eBooks de Historia del arte, página 48 de 361

ÍNDICE / PRÓLOGO. LA MODA MUEVE EL MUNDO Celso Almuiña / INTRODUCCIÓN / I: SER MODERNO, IR A LA MODA: El SIGNIFICADO DE LAS TENDENCIAS / II: LAS PRIMERAS REVISTAS DE MODA: GRABADOS, MANIQUÍES Y PERIODICOS / III: EL NACIMIENTO DE LA PRENSA FEMENINA EN ESPAÑA / IV: LA MODA EN ESPAÑA EN EL SIGLO XIX: A LA ESPAÑOLA, A LA FRANCESA / V: LAS REVISTAS DE MODA EN EL REINADO DE FERNANDO VII: EL PERIODICO DE LAS DAMAS Y EL CORREO DE LAS DAMAS / VI: LAS REVISTAS DE MODA EN LA REGENCIA DE MARIA CRISTINA Y ESPARTERO: EL EXITO DE LA MODA / VII: LAS REVISTAS DE MODA EN EL REINADO DE ISABEL II / VIII: LAS REVISTAS DE MODA EN EL SEXEXIO DEMOCRATICO Y LA RESTAURACION

"Las aventuras de Pinocho" (en italiano "Le avventure di Pinocchio") es una obra literaria escrita por el autor italiano Carlo Collodi. Fue publicado en Italia en el periódico "Giornale per i bambini" desde 1882 hasta 1883, con los titulos "Storia di un Burattino" ("Historia de un titere"), ilustradas por Enrico Mazzanti, y es una de las obras mas leidas a nivel mundial. Carlo Lorenzini (Florencia, Italia, 24 de noviembre de 1826 - id. 26 de octubre de 1890), mas conocido como Carlo Collodi, o solo Collodi, fue un periodista y escritor italiano, conocido especialmente por su novela Las aventuras de Pinocho.TraduccionRafael Calleja Gutierrez

La naturaleza se presenta como un tema marginal e incluso antitético al movimiento modernista, asociado con las ciudades y los productos manufacturados. Sin embargo, este volumen propone que la problematica de la naturaleza se halla en el centro mismo de las reflexiones esteticas modernistas.Para demostrar la importancia de este tema dentro del canon modernista, se analiza la obra de autores emblematicos como Jose Marti, Ruben Dario, Leopoldo Lugones y Horacio Quiroga. El modernismo latinoamericano muestra que la naturaleza puede ser intervenida, modificada por el hombre y, por ello, deja de ser ese espacio puro, inaccesible e indomable que postulaba el Romanticismo. Una de las figuras que ilustra mejor esta idea es el jardin, artificial y natural al mismo tiempo, producto del cuidado y la destreza del jardinero, pero tambien obra de la naturaleza, una imagen tambien del cosmopolitismo modernista, ya que el jardin reune plantas de distintas partes del orbe y que por tanto nunca estarian juntas en el ambito natural. Todas estas cuestiones se exponen en este libro que, en sus cinco capitulos, repasa otros tantos modos distintos de mostrar la relativizacion entre lo natural y los artificial, y el modo en que el modernismo reformula categorias propias de la estetica romantica, como es el caso de lo sublime.

En el último tercio del siglo XIX despunta una crisis terminal y de nacimiento que atraviesa todo el XX y que sigue aún abierta: «una hora crítica», «una crisis como nunca la ha habido», testificaban

