eBooks de Artistas contemporáneos, página 4 de 6

Las memorias del artista plástico peruano que marcó el siglo XX."Soy pintor. Esas dos simples palabras han dado sentido a mi existencia. ¿Es eso lo que quiero contar? Tal vez sí, pero no se tratasolamente de mi vida. Sobre todo quiero dejar constancia de toda una epoca de gran transformacion del arte y la cultura en el Peru que me toco vivir y en la que he tenido la fortuna de participar. ¿Se explica la vida de una persona de forma aislada? Pienso que no.Yo soy mas yo gracias a mis amigos y las personas que he amado, tambien con las que he discrepado, las que he perdido y hasta algunas que no llegue a conocer, como los artistas y escritores que he admirado y han dejado huella en mi. Esa es la historia que quierocontar, ese es el sentido de estas palabras." Asi empieza el testimonio vital de un artista de 91 años que ha atravesado el sigloXX y sigue plenamente activo. Fernando de Szyszlo (Lima, 1925) es la figura mas relevante del arte peruano desde que en los años cincuenta hizo la primera exposicion de arte abstracto en su pais natal. Pero el caracter independiente que lo caracteriza ha hecho deel, a su vez, un protagonista de la historia del arte latinoamericano y un intelectual comprometido con la defensa de sus ideas. En estas paginas, escritas desde una memoria lucida, aparecen anecdotas de artistas reconocidos, politicos como los Kennedy y los presidentes que ha tenido el Peru, su amistad con Mario Vargas Llosa o su matrimonio con la poeta Blanca Varela. En tono intimo, hablatambien de sus ambiciones, fracasos, penas y amores. Son estas unas memorias llenas de vida, el autorretrato de un triunfador contratodo pronostico, las palabras de un hombre libre. Reseñas: "Solo se puede guardar silencio y escuchar cuando Fernando de Szyszlo habla. Escuchar sus historias con sus grandes amigos, sus fantasmas, como los llama: Arguedas, Eielson, Sologuren, Westphalen, Salazar Bondy. Cada uno tan grande como el otro. Escuchar como defiende a su admirado Mario Vargas Llosa mientras su mirada azul se posa, revolotea, por los rincones de esa casa suya que mas parece un templo. Escuchar y ver como aun lo quiebra hablar de Lorenzo, su hijo que murio a los 35 años en un accidente aereo en 1996. Y referirse a ella, a la poetisa Blanca Varela, su primer amor, el que locolmo en lo intelectual aunque quiza no en lo sentimental. Ahora si, guardemos silencio". Revista Somos "Fernando de Szyszlo logroubicar, quizas por primera vez, al Peru en un debate internacional. Llego a encarnar el paradigma de un arte latinoamericano que podia pensarse en el marco modernista del discurso de un arte universal". Natalia Majluf. Directora del MALI "Soy pintor. Esas dos simples palabras han dado sentido a mi existencia. ¿Es eso lo que quiero contar? Tal vez si, pero no se trata solamente de mi vida. Sobre todo quiero dejar constancia de toda una epoca de gran transformacion del arte y la cultura en el Peru que me toco vivir y en la que he tenido la fortuna de participar. ¿Se explica la vida de una persona de forma aislada? Pienso que no. Yo soy mas yo gracias a mis amigos y las personas que he amado, tambien con las que he discrepado, las que he perdido y hasta algunas que no llegue a conocer, como los artistas y escritores que he admirado y han dejado huella en mi. Esa es la historia que quiero contar, ese es el sentido de estas palabras." Asi empieza el testimonio vital de un artista de 91 años que ha atravesado el siglo XX y sigue plenamente activo. Fernando de Szyszlo (Lima, 1925) es la figura mas relevante del arte peruano desde que en los años cincuenta hizo la primera exposicion de arte abstracto en su pais natal. Pero el caracter independiente que lo caracteriza ha hecho de el, a su vez, un protagonista de la historia del arte latinoamericano y un intelectual comprometido con la defensa de sus ideas.

