Libros de Pintores y escultores, página 17 de 513

The last retrospective exhibition of the work of Antonio López took place in 1993. In the two intervening decades, the artist has continued to evolve and has produced some of his most significant masterworks. The purpose of this exhibition is to present to the public his most recent production and, from that standpoint, to offer a reinterpretation of the artist's earlier career. The first part of the exhibition explores the major subjects in Antonio López's works from the last decades, indicating at the same time points of continuity and contrasts with the period before 1990. Those subjects may be reduced essentially to three: the city, trees, and the human figure, manifested in three fundamental media (painting, drawing and sculpture). The second part of the exhibition offers a retrospective overview of Antonio López's career, from its beginnings to his early mature period. The emphasis is on the human figure, which at another time predominated in the artist's production. Many of the works in the present exhibition have been loaned fromo private collections, mostly in Spain, including that of the artist himself. A large number of them have never been published or exhibited and some are still unfinished. There are also important loans from institutions such as the Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), the Museo de Bellas Artes of Bilbao, the Centre Georges Pompidou (Paris), the Hamburger Kunsthalle (Hamburg) and the Boston Museum of Fine Arts. The exhibition is completed by the projection in one of the galleries of two documentaries made specifically for this occassion. They include images of López working this year, both in his studio an outdoors as well as various interviews by individuals close to him.

El catálogo recoge cerca de cuarenta obras entre esculturas y dibujos de Pablo Serrano, dan forma a una trayectoria de casi tres décadas de trabajo. La selección pretende, con un recorrido por cinco de sus temas angulares: Ordenacion del caos, Quema del objeto, Hombres boveda, Hombres con puerta y Unidades yunta, incidir en el caracter existencialista de la obra del autor aragones."

Profundamente influenciado por las esculturas soldadas de Julio González y de Picasso, Smith comenzó dedicándose por completo a las esculturas de metal, construyendo composiciones a partir de acero y de material de desecho encontrado.David Smith cambio practicamente en solitario la naturaleza de la escultura norteamericana, confiriendole una pasion, seriedad e identidad de las que antes carecia. Con su vision, coraje y exquisito talento estetico, preparo el terreno para Donald Judd, Richard Serra y muchos otros escultores estadounidenses que desarrollaron sus innovaciones formales y conceptuales, en un clima de reconocimiento hasta entonces desconocido. Antes de Smith, la escultura era una actividad marginal; despues de el se convirtio en una parte esencial de la imaginacion norteamericana.Sarah Hamill, autora de este volumen, ademas de seleccionar los escritos y la entrevistahasta la fecha ineditacon el poeta Frank OHara, ha escrito un exhaustivo ensayo sobre el artista, dedicando especial atencion a la tradicion de la escultura de hierro y su relacion con la fotografia.

José de Ribera nació en Játiva (Valencia) en 1591. Sin embargo, su carrera se desarrolló en Parma, Roma y Nápoles, donde cultivó un estilo que deriva del que había difundido Caravaggio. La etapa en la que estudió y reelaboró el lenguaje naturalista abarca sus estancias en Parma, Roma y los primeros años de su residencia en Nápoles. Este período, en el que se advierten diferentes fases desde el punto de vista de la escritura pictórica y de los intereses temáticos evidenciando cómo estilo e iconografía interactúan profundamente, es el objeto de esta muestra. Durante su estancia en Roma, la precisión descriptiva y el claroscuro fueron utilizados por Ribera para renovar la presentación de asuntos tradicionales como los Sentidos, los Apóstoles o los Filósofos mientras que en Nápoles, estos mismos instrumentos proporcionarán a su pintura devocional una inconfundible carga de intensidad, rigor y drama. El recorrido de la exposición se ha organizado en torno a distintos ámbitos que agrupan conjuntos de obras relacionadas entre sí o con períodos concretos de la estancia de Ribera en Roma y sus primeros años en Nápoles.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, mayo-septiembre de 2011. Muestra la obra del artista estadounidense que vivió al margen del mundo del arte: su producción artística, concentrada en dibujos con saliva y hollín, construcciones de cartulinas coloreadas adheridas con cuerdas y libros realizados a mano no poseen título, ni fecha, ni indicación que revele cronología alguna.

La Exposición Primitivos. El siglo dorado de la pintura portuguesa (1450-1550), concebida y organizada por el Museu Nacional de Arte Antiga, nos introduce en el periodo áureo de la pintura portuguesa. Coincide con la gesta expansionista de Portugal y con la afirmación de un ideario cultural, social y cortesano que propició la riqueza así lograda.

El artista alemán Wolf Vostell fue un pionero del movimiento Fluxus y del arte conceptual en Europa. Activamente comprometido con su tiempo, realizó en este sentido una obra inconformista e innovadora. Este relato intimo de su trayectoria recorre, desde los años 60 hasta finales de los 90, cada una de sus acciones, conciertos y colaboraciones.

Catálogo de la exposición que acoge el MNAC entre mayo y septiembre de 2011, una aproximación a la intimidad del proceso creativo de Joaquim Torres-García y a las encrucijadas con las que se encontró a lo largo de su trayectoria: la inflexión clásica del modernismo o los años de París y Nueva York. La muestra analiza los mitos y temas recurrentes en la obra de Torres-García, a la vez que explora el contraste y la síntesis, o equivalencia profunda, entre "la belleza clásica" y la "belleza moderna". Repaso a través de cerca de ochenta obras (principalmente dibujos de la colección de Alejandra, Aurelio y Claudio Torres) de los rasgos esenciales de la trayectoria del artista uruguayo formado en la Barcelona modernista, figura clave del movimiento novecentista y uno de los pioneros de la abstracción geométrica junto con artistas como Mondrian, Van Doesburg y Hélion.

La exposición Gramática del Color de la joven artista canaria Laura González Cabrera (Las Palmas de Gran Canaria, 1976) comisariada por Omar-Pascual Castillo, está integrada por obras de dos proyectos recientes: Screen Pictures One at a time (2009-2011), las cuales constituyen una respuesta desde la pintura -por parte de la artista- a la acelerada produccion y flujo de imagenes a los que esta sujeta la percepcion humana en el mundo contemporaneo. (2006-2011) y Una de las obras que integra este proyecto expositivo de Laura Gonzalez Cabrera es Opus nº 2, un extenso mural sobre papel cuadriculado en el que la artista cubre de pigmento y a pulso cada celdilla, de una en una o de dos en dos. Un work in progress sin diseño previo donde la forma resultante trata de escapar a la repeticion, pese a la reiteracion del gesto; donde todo el trabajo desemboca en solo eso: libertades gestuales controladas por el gesto mismo, contencion y creatividad ritmica que orquesta un biorritmo del color, una gramatica donde la pintura y la escritura dibujan un futuro de extrañeza, duda y reflexion sobre la belleza.