Esta obra, como declara la autora, quiere ser un homenaje al genio humano representado por ese aragonés universal que fue Goya, pero no es un homenaje al uso.Es Goya el auténtico y único protagonista, eso si, un Goya imaginado. Partiendo del cronista e historiador grafico de la sociedad de su tiempo; del pintor que, desde su conciencia critica y cargado de subjetivismo, hizo visibles actuaciones historicas; del artista que nos transmitio una vision apasionada del mundo de la que su mirada fue testigo ocular; vamos a conocer el alma de algunas de las figuras que aparecen retratadas en distintas obras del maestro. Nos vamos a encontrar en estas paginas con seres vivos, que respiran, que sufren, que se mueven en su entorno, que sienten emociones, que se ilusionan, que tienen proyectos. A veces, son personajes de los que la historia con mayusculas nos habla, pero aqui los individualizamos, sabemos de sus ambiciones, de sus defectos, de sus preferencias.La autora ha mezclado vidas, se ha inventado trayectorias, ha sacado a los personajes del contexto en que fueron concebidos; nos los acerca, compartimos su alegria, sufrimos como ellos, estamos o no de acuerdo con sus actos, con sus ideas; los queremos o los despreciamos, pero siempre hacemos nuestras sus aventuras. La relacion entre ellos viene dada por la aparicion del pintor en cada episodio.Interpretando al autor, sintiendolo, nos acerca al Madrid de la epoca. Somos uno mas de aquellos madrileños que se manifiestan, corremos por sus calles para salvarnos de la violencia que los acosa, sentimos su desconcierto, su rabia y deseos de venganza. La tristeza nos invade con la muerte de Juanillo.La vocacion de enseñante de la escritora se refleja en la cronologia de sucesos y obras, y en el exhaustivo glosario en el que aparecen explicaciones detalladas de las referencias historicas, culturales, toponimia, vocablos..., que nos ayudan a situarnos y facilitan extraordinariamente la comprension.

Vuelve la fresca sabiduría de Will Gompertz, autor de ¿Qué estás mirando?, con un libro de arte muy distinto a los demás.Es fácil idealizar a los artistas, pero poca gente sabe hasta qué punto pueden incluirse, en general, entre las personas mas practicas, despiertas, juerguistas y realizadas. Este libro, ingenioso e inspirador, identifica diez lecciones basicas que podemos extraer de las vidas de los mas grandes artistas de la historia.Piensa como un artista es un manual desenfadado pero profundamente inspirador. Gompertz encuentra, al analizar la capacidad innata de ciertas personas para dar con ideas brillantes de manera natural, un nuevo pretexto para hablar con propiedad de la historia del arte.Reseñas: Tanto si te apasiona el arte como si no, este libro de Gompertz te dara el empujoncito creativo que necesitas. A traves de la desmitificacion de grandes artistas como Van Gogh o Warhol, el autor nos lleva a reflexionar sobre como surge realmente la inspiracion y la motivacion.VogueWill Gompertz ha regresado para derrumbar otro muro: el mito que rodea a los creadores. J. Ors, La RazonWill Gompertz es el mejor profesor que podrias tener.The GuardianGompertz ha escrito un paseo dinamico y exhaustivo a traves del arte moderno.IndependentUna base no solo para los amantes del arte sino tambien para los que lo detestan.ExpressUna obra imprescindible para entender al arte contemporaneo.Bellver, Diario de Mallorca

La comunidad académica de la Universidad de La Salle, inspirada por la misión institucional, se compromete con una educación integral y la generación de conocimiento que aporte a la transformación social y productiva del pais. Tambien, a la participacion activa en la construccion de una sociedad justa y en paz mediante la formacion de profesionales que por su conocimiento,sus valores, su capacidad de trabajo colegiado, su sensibilidad social y su sentido de pertenencia al pais inmerso en un mundo globalizado, contribuyan a la busqueda de la equidad, la defensa de la vida, la construccion de la nacionalidad y el compromiso con el desarrollo humano integral y sustentable (Universidad de La Salle, 2007).En tal sentido, la Facultad de Ciencias del Habitat de la Universidad de La Salle centra su produccion de conocimiento y sus acciones de docencia y extension en la formacion de profesionales en las areas de arquitectura, urbanismo y las ciencias del habitat, para el mejoramiento de las condiciones de vida del hombre, en especial de las poblaciones menos favorecidas de Colombia, mediante el diseño y la construccion de formas habitables apropiadas e innovadoras para, de esta manera, contribuir a la generacion de un mundo mas justo y mas humano. Respondiendo a la mision institucional y de la Facultad, el conocimiento cientifico, tecnico y humano, base para la proposicion de alternativas para el mejoramiento del habitat, se fundamenta en el reconocimiento de la complejidad de los grupos humanos, respetando sus dimensiones culturales, espirituales y sociales, en especial, valorando sus costumbres, creencias y practicas, aspectos que dan soporte a las comunidades. Solo a partir de la valoracion de la realidad e identidad de una comunidad especifica, se proponen alternativas para el mejoramiento de la calidad de su habitat, con una vision prospectiva, contemplando las tendencias del mundo globalizado.

