eBooks de Artistas contemporáneos, página 3 de 6

¿Cómo llegó Dalí a ser Dalí? ¿Quién se escondía detrás de la máscara del gran exhibicionista posterior?«¡Dígales que yo fui surrealista antes de conocer a Gala!»Con solicitud tan imperiosa, Salvador

"Me llamo Remedios Varo Uranga. Nací el 16 de diciembre de 1908 bajo el signo sagitario, el arquero que siempre busca la verdad, el escrutiñador del cielo... Tal vez por eso me volví artista."Remedios Varo fue una artista con una imaginacion fecunda que cruzo la alquimia, el surrealismo, el subconsciente. En este libro, Silvana Avila le rinde homenaje....cuando se marco por esa calle -que tan bien conocia- de los adioses, fueron a despedirla criaturas de hermosura. Esas que rescato del caos, de la sombra, de la contradiccion, y las hizo vivir en la atmosfera magica creada por su aliento. Metamofrosis de la hechiceraRosario Castellanos

Los años pasan y Dalí se agranda. No sólo por lo que respecta a su periodo más emblemático, el surrealista, que por sí sólo le valdría para figurar en el Olimpo de los pintores, sino por encarnar antes que nadie al artista contemporaneo en sus relaciones con los medios.Su produccion artistica es un catalogo multidiscipinar (pintura, dibujo, ilustracion, escritura, escultura, teatro, happenings, cine, fotografia, joyas, diseño...) y su vida un guion trepidante de Hollywood con Gala de coprotagonista y fructiferos periodos en Paris, Nueva York o Italia.Solo el Emporda lo arraiga a sus origenes, al cual le debe mucha inspiracion y al cual ha devuelto un enorme impacto benefico: su teatro-museo de Figueres, completado con el castillo de Pubol y la casa-museo de Portlligat, figura entre los mas visitados en España.

El relato personal, lleno de emoción y amor, de dos artistas contemporáneos de primer nivel, los pintores Lucio Muñoz y Amalia Avia, vistos a través de la mirada de su hijo.«Una lectura fundamental p

"No nací hombre ni mujer. Nací bebé. Necesito tiempo para saber quién soy." Así empieza la autobiografía ilustrada de Roberta Marrero: la historia real de una niña que nace en el cuerpo de un niño y de su camino hacia el autodescubrimiento y la afirmacion de su propia identidad. Desde la infancia hasta la adolescencia vamos conociendo el mundo interior de este personaje "extraterrestre", el bebe verde, que crece viendo negada constantemente su propia imagen, su alma, su personalidad, su yo mas autentico. ¿Como se sobrevive en un entorno tan hostil? No olvidando que "siempre tienes que ser tu misma, no importa el precio. Es la forma mas alta de moralidad". Una historia real salpicada del universo visual y grafico de una artista rompedora y original, que ha sabido afirmarse como nadie mas alla de las fronteras españolas. Con prologo de Virginie Despentes.

La obra del pintor Jorge Oramas (1911-1935) llama enseguida la atención por su extraña pureza, que configura un mundo pictórico al mismo tiempo enigmático y preciso. Ya se trate de paisajes rurales o urbanos, ya de retratos o de bodegones, sus cuadros aparecen definidos por una rara economia y simplicidad, por un espiritu geometrico alzado sobre "un silencio y apacibilidad casi quietistas", como asegura el poeta Andres Sanchez Robayna en esta breve e intensa monografia. Un mundo plastico doblemente asombroso en la medida en que Oramas, fallecido a los 24 años, apenas conto con un lustro para realizar su obra, madura ya casi, sin embargo, desde sus comienzos. El estatismo, la objetivacion del espacio -palmerales, tuneras, casas, pitas, colinas-, el mar alto y erguido como limite, parecen plasmar un himno a la hora presente bajo la luz del mediodia atlantico. "Todo esta aqui -escribe Sanchez Robayna- en un interminable mediodia del ojo." Estamos ante imagenes primordiales y primitivas, cercanas tanto a la Nueva Objetividad de la pintura europea de la epoca como a la "pittura metafisica", imagenes capaces de entregarnos un instante suspendido en el transcurrir del tiempo.

