eBooks de Pintores y escultores, página 5 de 8

“Ya conocía a Diego Rivera, el muralista mexicano, mucho antes de encontrarme con los otros “Diego Rivera” que circulaban por el mundo entre principios del siglo XX y finales de la década de los 50.

Detrás de los retratos de Frida Kahlo se ocultan tanto la historia de su vida como la de su obra. Es precisamente esta combinación lo que cautiva al espectador. La obra de Frida es un testimonio de su vida. Pocas veces se puede aprender tanto acerca de un artista con solo contemplar lo que inscribe dentro del marco de sus cuadros. Frida Kahlo es sin lugar a dudas la ofrenda de Mexico a la historia del arte. Tenia apenas dieciocho años cuando un terrible accidente cambio su vida para siempre, dejandola discapacitada y agobiada por un dolor fisico permanente. Pero su caracter explosivo, su ferrea determinacion y su inquebrantable ahinco la ayudaron a formar su talento artistico. A su lado estuvo siempre el gran pintor y muralista mexicano Diego Rivera, cuyo obsesivo donjuanismo no le impidio a Frida conquistarlo con sus encantos, su talento y su inteligencia. Ella aprendio rapidamente a aprovechar el exito de su compañero para explorar el mundo, creando asi su propio legado y rodeandose con gran esmero de un muy estrecho grupo de amigos. Su vida personal fue turbulenta: muchas veces dejo de lado su relacion con Diego mientras cultivaba sus relaciones amorosas con personas de ambos sexos. Pese a esto, Frida y Diego lograron salvar su deteriorado idilio. La historia y las pinturas que Frida nos dejo revelan el valiente relato de una mujer en constante busqueda de si misma.

Raymond Queneau aseguraba que de todos los artistas contemporáneos, Miró "pasa por ser el más secreto". Su marchante francés, Pierre Loeb, no dudaba en afirmar que "era el hombre más misterioso, el mas impenetrable que he conocido en mi vida", y Joan Prats, amigo de infancia del artista, decia: "lo se todo de el y no se nada de el". Miro es el unico gran artista que revoluciono el arte del siglo xx que no contaba con una biografia exhaustiva. Hay muchos libros que estudian desde el punto de vista academico su obra, pero hacia falta una investigacion que tratara de desvelar el enigma Miro, basada en la consulta de archivos y testimonios ineditos. Joan Miro. El niño que hablaba con los arboles desmiente cliches y desvela la titanica lucha de superacion personal de un hombre que tuvo que enfrentarse a sus demonios interiores, a sus padres y a su entorno; resitua a Miro en el centro de la vibrante familia vanguardista y sigue el hilo de sus relaciones con Picasso, Picabia, Tzara, Breton, Bataille, Leiris, Duchamp, Kandinski, los expresionistas abstractos norteamericanos o la filosofia zen, hasta convertirse en un artista total que abarco poesia, musica, arquitectura, escultura, performance, danza y teatro. El libro incide en sus hasta hoy desconocidas relaciones sentimentales, reconstruye por que se ausento de España durante la Guerra Civil y como se las arreglo para sobrevivir durante los años mas duros del franquismo. La biografia se centra en los años 1893-1947, fecha de su primer viaje a Estados Unidos, y se completa con un largo epilogo con los sucesos mas destacados hasta su muerte en 1983.

Pintora y escritora extraordinaria, pionera del surrealismo y figura crucial del arte del último siglo, Leonora Carrington tuvo una vida siempre a contracorriente, tan surrealista como su pintura. Nacio en Inglaterra en una familia acomodada, de la que se fugo con apenas veinte años, y paso temporadas en Francia, España y Portugal antes de embarcarse, junto con gran parte de su generacion artistica europea, rumbo a America, donde encontro una nueva vida.Una vida que, como las de Max Ernst, Marcel Duchamp, Frida Kahlo o Peggy Guggenheim, recorre gran parte de los avatares politicos y artisticos del siglo XX.Esta es su biografia mas personal, escrita por su prima Joanna Moorhead, periodista inglesa que se entero, ya de adulta, de que la famosa Leonora Carrington era familiar suya, y la acompaño durante sus ultimos años.