MNSIEUR BERGERET was seated at table taking his frugal evening meal. Riquet lay at his feet on a tapestry cushion. Riquet had a religious soul; he rendered divine honours to mankind. He regarded his master as very good and very great. But it was chiefly when he saw him at table that he realized the sovereign greatness and goodness of Monsieur Bergeret.If, to Riquet, all things pertaining to food were precious and impressive, those pertaining to the food of man were sacred. He venerated the dining-room as a temple, the table as an altar. During meals he kept his place at his masters feet, in silence and immobility."Its a spring chicken," said old Angelique as she placed the dish upon the table."Good. Be kind enough to carve it, then," said Monsieur Bergeret, who was a poor hand with weapons and quite hopeless as a carver."Willingly," said Angelique, "but carving isnt womans work, its the gentlemen who ought to carve poultry."

David Alfaro Siqueiros es conocido en México y en el mundo como uno de los tres grandes exponentes del muralismo mexicano. La triada Rivera, Orozco y Siqueiros de inmediato nos remite a magnos murales que, teniendo como trasfondo la historia e identidad mexicanas, denuncian las injusticias sociales cometidas contra las clases mas desprotegidas del pais como son los obreros y campesinos. En el presente libro; Siqueiros Humanista: La Marcha de la Humanidad, Maricarmen Ramos explora una faceta poco conocida de Siqueiros, en tanto ferviente convencido de la dialectica marxista como una via hacia un humanismo universal. Para tal efecto se apoya en el mural La Marcha de la Humanidad pintado en 1964, y que viene a ser la genesis estilistica de la obra monumental mas grande que existio en su tiempo, nos referimos por supuesto al mural La Marcha de la Humanidad en la Tierra y hacia el Cosmos del Centro Cultural Polyforum Siqueiros, culminado en diciembre de 1971. Mas alla del analisis interpretativo que la iconografia y la iconologia de La Marcha de la Humanidad pueda mostrar, la autora se esfuerza en mostrarnos a un pintor lleno de pasion por la vida y el arte; se trata de la sintesis de un virtuoso y sus valores sociales y artisticos, que a traves de su pensamiento filosofico nos comunica la trascendencia del ser humano en el tiempo y el espacio.

Una mañana de enero de 1941, con 71 años de edad, el artista francés Henri Matisse, aclamado competidor de Pablo Picasso, yace en la cama de un hospital preparándose para morir. Y sucede algo inesperado. La operacion lo deja demasiado debil para salir de la cama, pero le permite trabajar de otro modo. Inventa asi un modo de hacer arte, armado de papel de color y tijeras, iniciando una segunda vida artistica que perdurara entre la mejor obra de uno de los principales artistas del siglo XX.Este libro constituye una aproximacion a esa asombrosa explosion de creatividad que se produce en la ultima decada de Matisse, tan espontanea como el jazz y tan maravillosa como el agua cristalina.

En los siete años que duró la vida artística de Yves Klein (Niza, 1928-París, 1962), que van desde su primera exposición en 1955 hasta el año de su muerte, este experto yudoca tuvo tiempo suficiente para cambiar las cosas. Con la actitud de un preclaro prestidigitador, puso a la vista del publico sus multiples invenciones (los monocromos, la escultura de fuego, la pintura antropometrica, la arquitectura de aire, el vacio, las esponjas, etc.) como reclamos para seducir a la experiencia del mundo en una dimension perfeccionada. Del color, el principal objeto de su obra, dijo: "Es lo que mas se sumerge en la sensibilidad cosmica".

La figura de Andy Warhol (1928-1987) es, sin duda, una de las más carismáticas, no sólo en el contexto del pop art norteamericano, sino también en relación con las diversas tendencias que se dieron en la segunda mitad del siglo XX. Artista polifacetico -grafista, diseñador, pintor, cineasta, fotografo, promotor de grupos musicales y escritor-, se instalo en Nueva York a principios de los años cincuenta y, tras un periodo en el que su tarea estuvo relacionada con el diseño, empezo a pintar. Pronto se hizo muy famoso y su obra ha llegado a influir de manera decisiva en los artistas de generaciones posteriores.