Bosslet- Obras en España, Works in Spain, Werke in Spanien 296 Seiten, 29,7x21x3 cm, 320 meist farbige Abbildungen, softcover, dreisprachig: spanisch, englisch, deutsch Mit Texten von Orlando Britto, Teresa Camps Miro, Ralph Findeisen, Celestino Hernandez, Christian Janecke, Alejandro Krawietz, Gloria Picazo und Eberhard Bosslet. Das Buch dokumentiert Bosslets Interventionen im offentlichen Raum die er uber einen Zeitraum von dreiig Jahren bei temporaren Aufenthalten auf den Kanarischen Inseln realisierte und zeigt Fotografien aus Fotoreihen, die er im selben Zeitraum dort erstellte. Erganzt durch gleichartige Eingriffe in den stadtischen Raum die er in Antwerpen, Berlin, Duisburg und Barcelona verwirklichte. Erschienen im extra-Verlag Berlin, anlalich der Ausstellung Eberhard Bosslet Chisme- Heavy Duty im Museum TEA Tenerife Espacio de las Artes, Santa Cruz de Tenerife, Kanarische Inseln, Spanien vom 16.5. 12.10.2014 ISBN 978-3-958491-33-5 u. 978-3-938370-55-1 25,- Versand Bosslet studierte Malerei an der Hochschule der Kunste Berlin von 1975 bis 1982. Seit 1997 Professor fur Skulptur und Raumkonzepte an der Hochschule fur Bildende Kunste Dresden. Ende der 70er Jahre wandte er sich in Installationen und mit Skulpturen verstarkt dem Dreidimensionalen zu. Das Spektrum der Arbeiten von Eberhard Bosslet umfasst Malerei, Skulptur, Installation, Intervention und Fotografie. Seit Anfang der 80er Jahre aktualisierte er mit seinen Eingriffen in den architektonischen Innen- und Auenraum den Begriff der Intervention. Bosslets dreidimensionales Werk beschaftigt sich auf ganz unterschiedlicher Weise mit den Bedingungen des Bauens und des Wohnens, mit Auen und Innen, privaten und offentlichen Raumen.

Como una lluvia torrencial se desatan las palabras de Edvard Munch, uno de los artistas más polémicos e influyentes en la historia del arte contemporáneo. Su desbordante ingenio le llevó a plasmar pensamientos y emociones mas alla de lienzos y grabados, en descarnados textos cargados de lirismo, que reflejan apreciaciones sobre el arte en general y su obra en particular, ambientes y figuras que dejaron huella en su excepcional sensibilidad.El presente libro reune una seleccion de sus textos, ilustrada por su propia obra, en una invitacion a conocer el recorrido del prolifico artista noruego como si de una galeria se tratara, una verdadera extension de su Friso de la vida.

Selección de escritos publicados en la última década por el profesor Román de la Calle, centrados en el estudio y la práctica de la museografía. Textos con una perspectiva plural sobre el Museo Valenciano de la Ilustracion y de la Modernidad (MuVIM), que dan a conocer tres perspectivas complementarias que confluyeron en una etapa critica y polemica de la politica y de la cultura valencianas. Por una parte, se aborda el proyecto colectivo de revitalizar un museo y, por otra, se rememora la tensa experiencia de la censura ejercida sobre el MuVIM como practica politica prepotente. En tercer lugar, se relacionan tales situaciones con el afloramiento intenso de un debate asociativo, ciudadano y politico, que marco el punto de arranque de una reflexion compartida y comprometida sobre la necesidad de revisar los parametros en los que se mueve nuestra realidad cultural valenciana y española.