Rilke quiso publicar estas cartas dirigidas a su mujer, Clara Westhoff, donde deja de manifiesto el hondo influjo de su alma gemela, Cézanne. Rilke se empeña en pintar el mundo con palabras, y compartira opiniones con Orlik, Paul Klee, Vogeler, Rodin o Pasternak. Hay tambien lugar en sus cartas para los deberes de todo artista: la sumision a la naturaleza, la sinceridad, etc.

Nueva edición actualizada de la apasionante historia del mítico cuadro Guernica de Pablo Picasso, convertido en un icono del siglo XX gracias a su fuerza simbólica y a su contenido antibelicista.La historia es conocida. El 26 de abril de 1937, docenas de aviones alemanes de la Legion Condor bombardearon durante tres horas la ciudad de Gernika, lo que causo su destruccion y centenares de muertos.Este tragico suceso inspiro a Pablo Picasso, uno de los artistas mas comprometidos de su tiempo, para acometer la tarea de pintar un cuadro que llegaria a ser sintesis del horror y de la violencia de la cultura occidental moderna y referencia del mundo progresista durante decadas.Guernica se convirtio con el paso del tiempo en uno de los cuadros mas famosos de la historia de la pintura, un lienzo profundamente español y universal que durante las largas decadas franquistas se exhibio en Nueva York pero que, tras la llegada de la democracia, y por expreso deseo del pintor, regreso a España, donde se puede contemplar en el Museo Reina Sofia de Madrid desde octubre de 1981.Este libro -que incluye un extenso prologo que actualiza el analisis del cuadro- es un apasionante recorrido por la gestacion de una obra de arte. Con un estilo ameno, Gijs van Hensbergen recrea el clima y las dificultades del proceso creativo hasta conseguir una autentica biografia de un icono del siglo XX.Paul Preston ha dicho... Esta historia de un cuadro -como se pinto, su significado y su destino final- es un logro extraordinario y aporta una vision sorprendentemente original. El autor recrea con pasion y elegancia la historia de Picasso y su denuncia de la guerra a traves de la vida del artista, del exilio republicano, de la España de Franco, del Paris en guerra y de la Nueva York burguesa para iluminar la travesia de esta obra desde el mismo bombardeo de Gernika hasta su llegada a Madrid en 1981.

Tras el éxito de sus novelas de la serie «Crónicas del Renacimiento» Matar a Leonardo da Vinci y Rezar por Miguel Ángel, Christian Gálvez presenta en esta ocasión un fascinante análisis ilustrado de

Goya no fue sólo uno de los artistas más importantes de su tiempo. Fue también un hombre comprometido con su época y un observador lúcido de lo que de grande y de miserable tiene la condición humana. Hijo de la Ilustracion, Goya fue el testimonio privilegiado de acontecimientos historicos de primer orden, como la entrada en la Peninsula de los ejercitos de Napoleon, que iban a traer a España, como pensaban muchos, el progreso y las ideas de las luces. Sin embargo, ante lo ocurrido, a Goya se le plantearon muchas preguntas: ¿Puede imponerse el bien por la fuerza? ¿Es posible controlar la violencia con la razon? ¿Que via queda abierta cuando todas las promesas han sido traicionadas? Preguntas que hoy siguen planteandose y a las que Goya intento dar respuesta a traves de su pintura. Todorov analiza en este libro al Goya pensador, al indagador de las potencias oscuras que, en paralelo a la voluntad y a la razon, dominan la vida de los hombres. Y nos descubre una forma radicalmente nueva de ver la figura y la obra de Goya hasta situarlo como uno de los pensadores mas profundos, no menos que su contemporaneo Goethe o que Dostoyevski cincuenta años mas tarde.