Se publican en este volumen De mi vida (Aus meinem Leben), un texto que fue componiéndose en sucesivas adiciones entre 1911 y 1952, y Desde la mesa del dibujante (1939), además de breves fragmentos autobiograficos que aparecieron en diversas publicaciones de Kubin. Si en De mi vida narra con toda sinceridad una trayectoria biografica que va desde la infancia hasta la vejez, desde las travesuras iniciales hasta los problemas fisicos causados por la edad, y destaca los efectos del paso del tiempo, en Desde la mesa del dibujante articula los momentos biograficos con acontecimientos y reflexiones sobre su propio trabajo, sobre la condicion del dibujante y del ilustrador, pero tambien sobre el mundo que ha creado, su naturaleza crepuscular. La presente edicion, en textos traducidos directamente del aleman, ha sido preparada por Sela Bozal, profesora de la Universidad Humboldt (Berlin), que ha revisado la traduccion y escrito una amplia introduccion.

La irrupción del expresionismo abstracto o pintura de acción en los años cuarenta trajo consigo un cambio sustancial en las interpretaciones habituales del arte moderno, métodos y criterios historiograficos y criticos. En este marco la obra de Jackson Pollock ocupa el lugar mas destacado y muchos de los nuevos estudios le estan dedicados. Cabe afirmar que en torno a ella se produjo un verdadero debate. En el presente libro se recogen algunos de los mas importantes momentos, ensayos, de ese debate. William Rubin, Director del Departamento de Pintura y Escultura del MoMA entre 1973 y 1988, responsable de algunas de las exposiciones mas importantes de la epoca y una de las figuras mas destacadas en el ambito de la museografia, situa la obra de Pollock en la estela del impresionismo, el cubismo y el surrealismo. Sin ignorar la influencia del cubismo y el surrealismo, Clement Greenberg afirma la radical novedad de Pollock, mientras que Michael FitzGerald analiza sus controvertidas relaciones con Picasso en el ambito del arte de Nueva York en los años cuarenta. Michael Leja aporta una perspectiva de corte psicologista y Rosalind Krauss se inclina por el formalismo.La personalidad de Jackson Pollock acaparo la atencion publica, que llego a ver en el pintor una imagen "modelica" del artista contemporaneo: indomito, independiente, directo, agil, dinamico, heterodoxo, sin raices con la tradicion, etc. Esta imagen se crea a partir de entrevistas y declaraciones, articulos en revistas no especializadas de gran circulacion, como Life, Time o Vogue, los relatos de sus amigos, las fotografias y la pelicula de Hans Namuth, en textos que se recogen en el presente libro, una antologia que nos permite comprender tanto la obra de Pollock como su incidencia sobre el arte actual, asi como la complejidad de este.

La autora analiza pinturas y dibujos realizados por Picasso en el verano de 1906 en Gósol. Habitualmente se ha considerado que buena parte de esta obra formaba parte –aunque una parte excéntrica y he

El relato de la amistad entre Giacometti y Majes Lord llevado al cine por Stanley Tucci. Final Portrait - El arte de la amistadJames Lord llegó a París en 1945 y pronto entró en contacto con numerosos artistas.Alberto Giacometti pinto su retrato en 1964 y el texto que ahora se ofrece es un relato de las dieciocho sesiones de pose, que Lord escribio a partir de sus anotaciones y recuerdos."Sin duda escribe Lord cualquiera que conozca bien a Giacometti le habra oido decir en alguna ocasion que, por primera vez en su vida, estaba a punto de conseguir algo de verdad.Y, sin duda, su conviccion era sincera en aquel momento. Pero, para un observador externo, podria parecer que la obra que ha provocado esta relacion no es radicalmente diferente de las que la precedieron.Mas aun, en realidad no le parecera una obra muy distinta de las que vendran despues, algunas de lascuales, sin duda, produciran en el la misma reaccion. En suma, esta reaccion parece mas una expresion de toda su actitud creativa que de su relacion momentanea con cualquier obra de arte en proceso.Probablemente, Giacometti lo negara, pero yo creo que es cierto."