¿Qué es el lujo? ¿Qué es lo superfluo? Es evidente que el límite entre lo necesario para sobrevivir y aquello que va más allá, ha cambiado sustancialmente a lo largo de la historia. Este volumen recoge veinticuatro articulos que, desde distintos puntos de vista, analizan el fenomeno del lujo en todas sus expresiones y con sus multiples implicaciones: desde los clientes y promotores a los ejecutores de las obras; desde los espacios arquitectonicos a los libros o los pequeños objetos, sin olvidar la preocupacion de las autoridades politicas por los gastos superfluos de sus vecinos. Este estudio es el resultado de un proyecto de investigacion centrado en el analisis del consumo suntuario en la Baja Edad Media en el espacio geografico que abarca de Aviñon a Valencia, fruto de dos congresos celebrados en 2010 en la Universitat de Valencia y en la Universite de Toulouse.

Este libro forma parte de una trilogía, junto con "El lugar del espectador" y "El realismo de Courbet", que analiza cierta problemática en la evolución de la pintura francesa entre los comienzos de la reaccion al Rococo, en la decada de 1750, y el advenimiento del Impresionismo en 1870-80. Las decadas de 1860 y 1870 en Francia tambien fueron el momento y el lugar en que aparecio la pintura moderna (los lienzos de Manet de la primera mitad de 1860-70 son esenciales) y, de hecho, me fije inicialmente en el periodo comprendido entre "Pere de famille" de Greuze y el "Dejeneur sur lherbe" de Manet porque, ademas del intenso magnetismo de las obras en cuestion, pense que la historia del arte (de la cual no me excluyo) tan solo poseia por entonces una comprension muy rudimentaria de lo que podriamos denominar la prehistoria de la modernidad. En esta trilogia he intentado realizar un analisis de esta prehistoria, entre otras muchas cosas, revelando una dinamica esencial en el nucleo de su estructura que hasta ahora resultaba insospechada.La modernidad de Manet desborda el que suele ser un trabajo monografico de un historiador convencional. El analisis de Fried se centra en la obra del pintor frances con una minuciosidad rigurosa, pero tambien en los pintores de la generacion de Manet y en las criticas que se hicieron a las obras de todos estos pintores. Por otra parte, lo que no suele ser habitual en este tipo de estudios, Fried vuelve sobre un trabajo anterior -"Las fuentes de Manet"-, que incluye en el texto y lo revisa a partir de su propia reflexion y su dialogo, en ocasiones polemico, con las criticas y los vacios que en su tiempo suscito.

El manual de los metadatos está dirigido a aquellos editores y autores autoeditados que quieran optimizar la distribución de información completa, ajustada y atractiva sobre sus libros a través de la cadena de suministro del libro. Este Manual describe los metadatos que deberian acompañar a cada nuevo libro a traves de las multiples actividades necesarias para introducirlo en el mercado, propiciar que sea descubierto e incrementar su potencial de ventas. El texto se ha ampliado para adaptarlo a los estandares y practicas de los mercados español y latinoamericano. En la medida de lo posible se ha procurado adaptar todos los ejemplos a casos concretos de estos mercados, y se han añadido toda la informacion relativa a los organismos rectores de los estandares para España y Latinoamerica asi como los pasos y procesos para la gestion de los ISBN. Tambien se han incorporado empresas españolas y latinoamericanas a los directorios de organizaciones comerciales y de servicios relacionadas con la creacion, gestion y mantenimiento de los metadatos, y la produccion, distribucion y venta de libros en todos los formatos.