Las memorias del artista plástico peruano que marcó el siglo XX."Soy pintor. Esas dos simples palabras han dado sentido a mi existencia. ¿Es eso lo que quiero contar? Tal vez sí, pero no se tratasolamente de mi vida. Sobre todo quiero dejar constancia de toda una epoca de gran transformacion del arte y la cultura en el Peru que me toco vivir y en la que he tenido la fortuna de participar. ¿Se explica la vida de una persona de forma aislada? Pienso que no.Yo soy mas yo gracias a mis amigos y las personas que he amado, tambien con las que he discrepado, las que he perdido y hasta algunas que no llegue a conocer, como los artistas y escritores que he admirado y han dejado huella en mi. Esa es la historia que quierocontar, ese es el sentido de estas palabras." Asi empieza el testimonio vital de un artista de 91 años que ha atravesado el sigloXX y sigue plenamente activo. Fernando de Szyszlo (Lima, 1925) es la figura mas relevante del arte peruano desde que en los años cincuenta hizo la primera exposicion de arte abstracto en su pais natal. Pero el caracter independiente que lo caracteriza ha hecho deel, a su vez, un protagonista de la historia del arte latinoamericano y un intelectual comprometido con la defensa de sus ideas. En estas paginas, escritas desde una memoria lucida, aparecen anecdotas de artistas reconocidos, politicos como los Kennedy y los presidentes que ha tenido el Peru, su amistad con Mario Vargas Llosa o su matrimonio con la poeta Blanca Varela. En tono intimo, hablatambien de sus ambiciones, fracasos, penas y amores. Son estas unas memorias llenas de vida, el autorretrato de un triunfador contratodo pronostico, las palabras de un hombre libre. Reseñas: "Solo se puede guardar silencio y escuchar cuando Fernando de Szyszlo habla. Escuchar sus historias con sus grandes amigos, sus fantasmas, como los llama: Arguedas, Eielson, Sologuren, Westphalen, Salazar Bondy. Cada uno tan grande como el otro. Escuchar como defiende a su admirado Mario Vargas Llosa mientras su mirada azul se posa, revolotea, por los rincones de esa casa suya que mas parece un templo. Escuchar y ver como aun lo quiebra hablar de Lorenzo, su hijo que murio a los 35 años en un accidente aereo en 1996. Y referirse a ella, a la poetisa Blanca Varela, su primer amor, el que locolmo en lo intelectual aunque quiza no en lo sentimental. Ahora si, guardemos silencio". Revista Somos "Fernando de Szyszlo logroubicar, quizas por primera vez, al Peru en un debate internacional. Llego a encarnar el paradigma de un arte latinoamericano que podia pensarse en el marco modernista del discurso de un arte universal". Natalia Majluf. Directora del MALI "Soy pintor. Esas dos simples palabras han dado sentido a mi existencia. ¿Es eso lo que quiero contar? Tal vez si, pero no se trata solamente de mi vida. Sobre todo quiero dejar constancia de toda una epoca de gran transformacion del arte y la cultura en el Peru que me toco vivir y en la que he tenido la fortuna de participar. ¿Se explica la vida de una persona de forma aislada? Pienso que no. Yo soy mas yo gracias a mis amigos y las personas que he amado, tambien con las que he discrepado, las que he perdido y hasta algunas que no llegue a conocer, como los artistas y escritores que he admirado y han dejado huella en mi. Esa es la historia que quiero contar, ese es el sentido de estas palabras." Asi empieza el testimonio vital de un artista de 91 años que ha atravesado el siglo XX y sigue plenamente activo. Fernando de Szyszlo (Lima, 1925) es la figura mas relevante del arte peruano desde que en los años cincuenta hizo la primera exposicion de arte abstracto en su pais natal. Pero el caracter independiente que lo caracteriza ha hecho de el, a su vez, un protagonista de la historia del arte latinoamericano y un intelectual comprometido con la defensa de sus ideas.