Guillaume Apollinaire publicó Méditations esthétiques. Les peintres cubistes en 1913. En este momento el cubismo había alcanzado una fuerte actualidad y en torno a él se desarrollaba un amplio debate.Apollinaire divide su texto en dos partes fundamentales: en la primera expone los que podemos considerar fundamentos teoricos de la pintura cubista; en la segunda, analiza la obra de, entre otros, Picasso, Braque, Gris, Gleizes, Metzinger, Marie Laurencin, Leger...A traves de todos estos artistas advierte Apollinaire la nueva direccion que adquiere el arte de nuestro siglo, un camino que durante mucho tiempo se ha considerado sin retorno.De una gran belleza literaria, el texto de Apollinaire se ha convertido en una obra clasica, y, al igual que los artistas a los que se refiere, parte el mismo de la historia del arte contemporaneo. La edicion que presentamos se completa con un epilogo de Valeriano Bozal sobre Apollinaire y el Cubismo.

"Dalí: lo crudo y lo podrido" es un libro tripartito que se centra en algunos temas fundamentales: su visión del cuerpo y del amor, de la podredumbre, el excremento, la dureza mineral, el camuflaje, la guerra y la historia, etc. Se complementa con otros analisis especificos dedicados a su concepcion de la arquitectura y a las complejas implicaciones morales e intelectuales del metodo paranoico-critico. Un conjunto articulado de tres ensayos relativamente independientes entre si, aunque unidos por un mismo tratamiento literario con precision y rigor academico, pero tambien con la brillantez del analisis critico.

Fried ofrece una interpretación original de la pintura de Courbet, en la que destaca tanto su visualidad como su sentido alegórico y metafórico. Los grandes temas del artista y los grandes tópicos de la historiografia son analizados con la minuciosidad que le es caracteristica: el realismo de Courbet, su "sentido" politico, su "vision natural"... Y a buen seguro que alguna de estas cuestiones la feminidad de Courbet, por ejemplo sorprenderan al lector.

Gala Dalí fue una mujer que se quiso ella misma secreta. Mientras los hombres con los que compartió su vida ganaban en notoriedad hasta convertirse en figuras universales, ella optaba por mantenerse en la sombra, hasta el punto de generar una imagen de mujer fria, altiva, egoista, inaccesible. En realidad, Gala fue una mujer muy distinta. En esta narracion biografica, Monika Zgustova desvela a la mujer decidida, valiente y apasionada, que supo perseguir con determinacion sus anhelos y acompañar decisivamente a los tres hombres que, junto a ella, llegaron a ser grandes figuras de la poesia y el arte universales: Paul Eluard, Max Ernst y Salvador Dali. Para los tres, Gala fue mucho mas que su amante: fue la compañera que trabajaria con ellos su obra y la criticaria, y quien les dio la fuerza y la confianza para afianzarse como grandes creadores. A los tres los conocio cuando tenian entre los diecisiete y los treinta años. Y fue a traves de Gala y con Gala que llegaron a ser lo que fueron. Monika Zgustova saca a la luz aspectos hasta ahora ignorados o poco conocidos de la vida de Gala: la relacion con su padre adoptivo y su familia; la influencia que tuvo en ella la amistad de adolescencia con la poeta Marina Tsvetaieva y la hermana de esta, Asia; de que manera la Revolucion bolchevique de 1917 y los años previos la marcaron para siempre; como a los veintidos años cruzo la Europa de la Primera Guerra Mundial, de Moscu hasta Paris, para reencontrarse con su amor Paul Eluard; como por amor a Salvador Dali se fue a vivir con el a una cabaña junto al mar en invierno, sin comodidad alguna, y una pulmonia estuvo a punto de acabar con su vida. De este libro emerge pues una Gala mucho mas compleja, rica y apasionante de lo que hasta ahora se conocia: el retrato de una mujer que rompio con los estereotipos de su epoca para convertirse en una de las mujeres mas decisivas en el arte y la literatura del siglo xx.