En El juego del arte Hugo Hiriart explica los mecanismos que hacen funcionar a la imaginación humana y permiten la llegada de ese fenómeno misterioso que conocemos como la creación artística.El resultado es un ensayo divertido y provocador, un pequeño tratado diseñado como una conversacion exquisita, capaz de cambiar nuestra manera de apreciar y disfrutar el arte: una puerta de entrada al corazon del enigma.Hiriart es un ensayista de lo inaudito, su vision filosofica suele revelar un mundo invisible que, sin embargo, esta presente en la realidad, incidiendo en ella y cambiando el destino de seres y cosas. Rafael Perez Gay

"El dadaísta ama el sinsentido y odia la estupidez."Así resume Raoul Hausmann el impulso dadaísta de subversión de la civilización que trajo la I Guerra Mundial como la nube trae la tormenta. Estupidez de la ciencia que perfecciono la maquinaria militar, estupidez del arte y la literatura que enaltecieron la guerra, estupidez de la razon instrumental que manipula todo lo que toca, estupidez de la explotacion capitalista que produce individuos estupidos, etc.El programa dada opuso una logica del absurdo a la estupidez organizada. El poema fonetico contra el lenguaje devastado y vuelto imposible por el periodismo. El fotomontaje para desintegrar las formas semanticas establecidas y engarzar de otra forma lo decible y lo visible. El haptismo como indagacion de una sensorialidad excentrica. El arte nuevo como dislocacion del individuo moderno, su optica posesiva, su seguridad vertical sobre el mundo, su presencia soberana. Raoul Hausmann se entrego en cuerpo entero a esta revuelta logica como uno de los fundadores del Club Dada de Berlin, que exploraba el camino entre el radicalismo politico y el antiarte. En su Correo Dada, que aparecio en 1958, repasa la historia del asalto dadaista a la realidad, recoge manifiestos y proclamas, evoca la invencion del fotomontaje y la nueva pintura, recuerda las delirantes veladas dadaistas con Richard Huelsenbeck y Johannes Baader, su amistad con el "anti-dada merz" Kurt Schwitters, etc. Hoy, en una sociedad anestesiada, en la que incluso los movimientos mas reivindicativos son tan previsibles, ojala el precioso testimonio de Hausmann pueda contagiarnos algo de la bendita locura dadaista, donde la ligereza y la gracia se fundian con el mayor de los atrevimientos en un gesto de desafio. ¡Vuela escarabajo!

Siguiendo el hilo conductor de la relación entre el cuerpo y la pintura, "Estudios antiguos" se detiene en el análisis de obras de muy diversa condición (de Tiziano, Pontormo, Velázquez, Vermeer, Courbet, Manet y Dali, ademas de laminas de tratados del Renacimiento y viñetas de prensa del siglo XIX) y las interroga de un modo poco convencional.Juan Jose Lahuerta ensaya una mirada a la pintura que lo situa en la primera linea de las tendencias renovadoras de la historiografia del arte.

La figura del poeta y dramaturgo Bertolt Brecht sirve de guía a Georges Didi-Huberman para mostrar las encrucijadas de la estética del siglo xx, germen de los problemas del arte actual. Guerra, exilio, vanguardias esteticas, compromiso politico y nacimiento de la industria cultural, Cuando las imagenes toman posicion presenta las preguntas clave de novelistas, poetas, filosofos y artistas acerca del lugar de la imagen y la imaginacion en un mundo convulso. "Un documento encierra al menos dos verdades, la primera de las cuales siempre resulta insuficiente."