Velázquez desaparecido, una emocionante indagación en el complejo significado de la autenticidad, rastrea la inquebrantable determinación que impulsa a artistas y coleccionistas, y viaja de la extravagante corte española de la decada de 1700 a las despiadadas casas de subastas de Londres y Nueva York en el siglo XIX.En 1845, el librero ingles John Snare se topo con el retrato ennegrecido de un principe. Al sospechar que podia tratarse de un Velazquez perdido mucho tiempo atras, compro el cuadro y se propuso averiguar su extraña historia. Cuando Laura Cumming tropezo a su vez con la historia de John Snare, emprendio su propia busqueda, cuyo objeto incluia tanto la vida del librero como la vida y obra de Velazquez, un pintor tan maravilloso como escurridizo.Velazquez desaparecido recoge esta enigmatica historia y, ademas, constituye un magnifico acercamiento a la figura del pintor español que cambiara para siempre nuestra apreciacion de su obra.Reseñas: Velazquez desaparecido no solo es una apasionante historia detectivesca y una brillante reconstruccion de una controversia artistica, sino que tambien es un homenaje a la obra de Velazquez, escrito por una critica absolutamente hechizada por su genio, del mismo modo que los lectores quedaran hechizados por su libro. Colm ToibinIngenioso e intrigante. Cumming entreteje las dos historias -la de Snare y la de Velazquez- con tal sutileza que se iluminan entre si de manera sorprendente. Mark Hudson, The Daily TelegraphUna historia extraordinaria. Este estupendo libro es muchas cosas, un estudio de la obsesion, un canto de alabanza a un artista de genio, una historia de detectives y, para el autor, un exorcismo de la pena. Honor Clerk, The SpectatorCumming admira la dignidad y la profunda individualidad que Velazquez confiere a sus personajes. Jennifer Senior, El Cultural (El Mundo)Habla de la obsesion por un lienzo perdido, pero tambien del amor por el arte y de las obras que al contemplarlas iluminan algun aspecto de nosotros mismos. J.L. Martin Nogales, Diario de NavarraLaura Cumming ya ha advertido de que ha escrito un ensayo abierto, que continuara añadiendo capitulos a medida que averigue mas cosas sobre el cuadro. Porque, segun parece, la obsesion que termino con la vida de John Snare tambien se ha apoderado de ella, y no piensa cejar en su empeño de desvelar uno de los misterios mas apasionantes de la historia del arte. Alvaro Colomer, Yo Dona (El Mundo)Con datos, fechas y fuentes verificables, Cumming recrea en Velazquez desaparecido la fuerte atraccion que el lienzo ejercio sobre Snare, quien, sorprendentemente, llego a conclusiones sobre el arte de Velazquez en su Historia y linaje del retrato... que coinciden con lo demostrado mas tarde por los avances cientificos. Jose Maria Rondon, Diario de SevillaCumming nos ofrece un esplendido ensayo sobre la creacion artistica que se puede leer como una novela de aventuras, especialmente indicada para todos aquellos interesados en el mundo del arte, en la Historia, en las idas y vueltas que una pintura puede vivir a lo largo de las decadas, en un pintor tan genial como Velazquez y su manera de entender el ...

MNSIEUR BERGERET was seated at table taking his frugal evening meal. Riquet lay at his feet on a tapestry cushion. Riquet had a religious soul; he rendered divine honours to mankind. He regarded his master as very good and very great. But it was chiefly when he saw him at table that he realized the sovereign greatness and goodness of Monsieur Bergeret.If, to Riquet, all things pertaining to food were precious and impressive, those pertaining to the food of man were sacred. He venerated the dining-room as a temple, the table as an altar. During meals he kept his place at his masters feet, in silence and immobility."Its a spring chicken," said old Angelique as she placed the dish upon the table."Good. Be kind enough to carve it, then," said Monsieur Bergeret, who was a poor hand with weapons and quite hopeless as a carver."Willingly," said Angelique, "but carving isnt womans work, its the gentlemen who ought to carve poultry."

