Libros de Teatro, página 79 de 400

La producción literaria de Yeats se puede ver como un todo orgánico, como una sola obra de arte, unida a través de tópicos e imágenes que dan cuenta de una mirada holística del mundo, de la vida, del arte y de la historia.En el contexto de una Irlanda que lucha por su independencia de Inglaterra, Yeats va a desarrollar un intenso sentimiento patriótico hacia su país natal, que se pondrá de manifiesto especialmente en su producción dramática, cuya calidad artística y fuerza innovadora contribuyeron a crear el movimiento que pasó a llamarse renacimiento literario irlandés.Las cuatro obras aquí reunidas, publicadas entre 1892 y 1926, son el resultado de un intenso trabajo modernista que busca construir una identidad literaria irlandesa, recurriendo no sólo a mitos y leyendas celtas sino también a elementos del teatro noh japonés.

La presente compilación de jóvenes dramaturgos veracruzanos confirma la vena literaria que la estirpe veracruzana anida desde tiempos inmemoriales en la historia del teatro mexicano. Para constatarlo, nada mejor que esta nueva generación de autores. Dramaturgos en ciernes concebidos en las tablas que, juntos, labran dignamente una línea más en la historia del teatro del lugar.

Texto y montaje de la obra de Antonio Solís y Rivadeneyra, estrenada en el teatro Pavón de Madrid por la Compañía Nacional de Teatro clásico bajo la dirección de Juan Carlos Pérez de la Fuente y versión de Bernardo Sánchez. Pertenece al género d e comedia de figurón, siendo más precisos: anticipa la comedia de figurón. Atrás quedó la comedia de enredo con sus galanes, damas y graciosos. Ahora todo se ha trastocado: todo son bobos, graciosamente bobos.

A La fuerza del amor corresponde la primacía cronoló- gica del teatro de Azorín. Publicada en 1901 y muy distante estéticamente del mejor teatro vanguardista del autor, ha permanecido por ello generalmente relegada al olvido del público y de la crítica. Se la rescata en esta edición con un adecuado estudio que pone de relieve sus logros en el contexto de un ambicioso proyecto que vio implicado al joven Martínez Ruiz dentro del marco regeneracionista del «problema de España». El estudio y representación del pasado español se hace centro de irradiación desde el que se iluminan los males patrios de siempre. Magistral resulta el esfuerzo reconstructivo del «medio vital» español del siglo XVII.

Diana I. Luque tiene dos virtudes ?pero no solo estas dos? que respeto y admiro: el talento y la constancia. Nunca deja de aparecer con propuestas nuevas. A cualquier objeción responde con una mejora atrevida e insospechada. Encuentra con rapidez e ingenio soluciones a los problemas que se le plantean. Está tan dispuesta a defender las razones de su trabajo como a valorar y estudiar los criterios que difi eren del suyo. En Felicidad, marca registrada aparece la demencia mediante un personaje cuya visión de la realidad está distorsionada, un personaje que forma parte de una familia que lo tiene todo para ser feliz, pero que no lo es ?no puede serlo cuando se vive «por encima de sus posibilidades»?, un publicista, Félix, que pertenece a un grupo desideologizado e insolidario, y cuyo trabajo tendrá consecuencias perniciosas sobre la sociedad en su conjunto. Pedro Víllora La autora chilena Paula Parra parece sentirse cómoda navegando por las coordenadas dramáticas de la muerte y la memoria. Su obra La Paz está protagonizada por un coro de ancianos que no se sabe con certeza si están locos, cuerdos, vivos o muertos. Pero de lo que sí puede estar seguro el lector es que esta obra nace como una tribuna para reivindicar la memoria de una barbarie. Aunque la dramaturga no pretenda ajustar cuentas en La Paz con la dictadura chilena de 1973, tampoco puede olvidar que nació en Santiago de Chile, capital donde se ubica el barrio que da nombre a la presente obra, que comparte título con una de las comedias más conocidas de Aristófanes. El coro de ancianos desarrapados de La Paz y su corifeo travestido podían haber acompañado al ciego de los romances de Goya, participado como figurantes en Misericordia de Galdós, o protagonizado una obra del polaco Tadeusz Kantor. Juan Antonio Vizcaíno