Los colores de luz descubre las reflexiones de dos mujeres muy distintas que comparten inquietudes en torno al mundo en el que viven. La pintora Isabel Guerra y la escritora Magdalena Lasala analizan desde la perspectiva de sus propias vidas como mujeres de este tiempo, diversos temas relativos a la existencia humana y lo hacen con la sencillez de la amistad y la lucidez de la madurez creativa. Asi, ponen el foco de atencion sobre cuestiones tan diversas como la diferencia entre fe y religion, la idea de Dios, el amor y la belleza, la vivencia de la verdad y la mentira, la condicion de crear dentro de la vida monacal o su vision de la Iglesia como institucion hoy.En Los colores de la luz, Magdalena Lasala aporta el trazo literario e Isabel Guerra el trazo vital a una serie de temas de rotunda y a la vez permanente actualidad. Logran el equilibrio entre lo poetico y lo intelectual para provocar la reflexion del lector y poner el foco de atencion sobre cuestiones de interes humano, asumiendo el riesgo de abordar con autenticidad temas nunca antes planteados.Sus diferentes formas de vida ?Isabel, religiosa catolica practicante de vida monacal, Magdalena, poeta que desde la intelectualidad filosofica de su formacion en psicologia humanistica es una convencida de la transcendencia del ser humano?, permiten un atractivo encuentro intelectual llamado a contribuir de forma activa al despertar de las conciencias del mundo de hoy.

Raymond Queneau aseguraba que de todos los artistas contemporáneos, Miró "pasa por ser el más secreto". Su marchante francés, Pierre Loeb, no dudaba en afirmar que "era el hombre más misterioso, el mas impenetrable que he conocido en mi vida", y Joan Prats, amigo de infancia del artista, decia: "lo se todo de el y no se nada de el". Miro es el unico gran artista que revoluciono el arte del siglo xx que no contaba con una biografia exhaustiva. Hay muchos libros que estudian desde el punto de vista academico su obra, pero hacia falta una investigacion que tratara de desvelar el enigma Miro, basada en la consulta de archivos y testimonios ineditos. Joan Miro. El niño que hablaba con los arboles desmiente cliches y desvela la titanica lucha de superacion personal de un hombre que tuvo que enfrentarse a sus demonios interiores, a sus padres y a su entorno; resitua a Miro en el centro de la vibrante familia vanguardista y sigue el hilo de sus relaciones con Picasso, Picabia, Tzara, Breton, Bataille, Leiris, Duchamp, Kandinski, los expresionistas abstractos norteamericanos o la filosofia zen, hasta convertirse en un artista total que abarco poesia, musica, arquitectura, escultura, performance, danza y teatro. El libro incide en sus hasta hoy desconocidas relaciones sentimentales, reconstruye por que se ausento de España durante la Guerra Civil y como se las arreglo para sobrevivir durante los años mas duros del franquismo. La biografia se centra en los años 1893-1947, fecha de su primer viaje a Estados Unidos, y se completa con un largo epilogo con los sucesos mas destacados hasta su muerte en 1983.

