Libros de Arte contemporáneo

Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros ¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro? Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guia que cambiara para siempre la manera en que miramos el arte contemporaneo. Desde los nenufares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detras de las obras, las personas que hay detras de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno. Dirigido tanto a escepticos como a convencidos, ¿Que estas mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los ultimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anecdotas, Gompertz nos explica en que consiste la genialidad de Pollock o Cezanne, como un urinario cambio el curso de la historia o por que nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haria igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hara que nuestra proxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho mas apasionante.La critica ha dicho:Will Gompertz [...] un tipo singular. Rapido como la sangre. Y de algun modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lucido que tiene algo de sintesis mental de lo complejo. [...] una exploracion que desacraliza con audacia e ironia tanto el cuello duro de la critica de arte, a la vez que hace su propia critica desde la orilla de la claridad.Antonio Lucas, El MundoEs tan provocador, irreverente, ironico, divertido y politicamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporaneo. Su vision del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.Nati Pulido, ABC Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporaneo. [...] En realidad, el libro requiere algo mas que un simple pestañeo. Se lee mas bien como un completo y ameno manual de 472 paginas.Angeles Garcia, El Pais Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Que estas mirando?, un ameno recorrido por la creacion moderna para que la comprenda todo el mundo.Javier Ors, La RazonWill Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Auna sencillez, falta de afectacion y hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensacion de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduria. [...] ¿Que estas mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escepticos como a convencidos, resuelve una buena porcion deesas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)

Este libro, que también se hubiera podido denominar Criticografía del Arte Contemporáneo, nace fruto de la necesidad de aportar un "nuevo formato" a los diferentes trabajos existentes de "literatura artística" como fuente de estudio teórico del arte. Mediante el uso de la entrevista, que se ha convertido en uno de los métodos más directos y eficaces para aclarar vivencias y conceptos habitualmente oscuros o "impensados", y partiendo de la voz en primera persona de sus protagonistas, este trabajo pretende un acercamiento a algunos de los críticos, teóricos e historiadores del arte con mayor incidencia en el complejo panorama crítico internacional de los últimos años: Benjamín Buchloh, Donald Kuspit, Thomas Crow, Arthur Danto, Hal Foster, Serge Guilbaut, Rosalind Krauss, Griselda Pollock, Lucy Lippard y Douglas Crimp.

HISTORIA DEL ARTE consta de cuatro volúmenes elaborados por treinta y dos reputados especialistas procedentes de diversas universidades españolas. En la segunda edición, actualiada y revisada, del CUARTO VOLUMEN de la serie se explica la evolucion de las formas artisticas, la arquitectura y la cultura de masas desde el siglo XIX a los inicios del XXI. Tres modulos independientes dedicados al siglo XIX abordan la arquitectura y el urbanismo, la pintura y la escultura de esa epoca; un capitulo complementario analiza los autores, de Manet a Van Gogh, que anticiparon las esteticas vanguardistas, y el inicio de los cambios operados en las artes plasticas desde el impresionismo al fauvismo. En el siguiente capitulo se expone una profunda revision de las vanguardias historicas (del cubismo al surrealismo), con especial hincapie en dos figuras clave de este periodo: Picasso y Duchamp.A diferencia de otros libros de historia general del arte, en el presente manual la creacion contemporanea es tratada con especial atencion y cuidado. Asi, se dedican dos extensos capitulos a la arquitectura y el urbanismo de todo el siglo XX y de los inicios del XXI, y a las artes plasticas desde 1945 hasta la actualidad mas inmediata. Por ultimo, el capitulo final analiza las transformaciones acontecidas en el seno del arte contemporane...

Manual de texto, para la asignatura de Historia del Arte Contemporáneo del Grado en Historia del Arte

“Las nubesfuria no siempre vienen cuando las llamas pero cuando vienen son tremendas y casi invencibles.” Así empieza ‘Las nubesfuria’, un cuento escrito por Belén Gopegui e ilustrado por Natalia Ca