"Camas deshechas, mesas con copas medio vacías, cuadernos íntimos, legajos ajenos, el New York Times, constituyen el escenario de Camas y mesas, la obra de Emilio Williams ganadora del IV Premio El Espectáculo Teatral, un cóctel explosivo con reminiscencias de Manhattan, donde la comedia romántica se mezcla con la tragedia. Apta para gamberros y románticos empedernidos; para furibundos de Billy Wilder, y amantes de Anna Karenina; para homosexuales, heterosexuales, bisexuales y asexuados; ¿quién no ha tenido un agujero en su pecho al que encadena sus fantasmas favoritos? Puro teatro que se nutre de la literatura, del cine y de la televisión -en continuos homenajes y guiños que nos hacen volver a Bagdad Café, Vivien Leigh, Ingrid Bergman, o Sexo en Nueva York-. Uno de los personajes de "Camas y mesas" dice en un momento dado: "Eso no es buscar amor, eso es salir a la caza del unicornio". Precisamente, cazar el unicornio es lo que hace con cada una de sus obras el dramaturgo Emilio Williams. La sinopsis de esta obra podría ser: "Chico conoce a chico. Chica conoce a chico. Chico deja a chico. Chica deja a chico…", pero entre camas y mesas, amores imposibles y asesinatos pasionales, los cuatro personajes enfrentan pasado con futuro, recuperan anhelos y niegan realidades; transitan por sus amores cotidianos para encerrarse en la intimidad de los amores platónicos. Emilio Williams (Madrid, 1971). Su primera obra, ""Sonata a Strindberg"", se estrenó en Madrid en 2007. Desde entonces este espectáculo de cinco obras cortas ha sido producido en Salamanca, Nueva York y Baltimore. Su segunda obra es ""Si viví es por algo siempre pienso"". Ha escrito en inglés la obra ""The So-Amazing Brothers Murg""a. Su primer guión cinematográfico es ""Our Betters"", una adaptación de una obra de teatro de W. Somerset Maugham. Emilio Williams ha dirigido para la escena ""Tórtolas, Crepúsculo y Telón"", de Francisco Nieva. Durante 5 años tr abajó para el canal de noticias CNN en Atlanta y Washington. En Chicago fue crítico cultural para el Tribune."

"Los autos sacramentales son obras religiosas de carácter alegórico representadas sobre todo en España y Portugal durante el Corpus Christi. Este género ocupa un papel muy interesante en la tradición teatral de Occidente, pues coexistió, antes de desaparecer, con una incipiente y cada vez más popular narrativa escénica interesada en los individuos, y en los sucesos mundanos. "

A caballo entre el recital de poesía, el teatro documento y el teatro épico, poniéndose al servicio de una noble causa, Tomás Motos propone en esta obra la dramatización de los momentos más importantes de la vida de Miguel Hernandez: su juventud, la relacion con las mujeres, la participacion en la guerra y el paso por las diferentes prisiones hasta el tragico final conocido por todos.A cavall entre el recital de poesia, el teatre document i el teatre epic, posant-se al servei duna causa noble, Tomas Motos proposa en aquesta obra la dramatitzacio dels moments mes importants de la vida del poeta oriola: la seua joventut, la relacio amb les dones, la participacio en la guerra i el pas per les diferents presons fins el tragic final conegut per tots.A caballo entre el recital de poesia, el teatro documento y el teatro epico, esta obra se pone al servicio de una noble causa: la de propagar la voz de Miguel Hernandez y mantener viva su memoria. Tomas Motos propone en esta obra la dramatizacion de los momentos mas importantes de la vida del poeta oriolano: su juventud, la relacion con las mujeres, la participacion en la guerra y el paso por las diferentes prisiones hasta el tragico final conocido por todos. Para contar esta historia, tiene que dar voz a personajes como Federico Garcia Lorca, Pablo Neruda, V...

"Encerrados en un hotel, un lugar de tránsito y de putrefacción mórbida, los seres de Filamentos de tiempo se sienten constantemente observados y con la obligación de realizar actos execrables para complacer a un público contemporáneo sin presencia física, un úblico posiblemente virtual del que, sin embargo, cada vez se tienen menos noticias. Movidos por el terror «a ser borrados de la interfaz de la Tierra», sus actos circundan la extrema violencia, hasta convertir esta violencia en representación paródica de sí misma, cuyo único fin es seguir la inercia de la Guerra de Troya, y no traicionar así la escritura fantasmal y deturpada de la Tragedia en la que habitan. El lenguaje, en su dimensión lírica, lúdica y expresiva, adquiere en esta pieza una energía extrema. Será el uso desmedido de la palabra lo único capaz de devolver el aliento e insuflar vida a un espacio de ficción que lentamente se estrecha. Ácida y rebosante de fiero humor, propone una inmersión alegórica y atemporal en la substancia de lo humano, utilizando para ello el arma de la referencialidad. Un osicionamiento irónico en relación a los valores estéticos y culturales de Occidente que obliga a los lectores-espectadores a mirar y escuchar con atención y alerta. "