Libros de Artistas contemporáneos, página 102 de 377

Recoge un conjunto de obras y composiciones que buscan remover nuestras conciencias. Son imágenes que invitana la reflexión. El tema común es la realidad que rodea a nuestro mundo, que en muchos casos esta distorsionadao manipulada; es una relectura de la realidad, que invite a pensar.Esta obra pretende despertar de cierto letargo, dejar a un lado preocupaciones ridiculas propias de nuestra sociedadde consumo, valorar lo mucho que tenemos y somos.

Este libro presenta una selección de escritos que recrean los viajes de los artistas plásticos argentinos a Europa y Estados Unidos entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, cuando todavía era preciso viajar para ver con los propios ojos los cuadros mas importantes de la historia o las ultimas novedades. De esa experiencia dan cuenta cronicas, cartas personales y memorias de los propios artistas, asi como articulos periodisticos, criticas de arte y entrevistas firmadas por figuras a veces tan prestigiosas como Ruben Dario o Leopoldo Lugones.

Catálogo de eposición. MNCARS 21 de octubre de 2009 ? 11 de enero de 2010 La exposición, una de las más importantes de la temporada, recoge la obra de dos figuras clave de la formación estilística y teórica del Constructivismo Ruso: Liubov Popova (1889 -1924) y Alekxander Rodchenko (1891 ? 1956). Organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la muestra, que ha sido comisariada por Margarita Tupitsyn, supone un completo repaso a este movimiento artístico que cambió la cara del arte ruso. La exposición arranca en 1917, año de la Revolución de Octubre, cuando Popova y Rodchenko empezaron a aplicar al diseño sus experimentos anteriores sobre abstracción geométrica. Con la convicción de que el lenguaje abstracto tenía el potencial de alterar la vida cotidiana, ambos artistas transformaron la pintura en un campo de pruebas de formas abstractas capaces de influir en las primeras teorías de la arquitectura constructivista y las nuevas ciudades socialistas.

Jorge Oteiza, hacedor de vacíos es la primera biografía integral de la vida y obra de Oteiza (1908-2003), uno de los grandes escultores del siglo XX. Su actividad incansable le convirtió en un protagonista de la cultura del siglo XX en España, Latinoamerica (vivio en Argentina, Chile y Colombia) y desde luego en el Pais Vasco, donde se enclaustro ya en el ultimo tercio de su vida, cuando evoluciono desde su primer regeneracionismo español cosmopolita al nacionalismo vasco radical. Tambien trabajo el cine, la poesia, la arquitectura, la educacion, la teoria estetica y el activismo politico. Creador poliedrico, paradojico y contradictorio, su vida nomada y atormentada ilumina uno de los rasgos esenciales de la modernidad: un arte de vanguardia que aspiraba a conquistar lo absoluto y derivo hacia una conciencia de fracaso impotente y exasperado.

This is a concise and engaging, yet detailed and informative monograph that explores Gauguin's most Important works. Paul Gauguin (1848-1903) was one of the most important artists of the late 19th century, and one whose work was to have a profound influence on the development of art in the 20th century. He began as an Impressionist, but went on to develop a richly-coloured style in his constant search for pristine originality and unadulterated nature. This concise monograph collects the most important works by Gauguin, not only of his best known paintings of Tahiti in which the artist attempted to reconstruct the perfect life which he had failed to find in reality, but also of many powerful works that reflect the artist's contact with other seminal early modern masters like Van Gogh or Cezanne.

Este año se cumple el centenario de la visita de Matisse a la Alhambra, por lo que la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y el Patronato de la Alhambra y Generalife, con la colaboracion de la Obra Social de La Caixa, han organizado la exposicion Matisse y la Alhambra 1910-2010, que recrea el historico viaje del pintor frances al monumento nazari.Gracias a la rubrica que dejo Matisse en el Libro de visitas de la Alhambra, se ha sabido de este viaje que tanto marco al pintor frances. De hecho, desde 1910 se aprecia en su obra una progresiva liberacion del color y del dibujo asi como un distanciamiento sobre el naturalismo didactico. En la Alhambra, Matisse entro en contacto con el arte islamico que tanto influencia ejercio en su trabajo posterior.En una carta escrita desde la pension Villa Carmona la misma noche de la visita a la Alhambra, Matisse decia a su mujer: La Alhambra es una maravilla. Senti alli una inmensa emocion .Comisariada por Maria del Mar Villafranca y Francisco Jarauta, TF. Editores se ha encargado de la coedicion del catalogo de la exposicion, que esta disponible en tres idiomas: español, ingles y frances.