El concepto ""desnortadas"", presente en el título, ha sido un concepto que ha permitido a las autoras repensar y desorientar conjuntamente y, desde perspectivas feministas, los ejes y coordenadas que articulan los discursos, las exposiciones y demás aspectos del sistema del arte. Es por ello que los trece capítulos del libro se articulan sobre varios desnortamientos. Por una parte, el geográfico, que reclama un estudio de la historia del arte estatal en el que no todos los ejes pasen por Madrid; también el de deconstrucción de los cánones territoriales, así como el de género, puesto que los sesgos heteropatriarcales de la historia del arte son evidentes y siguen impactando en la percepción del trabajo de las artistas. Articulado en tres secciones, el primero presenta estudios que buscan poner en cuestión el modo en que se construyen las categorías de análisis, revisando distintos mecanismos como los concursos de arte, la crítica o la historiografía. El segundo recoge estudios de artistas específicas que repiensan la manera de historiar sus trayectorias personales sin caer en narrativas de genio o de excepcionalidad. Por último, el tercer bloque recopila casos que plantean otros acercamientos teóricos y metodológicos con los que repensar la historia del arte, como el giro afectivo, los estudios queer o de la performatividad.

Este libro incluye mil imágenes de obras localizadas en las principales ciudades del mundo, realizadas por artistas reconocidos, que destacan por su calidad, originalidad y capacidad para dar con un

Fue una escena de un puerto moteada y borrosa la que dio nombre al estilo. Cuando Impression, Sunrise (Impresión, Sol naciente), de Claude Monet, se expuso en abril de 1874, la crítica aprovechó el titulo de la obra y su representacion estilistica imprecisa de la luz y el movimiento en el agua para ridiculizar esta nueva tendencia artistica impresionista. Como ha sucedido con muchos movimientos artisticos trascendentales a lo largo de la historia, la critica recibio su merecido. Hoy en dia, el impresionismo es uno de los firmes candidatos a ser el periodo pictorico favorito en todo el mundo. Con exposiciones taquilleras, subastas astronomicas y museos abarrotados, aquellas obras que se arrinconaron porque se consideraban incompletas o imprecisas hoy son apreciadas por su modo de evocar el tiempo y el espacio, asi como por la habilidad artistica de aplicar pinceladas rapidas en el lienzo. Pese a su popularidad y la enorme cantidad de libros publicados sobre el tema, aun quedan muchos aspectos y artistas por descubrir. TASCHEN se ha propuesto llenar este hueco poniendo en valor artistas injustamente olvidados como Berthe Morisot, Lucien Pissarro y Gustave Caillebotte, ademas de explorar las caracteristicas del impresionismo, desde la pintura al aire libre hasta los llamativos contrastes cromaticos, no solo en su Francia natal sino en el resto de Europa y en Norteamerica.

¿Qué sucedería si las obras de arte contemporáneo tuviesen el efecto real e inmediato de hacer cambiar las actitudes humanas más deleznables? Precisamente ese es el deseo de Regina José Galindo cuando realiza sus performances: hacer posible la accion artistica como motor de cambio para las sociedades. Quien lea estas lineas y aun se mueva entre el cinismo y la indiferencia encontrara en este libro razones para volver a tener esperanza en el arte como plataforma educadora. Si Galindo ha sabido entender, procesar y hacer posible la empatia tanto en ella como en el publico que la observa ejecutar sus performances, ¿por que no seria trasladable ese poder a cada persona que visionara su obra? Las mujeres artistas latinoamericanas han tenido el valor de denunciar los hechos que nos hacen retroceder comosociedad consciente y responsable. Mediante un medio tan universaly poderoso como el objetivo de una camara analizan, igual que hacemos en este volumen, el empoderamiento que el arte da a las personas y los retos que deberemos superar para convertirnos en la especie global y empatica que dicen que somos. Para ello, la performance sera un arma creadora.

A lo largo de la historia del arte, los períodos de transición se han caracterizado siempre por un notable incremento en la producción teórica de los artistas, cuyos argumentos se convertían así en una de las fuentes mas seguras para explicar el porque de esas crisis, sus origenes y su proceso de desarrollo. La ruptura con los sistemas de representacion tradicionales que en torno a 1900 emprende la vanguardia artistica constituye, por la brusquedad y radicalidad con que se llevo a cabo, un magnifico ejemplo: manifiestos, cartas, declaraciones, panfletos, tratados y testimonios de todo tipo pretender dar cuenta de las razones que animaban a sus ejecutores, y esgrimen los argumentos con que las distintas facciones de la vanguardia historica se opusieron entre si o establecieron alianzas frente a enemigos comunes. Explicar y combatir son los dos objetivos principales que la vanguardia persigue en sus escritos; escritos que dia a dia nos van descubriendo aspectos mal conocidos o practicamente ignorados de la historia del arte moderno, pues esos mismos escritos son tambien dia a dia rescatados del olvido en que estaban. No hace apenas diez o quince años, el numero de manifiestos y textos programaticos de la primera vanguardia, recogido y difundido por las antologias al uso, era todavia muy restringido; hoy, por el contrario, las reediciones de libros y revistas que habian llegado a ser autenticas rarezas bibliograficas, asi como la historiografia artistica mas reciente, han puesto ya a nuestro alcance un volumen casi desmesurado de documentos, donde resulta facil perderse.