Wolf Vostell (Leverkusen, 1932-Berlín, 1998), artista multimedia, desarrolló su vida y su obra entre sus estudios de Alemania (Colonia, Berlín) y Extremadura (Malpartida de Cáceres, donde fundó un museo). A partir de los años cincuenta fue pionero en Europa de los nuevos comportamientos artisticos como happening, fluxus, video-arte bajo el principio estetico Arte=Vida/Vida=Arte. Importante epigono del arte dadaista, del surrealista y de un expresionismo propio, su principio generador se baso en la tecnica del de-coll/age y la utilizacion del hormigon como configurador de una nueva obra, uniendo o ensamblando elementos despegados, o desechos previamente recogidos de nuestra civilizacion de consumo, para crear metaforas de la violencia belica, del sexo, de la muerte y de otros fenomenos que nos rodean, y desarrollar un arte moral.

Posiblemente sea Joseph Beuys (1921-1986) uno de los artistas más polémicos del arte del siglo XX. Rechazado violentamente por unos, aclamado y seguido por otros, su persona y su obra pocas veces han provocado indiferencia. Beuys ha transitado por diversos territorios para confluir finalmente en uno, que es su concepto integral y vital de la creacion: escultura, dibujo, instalacion, accion, docencia de arte y actividad politica. En su plastica, materiales peculiares adquieren carta de naturaleza: miel, grasa, fieltro, motores electricos, animales Sus acciones se convierten en escenificaciones del mito mas arcaico. Sus discursos, mas politicos que esteticos, se encaminan a regenerar las heridas de la sociedad, proclamando para esta la recuperacion de su propia actividad.

Prácticamente desconocida por el gran público hasta la gran retrospectiva celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1982, cuando la artista contaba 71 años, la escultura de Louise Bourgeois (Paris, 1911), de marcado caracter autobiografico y personal, no es facilmente catalogable en ningun movimiento ni tendencia establecidos. Segun sostiene la propia escultora, toda su produccion gira en torno a una suerte de mito fundador: el adulterio de su padre, que introdujo a su amante, una joven institutriz inglesa llamada Sadie, en la casa familiar. De hecho, desde sus primeros dibujos y pinturas de "Femmes-maison" (Mujeres-casa), realizados en los años cuarenta, hasta sus "Cells", instalaciones a modo de celdas o pequeñas habitaciones, de los años noventa, pasando por sus esculturas de yeso y latex de los sesenta o imagenes del cuerpo desmembrado de la decada de los ochenta, toda su produccion se halla marcada, de una forma u otra, por ese recuerdo de la "traicion" paterna. Ello no implica, sin embargo, que la escultura de Bourgeois tenga un significado exclusivamente intimo o biografico. Su obra nos desvela las relaciones de poder, la situacion de opresion sexual y la experiencia de dolor que anidan en el interior de la familia patriarcal, demostrando en ultimo termino que, como subraya el celebre eslogan feminista, "lo personal es politico".

Innovador y polémico, la obra de Richard Serra (1939) se basa en el uso de formas geométricas abstractas y se encuadra en el genérico posminimalismo desarrollado desde fines de los años sesenta. Básicamente escultor, su extensa produccion abarca diversos generos: escultura, obra grafica y filmica En sus piezas escultoricas destaca el interes por los materiales y procesos industriales, explotando las posibilidades tectonicas del acero para construir piezas "sin pedestal" que se acercan a la arquitectura en terminos de escala y tamaño. Piezas, muchas veces concebidas especificamente para lugares concretos, que aspiran con su presencia a la redefinicion fisica y perceptiva del emplazamiento, sea arquitectonico, urbano o paisaje natural. Serra desarrolla a lo largo de su trayectoria un interes progresivo por los procesos de recepcion del espectador. Su obra se basa en unos principios constructivos muy simples que entrañan una gran complejidad perceptiva estimulando la dialectica entre el sujeto, el objeto y el contexto espacial, creando una concepcion espacio-temporal de la percepcion que situa en el espectador el centro de sus investigaciones y que sera llevada a sus extremos en obras en el paisaje urbano y natural. Asi, las piezas de Serra proyectan espacios de comportamiento que envuelven al espectador en una voragine sensorial y psicologica no exenta de evocaciones ilusionistas y metaforicas en algunas de sus ultimas obras.