Vasari, prolífico pintor y genial arquitecto de la segunda mitad del siglo XVI, en sus Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos desgrana juicios y pareceres sobre artistas como Giotto, Masaccio, Ghirlandaio, Botticelli, Leonardo da Vinci o Miguel Angel, entre otros. Elogia la belleza de los paños, la habilidad de los escorzos, la justeza de la perspectiva; celebra las actitudes inesperadas, los movimientos captados al vuelo en la observacion del mundo real; y nos regala con esa amenidad del curioso que ante todo se asombra, que con todo se deleita, entrecortando su adquisicion sobre arte con vibrantes cuadros costumbristas de la intimidad de sus heroes.

David Alfaro Siqueiros es conocido en México y en el mundo como uno de los tres grandes exponentes del muralismo mexicano. La triada Rivera, Orozco y Siqueiros de inmediato nos remite a magnos murales que, teniendo como trasfondo la historia e identidad mexicanas, denuncian las injusticias sociales cometidas contra las clases mas desprotegidas del pais como son los obreros y campesinos. En el presente libro; Siqueiros Humanista: La Marcha de la Humanidad, Maricarmen Ramos explora una faceta poco conocida de Siqueiros, en tanto ferviente convencido de la dialectica marxista como una via hacia un humanismo universal. Para tal efecto se apoya en el mural La Marcha de la Humanidad pintado en 1964, y que viene a ser la genesis estilistica de la obra monumental mas grande que existio en su tiempo, nos referimos por supuesto al mural La Marcha de la Humanidad en la Tierra y hacia el Cosmos del Centro Cultural Polyforum Siqueiros, culminado en diciembre de 1971. Mas alla del analisis interpretativo que la iconografia y la iconologia de La Marcha de la Humanidad pueda mostrar, la autora se esfuerza en mostrarnos a un pintor lleno de pasion por la vida y el arte; se trata de la sintesis de un virtuoso y sus valores sociales y artisticos, que a traves de su pensamiento filosofico nos comunica la trascendencia del ser humano en el tiempo y el espacio.

Una mañana de enero de 1941, con 71 años de edad, el artista francés Henri Matisse, aclamado competidor de Pablo Picasso, yace en la cama de un hospital preparándose para morir. Y sucede algo inesperado. La operacion lo deja demasiado debil para salir de la cama, pero le permite trabajar de otro modo. Inventa asi un modo de hacer arte, armado de papel de color y tijeras, iniciando una segunda vida artistica que perdurara entre la mejor obra de uno de los principales artistas del siglo XX.Este libro constituye una aproximacion a esa asombrosa explosion de creatividad que se produce en la ultima decada de Matisse, tan espontanea como el jazz y tan maravillosa como el agua cristalina.

En los siete años que duró la vida artística de Yves Klein (Niza, 1928-París, 1962), que van desde su primera exposición en 1955 hasta el año de su muerte, este experto yudoca tuvo tiempo suficiente para cambiar las cosas. Con la actitud de un preclaro prestidigitador, puso a la vista del publico sus multiples invenciones (los monocromos, la escultura de fuego, la pintura antropometrica, la arquitectura de aire, el vacio, las esponjas, etc.) como reclamos para seducir a la experiencia del mundo en una dimension perfeccionada. Del color, el principal objeto de su obra, dijo: "Es lo que mas se sumerge en la sensibilidad cosmica".

La figura de Andy Warhol (1928-1987) es, sin duda, una de las más carismáticas, no sólo en el contexto del pop art norteamericano, sino también en relación con las diversas tendencias que se dieron en la segunda mitad del siglo XX. Artista polifacetico -grafista, diseñador, pintor, cineasta, fotografo, promotor de grupos musicales y escritor-, se instalo en Nueva York a principios de los años cincuenta y, tras un periodo en el que su tarea estuvo relacionada con el diseño, empezo a pintar. Pronto se hizo muy famoso y su obra ha llegado a influir de manera decisiva en los artistas de generaciones posteriores.