El desarrollo de la estética y las teorías del arte en el siglo xx adquiere una fisonomía directamente condicionada por la evolución de los movimientos artísticos y literarios. Siendo habitual que las ideas esteticas respondan a los problemas planteados por las obras, su recepcion e interpretacion, es rasgo propio de nuestro siglo el creciente interes de los creadores, artistas, poetas, etc., por la reflexion sobre su propia actividad. El panorama que ofrece la estetica del siglo xx se ha enriquecido con experiencias inesperadas y ha puesto en juego contribuciones desde muy diferentes perspectivas teoricas y metodologicas. El papel jugado por las vanguardias debe articularse con el auge de los estudios disciplinares y la evolucion de la critica. Todo ello, sin olvidar la respuesta social, su incidencia en el mundo cotidiano y en las interpretaciones, individuales o colectivas, de esa cotidianidad.Cuatro son los ejes que organizan el presente volumen. En el primero ocupan un lugar central los problemas relativos al lenguaje, a la consideracion del lenguaje del arte y del arte como una forma de lenguaje. El segundo atiende a la conexion entre arte y sociedad y a las explicaciones que esta cuestion ha suscitado: desde la que Gerard Vilar denomina "estetica de la produccion" hasta la "estetica de la recepcion", analizada por Ricardo Sanchez Ortiz de Urbina. Los estudios disciplinares -sociologia del arte, iconologia, formalismo, pura visualidad, etc.- son el tema abordado en tercer lugar. Estos estudios, que, como se comprende bien, no son ajenos a las cuestiones anteriores, han alcanzado en nuestro siglo un amplio desarrollo. Por ultimo, se concede especial atencion al conjunto de problemas que suelen englobarse en el marco de la postmodernidad, empezando por el mismo concepto de postmodernidad. La evolucion de la critica literaria, las teorias de la arquitectura y las que Estrella de Diego denomina "figuras de la diferencia" concluyen esta historia.

Estética y teoría del arte son disciplinas -y actividades- que desarrollan su marco teórico en el Siglo de las Luces, en estrecho contacto con la historia y la crítica de arte, con la progresiva difusion y popularizacion de las obras en salones y exposiciones, el auge del periodismo, etc. Fenomenos que hoy son cotidianos tuvieron entonces su punto de partida e incidieron de manera decisiva en la configuracion de las diferentes teorias. Este primer volumen de la Historia de las ideas esteticas y de las teorias artisticas contemporaneas analiza ese proceso tal como se produjo a lo largo de los siglos xviii y xix, procurando destacar los momentos, temas y autores que constituyen sus ejes fundamentales y relacionando aspectos que son tratados habitualmente de forma independiente. El resultado es una historia que propone, tambien, una concepcion de la estetica y la teoria del arte diferente de la habitual.En este primer volumen de la Historia de las ideas esteticas y de las teorias artisticas contemporaneas se abordan los principales problemas y se analiza a los mas destacados autores en este campo. Se inicia con un analisis de los importantes cambios habidos en el siglo xviii, en especial el desarrollo de la estetica empirista y el movimiento ilustrado, pero tambien las teorias arquitectonicas y fenomenos como el de la critica de arte y el desarrollo de los salones.Los autores fundamentales para la comprension de la historia de la estetica son motivo de una especial atencion: Kant, Addison, Burke, Hume, etcetera.

En nuestra cultura (al menos por cuanto debe a los griegos, que no es poco) ver siempre fue sinónimo de conocer. "¿Ves?" preguntamos a nuestro interlocutor cuando queremos asegurarnos de que ha comprendido, de que se ha enterado. La etimologia de la lengua griega nos enseña que idea, eidos, el objeto del conocimiento, e imagen, eidolon, el objeto de nuestra vision, tienen la misma raiz: ver, idein. La misma palabra idea, el eidos, antes de convertirse en el ente invisible por excelencia de la metafisica (es decir, de una region que esta mas alla de la fisica y de su visibilidad) y antes de transformarse en el concepto abstracto de la logica, era, mas concretamente, el modo de aparecer.En la Estetica de la pintura Pinotti distingue tres partes fundamentales, mimesis, idea, motivo, etc. Se ocupa despues del analisis filosofico de la pintura a partir de algunas reflexiones filosoficas ya clasicas, las de Simmel, Heidegger, Merleau-Ponty y Faucault. Por ultimo, aborda algunos de los problemas pictoricos que mayor debate han suscitado: la pintura del icono, de la sombra, su relacion con la literatura, el papel del marco, la comparacion con la escultura.