Emilio Vedova es uno de los artistas más representativos del informalismo europeo, tanto por el indiscutible interés de su producción, cuanto por su posicionamiento social, lo que le convierte en paradigma del artista comprometido. Su trayectoria creativa cubre toda la segunda mitad del siglo XX. Sus inicios en los años treinta se hallan marcados por la exploracion del territorio de la pintura a partir de la abstraccion expresiva. A finales de los cuarenta conforma una poetica informalista apostando con intensidad por los significados sociales, y a partir de los cincuenta crea instalaciones. Desde mediados de los ochenta intensifica el tratamiento barroquizante de su pintura utilizando para ello soportes pictoricos circulares que incluyen elementos extrapictoricos a los que denomina "tondi". En definitiva, una trayectoria coherente que marca por si misma una de las posiciones de la creacion plastica surgidas en el marco de la posguerra.

A través sobre todo del semanario oficial de la UGT, ¡¡Trabajadores!!, que sale a la luz el 9 de marzo del primer año republicano y deja de publicarse en la fecha terminal, cinco años más tarde, este libro, intenta relatar con el mayor equilibrio posible, la historia de los socialistas y ugetistas navarros desde el 5 de abril de 1931 al 18 de julio de 1936.

El escultor, dibujante y diseñador valenciano Andreu Alfaro Hernández (1929-2012) inició su actividad artística a finales de los años cincuenta con una escultura abstracta de herencia constructivista. En la segunda mitad de los años setenta, empieza a ser conocido entre un publico mas amplio por unas esculturas geometricas de sorprendentes efectos opticos y cineticos. Pero el exito no detiene su evolucion, y en la decada de los ochenta da un giro radical a su obra, para replantearse los problemas tradicionales de la escultura como la piedra, el volumen o la figuracion, inspirandose en grandes motivos culturales. Alfaro no es solo uno de los grandes escultores españoles de la segunda mitad del siglo XX, es tambien un referente intelectual de la cultura valenciana, como el lector podra comprobar en esta primera seleccion de sus escritos y entrevistas.

El libro cuenta la aventura del descubrimiento e investigación para demostrar su autoría de un cuadro de Dalí comprado por 150 eu. hace 27 años. Para después continuar el descifrado de importantes enigmas dalinianos como son: el nacimiento a partir de un huevo, su vida intrauterina, el asesinato de su hermano, que decia que murio a los 7 años, como se transforma en el divino Dali, etc. Esta pintura esta destinada a figurar en los libros de Arte y en la historia de la pintura surrealista, ya que segun Nicolas Descharnes: Este cuadro puede considerarse como la primera obra surrealista de Dali, aunque el movimiento no fue fundado hasta el año 1924 por Breton; y en esta pintura ya encontramos los fundamentos del metodo paranoio criticoA partir de la extraña dedicatoria del cuadro, se ha descubierto que en esta y en otras obras utilizo la numerologia. Y a partir de aqui descubrir el codigo Dali: las claves numericas con que encriptaba sus secretos en sus cuadros. Su aplicacion ha permitido el descifrado de muchisimas e importantes obras como por ejemplo La batalla de Tetuan, Las Meninas, La estacion de Perpiñan, etc... y los relojes blandos, entre ellos el mundialmente famoso La Persistencia dela memoria.Este cuadro, es sin duda el que mas informacion aporta para el conocimiento del personaje creado por Salvador Dali: el divino Dali. Su significado, obligara a cambiar lo que hasta ahora se conocia, dando explicacion a muchos enigmas y secretos hasta ahora no explicados sobre su pintura y su personaje. A partir de este estudio hemos podido interpretar las causas de su caracter y personalidad, asi como muchisimas de sus frases y escritos, que al ser incomprensibles, han sido calificados de surrealistas. Un libro que cuestiona lo dicho hasta ahora, que descubre a un nuevo Dali, pitagorico alquimico. Un libro imprescindible para los que hasta ahora no han comprendido a este personaje; para los estudiosos y los aficionados al arte, para los que quieran saber mas sobre el divino, y encontrar una explicacion a sus mas importantes enigmas.