Wolf Vostell (Leverkusen, 1932-Berlín, 1998), artista multimedia, desarrolló su vida y su obra entre sus estudios de Alemania (Colonia, Berlín) y Extremadura (Malpartida de Cáceres, donde fundó un museo). A partir de los años cincuenta fue pionero en Europa de los nuevos comportamientos artisticos como happening, fluxus, video-arte bajo el principio estetico Arte=Vida/Vida=Arte. Importante epigono del arte dadaista, del surrealista y de un expresionismo propio, su principio generador se baso en la tecnica del de-coll/age y la utilizacion del hormigon como configurador de una nueva obra, uniendo o ensamblando elementos despegados, o desechos previamente recogidos de nuestra civilizacion de consumo, para crear metaforas de la violencia belica, del sexo, de la muerte y de otros fenomenos que nos rodean, y desarrollar un arte moral.

Posiblemente sea Joseph Beuys (1921-1986) uno de los artistas más polémicos del arte del siglo XX. Rechazado violentamente por unos, aclamado y seguido por otros, su persona y su obra pocas veces han provocado indiferencia. Beuys ha transitado por diversos territorios para confluir finalmente en uno, que es su concepto integral y vital de la creacion: escultura, dibujo, instalacion, accion, docencia de arte y actividad politica. En su plastica, materiales peculiares adquieren carta de naturaleza: miel, grasa, fieltro, motores electricos, animales Sus acciones se convierten en escenificaciones del mito mas arcaico. Sus discursos, mas politicos que esteticos, se encaminan a regenerar las heridas de la sociedad, proclamando para esta la recuperacion de su propia actividad.

Prácticamente desconocida por el gran público hasta la gran retrospectiva celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1982, cuando la artista contaba 71 años, la escultura de Louise Bourgeois (Paris, 1911), de marcado caracter autobiografico y personal, no es facilmente catalogable en ningun movimiento ni tendencia establecidos. Segun sostiene la propia escultora, toda su produccion gira en torno a una suerte de mito fundador: el adulterio de su padre, que introdujo a su amante, una joven institutriz inglesa llamada Sadie, en la casa familiar. De hecho, desde sus primeros dibujos y pinturas de "Femmes-maison" (Mujeres-casa), realizados en los años cuarenta, hasta sus "Cells", instalaciones a modo de celdas o pequeñas habitaciones, de los años noventa, pasando por sus esculturas de yeso y latex de los sesenta o imagenes del cuerpo desmembrado de la decada de los ochenta, toda su produccion se halla marcada, de una forma u otra, por ese recuerdo de la "traicion" paterna. Ello no implica, sin embargo, que la escultura de Bourgeois tenga un significado exclusivamente intimo o biografico. Su obra nos desvela las relaciones de poder, la situacion de opresion sexual y la experiencia de dolor que anidan en el interior de la familia patriarcal, demostrando en ultimo termino que, como subraya el celebre eslogan feminista, "lo personal es politico".

Innovador y polémico, la obra de Richard Serra (1939) se basa en el uso de formas geométricas abstractas y se encuadra en el genérico posminimalismo desarrollado desde fines de los años sesenta. Básicamente escultor, su extensa produccion abarca diversos generos: escultura, obra grafica y filmica En sus piezas escultoricas destaca el interes por los materiales y procesos industriales, explotando las posibilidades tectonicas del acero para construir piezas "sin pedestal" que se acercan a la arquitectura en terminos de escala y tamaño. Piezas, muchas veces concebidas especificamente para lugares concretos, que aspiran con su presencia a la redefinicion fisica y perceptiva del emplazamiento, sea arquitectonico, urbano o paisaje natural. Serra desarrolla a lo largo de su trayectoria un interes progresivo por los procesos de recepcion del espectador. Su obra se basa en unos principios constructivos muy simples que entrañan una gran complejidad perceptiva estimulando la dialectica entre el sujeto, el objeto y el contexto espacial, creando una concepcion espacio-temporal de la percepcion que situa en el espectador el centro de sus investigaciones y que sera llevada a sus extremos en obras en el paisaje urbano y natural. Asi, las piezas de Serra proyectan espacios de comportamiento que envuelven al espectador en una voragine sensorial y psicologica no exenta de evocaciones ilusionistas y metaforicas en algunas de sus ultimas obras.