Pintora y escritora extraordinaria, pionera del surrealismo y figura crucial del arte del último siglo, Leonora Carrington tuvo una vida siempre a contracorriente, tan surrealista como su pintura. Nacio en Inglaterra en una familia acomodada, de la que se fugo con apenas veinte años, y paso temporadas en Francia, España y Portugal antes de embarcarse, junto con gran parte de su generacion artistica europea, rumbo a America, donde encontro una nueva vida.Una vida que, como las de Max Ernst, Marcel Duchamp, Frida Kahlo o Peggy Guggenheim, recorre gran parte de los avatares politicos y artisticos del siglo XX.Esta es su biografia mas personal, escrita por su prima Joanna Moorhead, periodista inglesa que se entero, ya de adulta, de que la famosa Leonora Carrington era familiar suya, y la acompaño durante sus ultimos años.

Rilke quiso publicar estas cartas dirigidas a su mujer, Clara Westhoff, donde deja de manifiesto el hondo influjo de su alma gemela, Cézanne. Rilke se empeña en pintar el mundo con palabras, y compartira opiniones con Orlik, Paul Klee, Vogeler, Rodin o Pasternak. Hay tambien lugar en sus cartas para los deberes de todo artista: la sumision a la naturaleza, la sinceridad, etc.

Nueva edición actualizada de la apasionante historia del mítico cuadro Guernica de Pablo Picasso, convertido en un icono del siglo XX gracias a su fuerza simbólica y a su contenido antibelicista.La historia es conocida. El 26 de abril de 1937, docenas de aviones alemanes de la Legion Condor bombardearon durante tres horas la ciudad de Gernika, lo que causo su destruccion y centenares de muertos.Este tragico suceso inspiro a Pablo Picasso, uno de los artistas mas comprometidos de su tiempo, para acometer la tarea de pintar un cuadro que llegaria a ser sintesis del horror y de la violencia de la cultura occidental moderna y referencia del mundo progresista durante decadas.Guernica se convirtio con el paso del tiempo en uno de los cuadros mas famosos de la historia de la pintura, un lienzo profundamente español y universal que durante las largas decadas franquistas se exhibio en Nueva York pero que, tras la llegada de la democracia, y por expreso deseo del pintor, regreso a España, donde se puede contemplar en el Museo Reina Sofia de Madrid desde octubre de 1981.Este libro -que incluye un extenso prologo que actualiza el analisis del cuadro- es un apasionante recorrido por la gestacion de una obra de arte. Con un estilo ameno, Gijs van Hensbergen recrea el clima y las dificultades del proceso creativo hasta conseguir una autentica biografia de un icono del siglo XX.Paul Preston ha dicho... Esta historia de un cuadro -como se pinto, su significado y su destino final- es un logro extraordinario y aporta una vision sorprendentemente original. El autor recrea con pasion y elegancia la historia de Picasso y su denuncia de la guerra a traves de la vida del artista, del exilio republicano, de la España de Franco, del Paris en guerra y de la Nueva York burguesa para iluminar la travesia de esta obra desde el mismo bombardeo de Gernika hasta su llegada a Madrid en 1981.

Goya no fue sólo uno de los artistas más importantes de su tiempo. Fue también un hombre comprometido con su época y un observador lúcido de lo que de grande y de miserable tiene la condición humana. Hijo de la Ilustracion, Goya fue el testimonio privilegiado de acontecimientos historicos de primer orden, como la entrada en la Peninsula de los ejercitos de Napoleon, que iban a traer a España, como pensaban muchos, el progreso y las ideas de las luces. Sin embargo, ante lo ocurrido, a Goya se le plantearon muchas preguntas: ¿Puede imponerse el bien por la fuerza? ¿Es posible controlar la violencia con la razon? ¿Que via queda abierta cuando todas las promesas han sido traicionadas? Preguntas que hoy siguen planteandose y a las que Goya intento dar respuesta a traves de su pintura. Todorov analiza en este libro al Goya pensador, al indagador de las potencias oscuras que, en paralelo a la voluntad y a la razon, dominan la vida de los hombres. Y nos descubre una forma radicalmente nueva de ver la figura y la obra de Goya hasta situarlo como uno de los pensadores mas profundos, no menos que su contemporaneo Goethe o que Dostoyevski cincuenta años mas tarde.