de novelas, series y peliculas realizadas en los ultimos años testimonian el creciente interes por las criaturas de la oscuridad. Asi, pese a proseguir su evolucion literaria, los no-muertos encuentran su publico mayoritario en las pantallas y resultan ser cada vez mas ambivalentes, amigables o seductores. Por esta razon, la segunda parte del libro se centra plenamente en el mundo del cinematografo. Asi, citando mas de 150 horror movies y comentando muchos de ellos, se ilustran los profundos cambios a los que las peliculas tanto de zombis como de vampiros se han visto expuestas en las ultimas decadas. En tal discusion se abordan, entre otras muchas cosas, fenomenos sociales como el de los adolescentes seguidores de la saga de Crepusculo o el exito de series como Sangre Fresca o Cronicas vampiricas, en los que los chupasangres han conquistado una libertad de la que nunca habian gozado, asemejandose cada vez mas al modo en que el hombre actual se piensa a si mismo.

Desde que Los hermanos Lumière proyectaron en público "La llegada del tren a la estación" en 1895, la obra civil y el cine han caminado de la mano. Este libro analiza esa relación desde distintos pun

¿Constituye la música un lenguaje?. Si es así, ¿existe un lenguaje propio y único de la música cinematográfica? Durante más de un siglo, el cine y otros medios audiovisuales (la televisión, el vídeo o la multimedia) han ido desarrollando un lenguaje de comunicacion que paralelamente ha incluido el de la musica especifica aplicada a estos medios expresivos. Durante todo este tiempo la musica audiovisual ha elaborado un sistema de codigos propios en relacion con la imagen que dan un producto nuevo, fruto de esta interaccion multidisciplinar. En este trabajo, Alejandro Roman propone dotar de contenido y justificacion la presencia de este ya no tan nuevo lenguaje musical, al que ha denominado acertadamente "Lenguaje Musivisual", en una integracion total de los elementos sonoros con los especificamente visuales. El libro explora la semiotica y los aspectos de significacion de este lenguaje en relacion siempre a los elementos presentes en la imagen, para desarrollar mas tarde, a partir de este planteamiento semiotico, la existencia tambien de una estetica propia y original de la musica cinematografica que, con sus virtudes y defectos, ha de plantear siempre nuevos retos en la creacion de nuevas formas de expresion estetica abandonando los estereotipos en favor de una mayor originalidad musical, pero sin perder nunca la justificacion en la propia imagen. Para ello, el autor incluye multitud de graficos, cuadros sinopticos, imagenes, partituras y ejemplos que hacen mas atractivo y directo el acercamiento a este complejo y dificil tema. A traves del analisis de cuatro partituras de musica cinematografica ("Los Otros", de Alejandro Amenabar, "Vertigo", de Alfred Hitchcock, "Los Puentes de Madison", de Clint Eastwood, y "El Contrato del dibujante", de Peter Greenaway) se ejemplifican los aspectos tratados, acercando al compositor, estudioso y aficionado a la musica de cine, a este apasionante tema.

Entre los trabajos publicados hasta hoy que han investigado la bibliografía cinematográfica vasca ninguno ha sido publicado por separado y tan sólo recopilan referencias bibliográficas sin ninguna intencion analitica.La propuesta que tienen en sus manos trata de resolver esta laguna bibliografica al analizar todo lo publicado entre 1968 y 2007 sobre el cine vasco ?realizado por directores nacidos en Euskadi? con el proposito de conocer su estado actual,su historia y su trayectoria.

La crítica de cine fue para el novelista Vicente Molina Foix el «primer amor literario». En aquel entonces – Molina Foix publicó sus primeras reseñas cinematográficas a los 17 años – las páginas de l

¿Hasta qué punto son originales los argumentos cinematográficos? Un siglo después de los Lumière, el cine demuestra ser el gran fabulador de nuestro tiempo, el arte que ha actualizado las narraciones

"«¿Puede perdurar un medio en su ser a través de sus mutaciones tecnológicas?» Esta es la pregunta que a propósito del cine nos plantea Érik Bullot con El film y su doble, nueva entrega de una obra c

