Libros de Pintores y escultores, página 118 de 533

Durante el Renacimiento, los grandes homosexuales, desde Leonardo da Vinci y Botticelli a Miguel Ángel y Rafael, transformaron la historia del arte, alcanzando la imitación más cercana a la naturaleza mientras la alteraban a su gusto. De su arte nacieron seres ambiguos, mitad hombre, mitad mujer; senos femeninos colocados en bustos masculinos y la mirada de un hombre joven asomandose entre los parpados de una Madona. Desde su mas temprana juventud, Miguel Angel nunca dejo de sufrir y, de ese modo, de crear. Intento reconciliar las fuerzas aparentemente inconciliables que habitaban en el: las pasiones terrenales y el temor de Dios. De ahi el edificio consagrado por igual a la belleza, a lo celestial y lo infernal, que Miguel Angel erigio para la gloria de Dios. No tiene equivalente ni sucesor. Sus antecesores aspiraron al cielo por la fe en si misma; Miguel Angel trato de elevarse por medio de la exaltacion contemplativa de la belleza. Sus pasiones encontraron su expresion en el cuerpo humano tal y como emergio de la mano del Creador. Y lo hicieron incluso en el techo de una capilla papal: la Sixtina. Esto lo expuso al escarnio de los criticos mojigatos, que le acusaron de exhibir el paganismo en un lugar de culto y vistieron a sus poco modestos Titanes con calzones pintados. Fue la maldicion de Miguel Angel ser un coloso al margen de su tiempo. Es el derecho del cometa a inspirar miedo y sobrecoger al espectador. El espectaculo de semejante gloria puede abrasar las miradas sensibles.

Alberto Durero: El artista más importante del Renacimiento alemán A pesar de ser más célebre por sus grabados, Alberto Durero (1471-1528) fue también un maestro de la pintura y un dibujante cuya obra ejemplifica el espiritu del arte aleman. La importancia de Durero en el Alto Renacimiento aleman fue tal, que puede ser considerado como la encarnacion de este movimiento en su totalidad. Sus viajes a Italia (donde estudio especialmente con Giovanni Bellini) tuvieron un profundo impacto en su desarrollo artistico y le permitieron combinar en su obra ambas influencias, la alemana y la italiana. En años posteriores, la pasion de Durero por el conocimiento y el progreso le llevaron a investigar y a escribir sobre teoria del arte y matematicas, convirtiendolo no solo en el mas importante artista de su epoca en el norte de Europa, sino tambien en uno de sus principales pensadores. Esta vision global de toda la obra de Durero, que comprende oleos, temperas y acuarelas, grabados en cobre y en madera, asi como dibujos y bocetos, es la introduccion perfecta a su trabajo.

Contiene: Vol.1: Los pájaros de Carlos Saura.- Vol.2: La vuelta a Eros en 62 de dibujos de Carlos Saura. Catálogo de la exposición. #Sesión Doble# se compone de 70 imágenes en dos series diferenciadas tematicamente pero resueltas con los mismos recursos plasticos: en primer lugar una coleccion de dibujos de pajaros, peculiares aves antropomorfas a modo de seres alados llenos de color en sus plumajes y rasgos humanizados que van acompañados de ironicos textos; y por otro lado un conjunto de dibujos eroticos que ahondan en la mas profunda de nuestras pulsiones a traves de figuras, fundamentalmente femeninas e igualmente acompañadas de breves y mordaces textos, que se muestran insinuantes, lascivas, ambiguas, coquetas, transparentes o impenetrables segun el caso.

El libro intitulado Juan O’Gorman, Autobiografía, recoge una serie de conversaciones grabadas a raíz de la larga amistad entre el arquitecto O´Gorman y el crítico de arte Antonio Luna Arroyo, dictada

Un extraordinario paseo por todo Nueva York, a punta de lápiz. En los años sesenta, el famoso ilustrador alemán Robinson visitó por primera vez Nueva York y se enamoró al instante de la «la ciudad q

Desde 1942 y hasta 1954, año de su fallecimiento, Frida Kahlo llevó un diario del que alcanzó a cubrir 171 folios con texto e ilustraciones en color. Se trata de un cuaderno empastado en piel, en cuyo dorso aparece la inscripcion Poems (poemas). Con la imagen en el espejo. El autorretrato literario de Frida Kahlo explora el reflejo de la pintora sobre su Diario, especialmente durante su ultima etapa, en la que destaca 1953, el año de la amputacion de su pierna derecha, de la gran operacion quirurgica, como lo llamo la propia Frida. Existen numerosos estudios acerca de la obra y la vida de la pintora, pero ninguno de ellos habia tocado su interioridad como se consigue ahora. La presente edicion incluye los folios mas e xpresivos del Diario, actualmente custodiado en una caja fuerte en la Casa Azul, museo de la artista.