A finales de 1883, el pintor Claude Monet se instala en la aldea francesa de Giverny. Allí vivió durante 43 años, creando a la vez que su obra pictórica esa obra de arte total que fue su jardín: flores, agua, puentes, caminos, arboles... tal como deseaba verlos y pintarlos. Monet fue un enamorado de la naturaleza, con una aguda sensibilidad hacia la luz, los efectos y las vistas que conseguia pintando "a plein air".Sus cartas, recopiladas y traducidas por primera vez al español, nos permiten asomarnos a la faceta mas intima de un artista que sufrio durante su vida la busqueda de la perfeccion, que gozo del amor, de la familia y de la amistad, que vivio con interes los asuntos de su tiempo, que viajo incansablemente buscando el paisaje ideal y que le narro su vida diaria a pintores como Renoir, Cezanne o Pissarro, a escritores como Zola y Mallarme, a su paternal agente Durand-Ruel, y sobre todo a su esposa Alice.

Mark Rothko nació en 1903 en la Zona de Residencia habilitada para los judíos en el antiguo Imperio ruso y a los 10 años emigró a Estados Unidos. Será su decisión de convertirse en artista lo que marque una nueva fase en su vida. En apenas un par de decadas, Rothko dio forma a lo que iba a ser la marca distintiva de su obra. Siempre proclive al enfrentamiento con el establishment, el pintor consagro la ultima decada de su vida a la ejecucion de un proyecto transgresor: la capilla Rothko, situada en Houston (Texas). La fascinante biografia de Cohen-Solal relata la increible historia de un joven inmigrante de Dvinsk que acabaria siendo uno de los agentes cruciales en la transformacion del mundo del arte.

«La realidad es infinitamente más preocupante que la ficción y nos atemoriza [...] La ocultación, lo no visible, lo invisible, forman parte de mi pan de cada día. Vivo con la obsesión invasiva de enm

El beso. La escultura en la que Camille Claudel quiso encarnar a la Aurora, los comienzos del intenso amor que compartió con el escultor Augusto Rodin.La edad madura. El otro extremo del camino, en la que nos muestra el Ocaso, el final del mismo amor.Dos obras maestras que definen la autobiografia de una mujer tenaz, que tuvo el infortunio de llegar a este mundo antes de tiempo, cuando a la mujer no le estaba permitido ocupar un lugar que la encorsetada sociedad del final del siglo XIX solo consentia al hombre.Camille Claudel, antes de ser una famosa escultora, fue, simplemente, una mujer. Una mujer que decidio enfrentarse tanto a aquella sociedad, como a su familia, para defender el derecho a vivir su propio destino, sin detenerse a pensar en el precio que acabaria por pagar.

Pintor de costumbres, retratista de cortesanos y burgueses, pintor de leyendas, paisajista, pintor de la guerra y la violencia no menos que de la belleza y la felicidad, de la miseria y la elegancia, pintor de las lacras morales y sociales, de la supersticion y la razon, nada fue ajeno a Francisco Goya. Lo pinto todo, y lo hizo en dibujos, grabados y pinturas al oleo y al fresco, sobre lienzo, hojalata, directamente sobre el muro, sobre papel, en planchas de cobre, en una evolucion que, si se inicia en el marco del tardo-barroco y el rococo, pronto domina un estilo propio, inconfundible.Francisco Goya es un artista central en la historia de nuestra pintura y de nuestra cultura, su influencia es todavia hoy muy grande. El presente libro de Valeriano Bozal, autor de diversas obras especializadas sobre el maestro aragones, analiza con sencillez no exenta de rigor sus pinturas, dibujos y grabados, y ofrece un panorama de su vida, en muchos momentos azarosa, en el medio historico en el que se desarrollo, una epoca crucial para España y para Europa.

Realizadas entre 1819 y 1823 sobre los muros de dos salas de la Quinta llamada del Sordo, las Pinturas negras proporcionan una imagen del mundo sombrío y del mundo luminoso que siempre ha sido caracteristico de Francisco Goya. Mas alla del interes historico y de la preocupacion academica, sin ignorarlos, se contemplan como obras vivas, imagenes vivas en las que, a pesar de su caracter enigmatico (quiza tambien por el), nos reconocemos. Pinturas negras de Goya analiza una de las obras mas hermeticas del artista y, a la vez, de mayor efecto visual y emocional. Pintadas entre 1819 y 1823 en las paredes de la Quinta sobre el Manzanares que poseia el pintor, constituyen un verdadero paradigma de la modernidad, de "Capilla Sixtina" de la modernidad se dice en el libro, y constituyen un verdadero resumen de la obra del artista aragones.