Presentamos íntegras por primera vez las anotaciones del diario del gran cronista Victor Klemperer sobre sus experiencias cinematográficas en los inicios de la era del cine sonoro. Desde el principio, el cinefilo es testigo de como la innovacion tecnica se abre paso en la Alemania de 1929, y aunque inicialmente fue critico con las peliculas sonoras, pronto cayo rendido ante las posibilidades de este nuevo formato. No era raro que viera varios filmes por semana. Sin embargo, los nacionalsocialistas se fueron apoderando del medio, y Klemperer acabara por quedar excluido de las salas de cine cuando en 1938 se prohibe la entrada a los "no arios". Afortunadamente, ni siquiera eso pudo mantenerlo alejado de su gran pasion. Obligado a una existencia en la sombra, Klemperer experimento momentos de luz ante la gran pantalla: "Tanta musica, humor, arte interpretativo y todo. Para mi fue una autentica redencion." Este libro es la entusiasta confesion de un fanatico de las peliculas que nos muestra el cine sonoro como un espejo de la historia alemana con todos sus claros y oscuros. A pesar de que algunas de las anotaciones incluidas en este volumen aparecieron en los diarios del autor que edito Galaxia Gutenberg bajo el titulo Quiero dar testimonio hasta el final. Diarios 1933-1945. Una seleccion, la gran mayoria son ineditas, puesto que en la publicacion anterior se omitieron en muchas ocasiones las referencias a peliculas. Ademas, en este caso se incluyen sus textos desde 1929, añadiendose asi los diarios de unos años no contemplados en el volumen anterior.

Alfredo Joskowicz: una vida para el cine, nace como un homenaje de las instituciones de las que fuera su titular, productor, o colega profesional: Instituto Mexicano de Cinematografía, Filmoteca de la UNAM, Estudios Churubusco, la (hoy) ENAC, Centro de Capacitacion Cinematografica, la Cineteca Nacional y el Festival Internacional de Cine en Guadalajara. El libro fue escrito por Orlando Merino y Jaime Garcia Estrada alumnos y colaboradores a partir de exhaustivas entrevistas tematicas que eran transcritas y confeccionadas en el Departamento de Publicaciones del CUEC. Se invito a participar, asimismo, a muchos de sus alumnos, colaboradores y amigos, con testimonios breves sobre su vida, su camaraderia y su contribucion al cine mexicano

La historia del cine mexicano está llena de incontables anécdotas y situaciones que forjaron su personalidad narrativa y visual. Eduardo de la Vega ha encontrado en nuestra historia dos casos que resultan ejemplares sobre cine, literatura, y su impacto en la censura de su respectivo tiempo. Mezcla de biografia, analisis filmico, revision historica y documento sobre los mecanismos de censura, el volumen resulta una disertacion profundamente documentada sobre dos episodios que a la larga resultan emblematicos para el desarrollo de nuestro cine. Tanto El compadre Mendoza (1933) como La sombra del caudillo (1960) se consolidaron como clasicos indiscutibles del cine mexicano. No resulta casual que ambas peliculas hayan sido iniciativas de Juan Bustillo Oro y Julio Bracho, dos de los mas brillantes exponentes del teatro de vanguardia en nuestro pais, y a su vez militantes comprometidos, respectivamente, con el vasconcelismo y con el movimiento a favor de la autonomia universitaria, sucesos ocurridos a fines de la turbulenta decada de los años veinte del siglo pasado. Llama la atencion que ambos dramaturgos, convertidos en cineastas, se hayan visto seducidos por abordar en el plano artistico un tema punzante para el sistema politico emanado de la Revolucion Mexicana: la matanza de Huitzilac; Bustillo Oro en la obra teatral San Miguel de las Espinas, y Bracho en el film La sombra del caudillo, magistral adaptacion de la novela homonima de Martin Luis Guzman. Tales atrevimientos terminarian por confrontarlos con sutiles o abiertas formas de la censura oficial. Son, pues, muchos los vasos comunicantes entre las dos partes que conforman este libro, mismo que no pretende otra cosa que aportar algunos nuevos datos y enfoques al incesante debate en torno a la historia de nuestra cinematografia.

Animación: una perspectiva desde México, nos introduce pues, primeramente, en los antecedentes universales de la animación cuyos orígenes encuentra tanto en la linterna mágica como en la tecnología de los instrumentos precinematograficos de la ilusion de movimiento, la tira comica como precursora de la narrativa audiovisual, asi como en el trabajo de los principales precursores: James Stuart Blackton, Emile Cohl, Georges Melies, Winston McCay, John Randolph Bray y Max Fleisher; las aportaciones estadunidenses, en especial la de Walt Disney; las expresiones de Lotte Reiniger, Norman McLaren, Jiri Trnka, Kihachiro Kawamoto, para terminar en Nick Park.

El diseño en el cine: proyectos de dirección artística, es un recuento de los recursos y procesos creativos que el departamento de arte debe englobar para contribuir con la realización de una película. Este trabajo nos lleva desde la preproduccion, la visualizacion, la conformacion del equipo creativo y el diseño tanto de atmosferas como de personajes, hasta la estructuracion del discurso visual de una produccion cinematografica. Este manual razonado nos habla asimismo de las herramientas del diseño y las relaciones imagen-narracion de los diferentes tipos de sets; tambien nos brinda una guia, paso a paso, sobre como elaborar y presentar proyectos de diseño para cine, en la cual se incluyen algunos ejemplos de ejercicios filmicos realizados en el CUEC, ahora ENAC.