Historiography gathers together a wide range of paternities for the word Cubism, which is used to refer to the painting Picasso and Braque were doing in 1908: a painting of cubes with deep roots in Cézanne. The aim of its inventors was to go back to portraying constructive values by way of deconstruction and analytically exhausting the objects in the paintings. They were trying to move beyond the anecdotal aspect of themes and technique and the purely sensorial side of the blot or smudge painting that had dominated the French panorama in the wake of Impressionism. Cubism was an artistic manifestation with a considerable scientific charge and the Cubist painters, using painting and meta-pictorial ingredients, attempted to represent reality in all its physical, material and tactile reality. Besides the support of D. H. Kahnweiler, art merchant and hagiographer, Cubism was consolidated thanks to the contributions of critics, both those of a like mind and the more reticent, who were then making the first attempts to classify it in order to understand it as a historic trend. Of another nature-and this is not exempt of prejudice-is the question of the end of Cubism, which we would date to 1914. It was after this that a new Cubism emerged and this would become the real French school.

Catálogo de exposición Guggnheim- BilbaoAnish Kapoor es uno de los artistas más destacados de su generación. Sus majestuosas y fascinantes esculturas, de sobrecogedoras dimensiones y sencilla belleza, exigen una respuesta fisica, pero sin dejar de apuntar la existencia de un ambito metafisico. Jugando con el contraste entre la forma y el vacio, la luz y la oscuridad, y sirviendose de colores intensos y pulidas superficies, Kapoor se remite a lo espiritual y lo mistico, creando efectos opticos que ponen en cuestion las certidumbres perceptivas. Esta publicacion profusamente ilustrada sigue los pasos de Kapoor en su evolucion artistica, en una carrera que abarca mas de treinta años. Nuevos e incisivos textos de ilustres observadores indagan en las connotaciones filosoficas de la obra del artista, mientras que una cronologia ilustrada y una antologia de estudios anteriores completan este analisis del lugar que Kapoor ocupa tanto en la historia de la escultura contemporanea como en el contexto actual.

Picasso called Dalí "an outboard motor that’s always running." Dalí thought himself a genius with a right to indulge in whatever lunacy popped into his head. Painter, sculptor, writer, and filmmaker,

"I wanted to be a painter, and I became Picasso," declared Pablo Picasso (1881-1973) in an apt survey of a triumphant career. He had good grounds for the confidence palpable in his statement, for in the history of 20th century art, his name stands out over all the others. In Picassos paintings, drawings, lithographs, ceramics, and sculptures, he was tirelessly inventive and innovative, exhibiting an aesthetic bravado that kept him one step ahead of his contemporaries. From subject matter to new forms and techniques to new media, Picasso got there first. The Spanish artist's enormous output, from the eight-year-old's beginnings to the late work of a man of ninety-one, is surely one of the most diverse and creatively energetic in the whole history of art, and it is no exaggeration to see him as the genius of the century. Carsten-Peter Warncke's study is a thorough review of Picasso's entire oeuvre, from the early Blue and Rose Periods, through the analytic and synthetic cubism and classicist phase all the way up to the art of the old savage Picasso.

60 artistas del Museo Luis González Robles han expuesto sus obras, pintura, escultura, dibujo, cerámica, obra gráfica y tapiz, en la conmemoración de los 500 años del Primer Curso Académico de la Universidad de Alcala. Se trata de un exhaustivo recorrido por la creacion plastica, durante casi seis decadas.

La historiografía recoge muy diversas paternidades de la palabra cubismo, usada para referirse a la pintura que Picasso y Braque hacían en 1908: una pintura de cubos de fuerte raigambre cézanniana. La intencion de sus artifices fue volver a una pintura de valores constructivos a traves de la descomposicion y el agotamiento analitico de los objetos en sus cuadros. Pretendian superar el lado anecdotico de temas y tecnica y el puramente sensorial de la pintura de manchas que dominaba el panorama frances desde el impresionismo. El cubismo fue una manifestacion artistica con gran carga cientifica, cuyos autores, valiendose de la pintura y de ingredientes metapictoricos, pretendian representar la realidad en toda su integridad, fisica, material y tactil. Ademas del apoyo de D. H. Kahnweiler, marchante y hagiografo del cubismo, este se consolido gracias a las aportaciones de la critica, tanto de la mas afin como de la mas reticente, que ya por entonces realizo las primeras tentativas de clasificacion para entenderlo como una corriente historica. De distinta naturaleza -y no desinteresada- es la cuestion sobre el fin del cubismo, que situamos en 1914. A partir de ese momento nacio un nuevo cubismo que llego a convertirse en verdadera escuela francesa.