El libro Picasso Caballos es un detallado recorrido por la iconografía del caballo en la producción de Picasso a través de ochenta y cinco obras desde 1889, cuando el pintor aún era un niño, hasta 1972, pocos meses antes de su muerte.Publicado en ediciones separadas en español y en ingles, el libro incluye ensayos de Dominique Dupuis-Labbe, conservadora del Musee Picasso de Paris; Laurence Madeline, del Musee d?Orsay; y del experto en la historia del caballo, Jean-Louis Gouraud; asi como una breve seleccion de textos de Picasso, una bibliografia seleccionada e indices. Cuenta tambien con el apoyo grafico de otras sesenta obras de diferentes artistas. El caballo es una referencia fundamental y constante en la obra de Picasso. Primero, en sus obras de juventud, el pintor registra la presencia comun del animal en el medio urbano que conforma su propio entorno. Mas tarde el caballo se convierte en un signo iconografico perdurable en el lenguaje personal de Picasso, pasa a formar parte de su imaginario y se vuelca sobre los lienzos, como un poderoso vehiculo expresivo. Picasso representa el caballo bajo distintos aspectos y con tecnicas diferentes (oleos, pasteles, dibujos, estampas, ceramicas, collages, textiles?), todas ellas recogidas en las paginas de este libro.

Belkis Ayón (La Habana, 1967-1999) murió a los treinta y dos años de edad, dejando tras de sí un conjunto de obras imprescindibles para la historia del grabado contemporáneo. Diez años después de su muerte, el Estate de la artista pone a disposicion de los amantes e investigadores de su obra las fuentes esenciales para el conocimiento de su carrera, su vida y legado.

Ed. Andrea Giunta. Ésta no es la historia de un cuadro sino la de algunos de los muchos debates que éste produjo. Una pintura que no concluye en el límite de su superficie sino que se actualiza, adquiere nueva vida, cada vez que se discute sobre ella o que se levanta, como una bandera, incrustando nuevamente su historia en el presente. Todos los superlativos que acompañan la simple mencion del Guernica de Pablo Picasso se desvanecen cuando los conservadores describen el estado actual de su superficie. Desgarros, perdidas, refuerzos, deformaciones, orificios, suciedades, grietas, repintes, microfisuras, levantamientos, reintegraciones, desgastes, restos: los terminos remiten mas a una ruina que al icono esplendoroso del siglo XX. El propio Picasso la definio como 'una pintura herida'. Sin embargo, lejos de haber perdido su poder, lo ha acrecentado. En la distancia entre el hombre y la obra, entre las interpretaciones y los deseos de poseerla, entre su deterioro y el poder auratico con el que emerge cada vez que se alza como emblema, como simbolo de identificacion colectiva, el Guernica es un ejemplo paradigmatico de la condicion particular de ciertas imagenes artisticas. Un lugar en el que el pasado se funde con el presente.

Picasso fue tan pródigo escultor como pintor, a ambos aspectos les dedicó igual empeño. Werner Spies, en 1973, catalogó 1228 esculturas y 2800 cerámicas atribuidas a Picasso. Su firme propósito de renovar las ideas y las formas anticuadas del arte también quedó de manifiesto en la práctica escultórica; además, desdeñó desde muy pronto las nociones canónicas que imperaban en ese ámbito. Picasso entendió la escultura como un acto creativo en el que cabía la libertad de añadir materiales no artísticos -o que otros considerarían innobles- para confeccionar nuevas obras y objetos. Desarrolló, y fue una práctica que mantuvo a lo largo de toda su carrera, el don de revivir lo olvidado; materializado en las maderas y clavos que encontraba y recogía por la calle o en vertederos, y que acumulaba obsesiva y celosamente en sus diferentes estudios. Desde 1901, año de su primera pieza datada, hasta el final de su vida, la escultura constituyó su ámbito artístico más íntimo, más lúdico y más paradójico, pues, al repasar su ingente número de obras, podría llegar a decirse que lo que hacía Picasso era pintar sus esculturas y esculpir sus dibujos. Desde sus primeros pequeños bustos en bronce hasta sus obras más voluminosas en chapa de hierro, su intención fue la de ocupar el espacio mediante el desarrollo de las formas de los cuerpos. Muy probablemente, su intención también fue explicar el cubismo a través de la escultura.

Catálogo de la exposición celebrada en el Centro Documental de la Memoria Histórica de Salamanca, octubre-diciembre 2009. Muestra las piezas del conjunto escultórico realizado en memoria de la Defensa de Madrid asi como unas reflexiones sobre la vida y obra del artista madrileño.

La pintura de Bernardo Sanjurjo (Barres, Castropol, 1940) es una decidida apuesta por la abstracción que asimila tanto la ruda materialidad del informalismo cuanto la desesperación existencial del expresionismo abstracto. Con todo, Sanjurjo no cae en la ritualizacion gestual sino que, progresivamente, va confiando en el comportamiento de la materia y en la intensidad que el color transmite; finalmente, es la pintura la que pareciera que se hace sola, aunque siempre bajo el control creativo. Lo que persigue Sanjurjo, en fin, es la pintura absoluta, donde la forma-color se expande a punto de ocuparlo todo, donde el color y la materia adquieren potencia germinal.Pintura germinal, catalogo homonimo de la exposicion organizada por el Circulo de Bellas Artes, recoge las ultimas y vibrantes obras de este artista, acompañadas por una serie de carpetas de obra grafica realizadas en dialogo con los poetas Antonio Gamoneda, Jose-Miguel Ullan y Olvido Garcia Valdes. Es una ocasion excepcional para adentrarse en la pintura de un creador de gran coherencia y honestidad, empeñado en llegar a lo esencial de la pintura, y que hace germinar en la imaginacion del otro algo que llamamos, a falta de una palabra mejor, lo poetico.Este catalogo se completa con ensayos de los criticos de arte Fernando Castro Florez (comisario de la muestra) y Angel Antonio Rodriguez, y una iluminadora entrevista con el pintor a cargo de Ruben Suarez.