En "Las vanguardias artísticas del siglo XX", el escritor y crítico de arte Mario de Micheli ha trazado una crónica viva de los grandes movimientos que configuraron la transformación de las artes plásticas desde el cambio de siglo hasta 1950, buscando su linea de continuidad y su comun razon de ser en aquello que propiamente constituye la esencia de la vanguardia: el animo de ruptura cultural. Combinando el dato historico y la critica, se ofrecen aqui los materiales de una vision de los "ismos" mas profunda que la mera catalogacion de variantes formales; una vision integral, apoyada, de una parte, en el examen de la actividad creadora de los artistas mas representativos del periodo, y, de otra, en los manifiestos y programas que presentaron las posiciones de partida de cada grupo.En "Las vanguardias artísticas del siglo XX", el escritor y crítico de arte Mario de Micheli ha trazado una crónica viva de los grandes movimientos que configuraron la transformación de las artes plásticas desde el cambio de siglo hasta 1950, buscando su linea de continuidad y su comun razon de ser en aquello que propiamente constituye la esencia de la vanguardia: el animo de ruptura cultural. Combinando el dato historico y la critica, se ofrecen aqui los materiales de una vision de los "ismos" mas profunda que la mera catalogacion de variantes formales; una vision integral, apoyada, de una parte, en el examen de la actividad creadora de los artistas mas representativos del periodo, y, de otra, en los manifiestos y programas que presentaron las posiciones de partida de cada grupo.

"La major part de l'obra pictòrica de Julia Mateu, ha estat creada entre els sons i les lluïssors dels esquitxos que fan les onades en rompre al mar de a Sant Martí d'Empúries i l'Escala. Els dibuixos, en canvi, contundents, però sempre amb l'element líquid present, els ha conreat basicament acompanyat de la remor del riu i el paisatge pirinenc del seu poble, Ribes de Freser, des de la seva infantesa fins els seus darrers dies. No hi havia dia que no dibuixés o pintés i no hi havia dia que no llegís. La darrera obra, estroncada per la mort, és una col·lecció de dibuixos de sibil·les, dibuixos sobre fragments de quadres de Leonardo i dibuixos de retrats de filòsofs, científics i artistes. Cada vegada ha anat depurant i simplificant més la tècnica i el llenguatge per arribar a fer emergir el que és més essencial en la natura, en els éssers humans i en la relació que mantenen. Per expressar aquest dialeg existencial, aquesta pulsió de vida, tan intensa com efímera, Julia Mateu no deixa mai de pintar i dibuixar gotes de llum a punt d'esclatar"

Marta Cureses publica la obra «Joan Miró - Mestres Quadreny, Suite miroir». Fundació Joan Miró y la Universitat Pompeu Fabra. 2017. Las relaciones de Joan Miró con la creación sonora de su tiempo han sido hasta ahora un tema poco estudiado. Los nombres de Edgar Varèse, Karlheinz Stockhausen o John Cage, que ilustran el conocimiento que el pintor catalán tenía del panorama compositivo internacional, se ven rebasados por la profunda comunión ideológica, estética y técnica que presidió su amistad con Josep M. Mestres Quadreny. Protagonista indiscutible de los primeros movimientos de la vanguardia musical catalana, las creaciones sonoras, gráficas y visuales del compositor Mestres Quadreny entroncan sus presupuestos con los de Intérieurs hollandaises, Constellations, Carnaval d Arlequin, una sugerente variedad de bailarinas, las pinturas-poema o los trípticos más intimistas de Miró. La música de Mestres nos lleva, asimismo, a recorrer episodios muy interesantes de la juventud del pintor catalán en Barcelona y Mont-roig, los años vividos en el París de los surrealistas, así como sus numerosos viajes y la vida en Palma de Mallorca desde 1956 hasta su muerte en 1983.

THE MOVIE ART OF SYD MEAD: VISUAL FUTURIST

Five centuries of fascinating female creativity presented in more than 400 compelling artworks and one comprehensive volumeThe most extensive fully illustrated book of women artists ever published, Great Women Artists reflects an era where art made by women is more prominent than ever. In museums, galleries, and the art market, previously overlooked female artists, past and present, are now gaining recognition and value. Featuring more than 400 artists from more than 50 countries and spanning 500 years of creativity, each artist is represented here by a key artwork and short text. This essential volume reveals a parallel yet equally engaging history of art for an age that champions a greater diversity of voices."Real changes are upon us, and today one can reel off the names of a number of first-rate women artists. Nevertheless, women are just getting started."The New Yorker

Based on John Dewey''s lectures on esthetics, delivered as the first William James Lecturer at Harvard in 1932, "Art as Experience" has grown to be considered internationally as the most distinguished work ever written by an American on the formal structure and characteristic effects of all the arts: architecture, sculpture, painting, music, and literature.

Marcia Tucker murió demasiado joven. A los sesenta y seis años tenía detrás más de cuarenta dedicados al arte. Comisaria del Whitney Museum, y fundadora en 1977 del New Museum, para desarrollar las ideas, tendencias y lineas de trabajo que no encontraban cabida en las instituciones tradicionales. Critica, conferenciante, agitadora cultural y descubridora de talentos como el de Bruce Nauman (una de cuyas obras adorna la cubierta de este libro). La muerte le llego con una hija adolescente, un marido diecisiete años mas joven y muchas ganas de seguir escribiendo, organizando exposiciones, llevando la contraria y hablando de arte hasta el amanecer. Marcia Tucker murio demasiado joven, a pocas paginas de acabar este libro donde cuenta su vida corta y complicada, que tambien es divertida y conmovedora. Un testimonio impagable, y de primera mano, sobre el arte del ultimo medio siglo.

Este diccionario, realizado con la colaboración de numerosos especialistas (historiadores, críticos de arte, artistas, profesores), reúne una extensa y profusa información sobre las numerosas corrientes que atravesaron el arte desde 1945 hasta nuestros dias. Concebido como una herramienta critica, pretende ayudar al lector a comprender las transformaciones de la escena artistica contemporanea y alentar la reflexion y la discusion. La obra se compone de tres partes: * Grupos y movimientos: entradas analiticas, clasificadas alfabeticamente, situan a cada grupo, a cada movimiento, historica y culturalmente, se especifican su compromiso, sus ideas y las exposiciones fundadoras * Problematicas: esta parte procura identificar las tendencias consolidadas en los años 90 y describir los nuevos ''espacios que el arte de hoy se apropia * Un lexico en el que se reunen y definen los conceptos que recorren y fundan las practicas artisticas contemporaneas

El juicio valorativo que tenemos de la pintura decimonónica ciertamente se nos muestra poco halagador, por no decir excesivamente peyorativo y, cuanto mentos, visión despectiva y excluyente. Pero a pesar de todas estas criticas, unas, pensamos, en algunos aspectos acertadamente justificadas y, otras, llevadas desmesuradamente en su apreciacion por una serie de prejuicios que terminaron por no adentrarse mas alla de lo que supuestamente se percibia en la mera epidermis de su estetica, su interes e importancia por el discurso pictorico del XIX, que duda cabe, ha empezado ya en estos ultimos años a ser reconsiderado en su justa valoracion. No obstante, y para ser justos, hemos de decir que el primer aviso ante tan infundadas criticas hacia la pintura decimononica ya habia sido dado a mediados de los años cuarenta del pasado siglo por voz de D. Emiliano M. Aguilera.

Carl Einstein fue el primero en escribir sobre las claves formales del arte negro? ?y sobre el alcance revolucionario del cubismo. Las obras y los planteamientos estéticos de Picasso, Braque, Gris, Klee, Leger, Kisling, Schlichter, Dix, Grosz, Beckmann, Masson, Arp o Miro son analizados en estos textos con extraordinaria lucidez desde la siempre espinosa contemporaneidad. Los escritos que recoge este volumen constituyen un documento clave de primera mano para ahondar en la epoca vertiginosa de las vanguardias, en la que el arte tambien era una revolucion.