eBooks de Historia del arte, página 45 de 361

No es una, sino muchas las historias de la escultura barroca española. Tradicionalmente bajo el apelativo "escultura barroca española" o "historia de la escultura barroca española", se han escrito los grandes relatos historiograficos nacionales que tienen que ver con estos menesteres.

Si esta tierra es rica en manifestaciones artísticas de todos los periodos, casi con total seguridad uno de los productos estrella es la escultura "barroca", y utilizamos el término barroco, no sin incumbir en error, de elevarnos sobre su enclave de temporalidad, para aludir a un arte cuyas claves sociales se han mantenido desde el siglo XVII hasta la actualidad, mas que a unas meras caracteristicas formales, que ha sabido reinventarse y crear nuevos lenguajes, formales, expresivos, creativos, etc.Probablemente sea en Andalucia, donde a lo largo de la Historia se hayan establecido las relaciones mas "humanamente" posibles, entre esculturas y personas. Pocas comunidades han vivido a lo largo de los tiempos una historia de "amor" tan pasional y tan duradera. Pensaran los escepticos, que poco puede hacer una escultura de madera, piedra, barro, o cualquiera otro material. La realidad, es que aqui en Andalucia, las imagenes sagradas cumplen un papel activo en la sociedad, tienen voz y voto, convivimos con ellas, las visitamos, nos preocupamos por su estado de "salud", y les pedimos que se preocupen por el nuestro, las consultamos, y escribimos sobre ellas.[]"Escultura Barroca Andaluza. De las grandes construcciones historiograficas a la diversidad de los microrrelatos", es el segundo volumen de la trilogia, "Escultura Barroca Española. Nuevas lecturas desde los Siglos de Oro a la Sociedad del Conocimiento". El presente trabajo es una apuesta firme por aunar entre sus paginas un corpus de conocimiento que sea un reflejo, lo mas profundo posible, de la diversidad de historias que en Andalucia tuvieron por protagonistas a imagenes que conviven con seres de carne y hueso desde hace siglos. Historias y relatos, que quieren ser nuevos y renovados, que sean propios de nuestra epoca, pero que tambien sean el reflejo de todas y cada una de las caras de la historia de la escultura barroca andaluza".

El relato más sincero, desinhibido y adictivo nunca escrito sobre lo que sucede entre bambalinas en una subasta de arte. Pury nos guía a través de este mundo secreto a través de su historia, sus anécdotas, sus coleccionistas, sus momentos de esplendor y de oscuridad."Yo y el baron" se titula uno de sus capitulos mas fascinantes, en el que narra su larga y feliz relacion de negocios con el baron Thyssen y las peripecias de la compra de su coleccion.

Robert Morris (Kansas City, 1931) es uno de los artistas clave para entender el desarrollo y la evolución del arte durante la segunda mitad del siglo XX. Su obra ha transitado prácticamente por la mayoria de los movimientos y tendencias del arte desde finales de los años cincuenta hasta la actualidad. Ha pintado a la manera expresionista, ha realizado obras neodadaistas y conceptuales, estructuras primarias y formas escultoricas minimalistas, trabajos de arte procesual, intervenciones en el arte de la tierra, acciones de reivindicacion social, critica institucional al museo y la galeria, danza, performance, video o dibujo.Aunque ha sido su vinculacion con el minimal art y la escultura de los años sesenta la que le ha garantizado un lugar en el canon del arte contemporaneo, la riqueza de su produccion artistica abarca otro gran numero de preocupaciones y tematicas entre las que se encuentran la experiencia del cuerpo, el movimiento, el proceso, el tiempo real, la reivindicacion de la condicion social del artista como trabajador, la relacion entre vision y ceguera, entre texto e imagen, la memoria, la muerte, la catastrofe o la melancolia. Cuestiones en todos los casos atravesadas por una critica audaz e inteligente tanto al modernismo y su concepcion del arte como un aparte de la vida, como a la modernidad entera en tanto que sistema opresor, disciplinario y deshumanizador.

Este libro es un trabajo de género que presenta y analiza tanto las obras como los planteamientos de una serie de artistas que coinciden en una elección formal (la "desmaterialización" del objeto artistico) y en una actitud en sus planteamientos (la percepcion de la obra en tanto que experiencia visual para el espectador). La estetica de sus obras esta definida por el uso de la luz como experiencia plastica que les permite dictar un lenguaje de imprecision y misterio en el cual el limite de la materia se supera con la luz.

En este ensayo sobre Gilbert & George se incide en el carácter transgresor de su obra, en su inconformismo con las ideas mayoritarias de su época: una obra que aprovecha cualquier elemento molesto para la sociedad o el mundo del arte. Cuestiones como la fusion del arte y el artista; el tratamiento abierto de su intima relacion con la bebida; la plasmacion de la crueldad y la violencia como elementos constitutivos de la cotidianidad social; el aprecio por otras razas; la asuncion del deseo homosexual por los jovenes y la propia desnudez; las referencias a emblemas militaristas y signos politicos extremistas, o la representacion del dolor y la desdicha con toda su crudeza. Temas que han estado, y permanecen estando, en los limites de lo admisible por las mentes bienpensantes de la sociedad.Su trabajo nace y se desarrolla en un ambiente netamente urbano. A lo largo de su historia artistica resulta llamativa la presencia constante de la ciudad de Londres. En este texto, y traves de sus obras, podemos recorrer muy diferentes paisajes y paisanajes de la gran urbe. Pero su topografia no la encontraremos en ninguna guia de la ciudad. Son visiones extrañas y comprometidas de una metropoli multicultural, imagenes de los sectores menos favorecidos y de las circunstancias o motivos menos glamurosos, pero no por ello menos londinenses. Son los escenarios urbanos que muchos no desean conocer.La obra recoge lo mas significativo de su trayectoria y se ilustra con una amplia seleccion en color de sus obras mas emblematicas, escogidas por los propios artistas para esta publicacion.

Originariamente italiano y nacido al calor del sesenta y ocho, el arte povera pronto sintonizó con las corrientes posminimalistas tanto europeas como americanas. El adjetivo povera ha perdurado como indicador de una sensibilidad preocupada por situar al artista en el nexo Naturaleza/cultura; por la valoracion de materiales fragiles e inestables; por la energia y el proceso y la huida del artista como productor de artefactos unicos y duraderos. Muchos han sido los artistas que se consideran deudores de su aire conceptual y de su apuesta para que las actitudes y los procesos se conviertan en forma.

El texto, estructurado en tres partes (el cuerpo/las identidades/la tierra), pretende ser una breve reflexión sobre el trabajo de la artista Ana Mendieta (1948-1985), objeto de atención por parte de diversos autores desde hace ya mas de una decada, en algunos casos por cuestiones ajenas a su produccion. No se trata de una biografia ilustrada o un catalogo sistematico. La obra recoge la introduccion de algunos apuntes criticos, desde posiciones no coincidentes con los criterios de la historiografia tradicional, que nos ayudan a repensar las aportaciones de esta, y de otras y otros artistas en el marco de la historia del arte, asi como la urgente necesidad de redefinir la propia disciplina, sus criterios y su metodologia, apuntando la posibilidad de que en ella tengan cabida proyectos divergentes y heterogeneos, sin que tengan que ser necesariamente asimilados.

La instalación es una nueva forma de expresión que viene a reconsiderar las condiciones espaciales de presentación de las propuestas artísticas. Surge en la confluencia de ideas, acciones, contenidos, proyectos y manifestaciones plasticas de finales de la decada de los sesenta y principios de los setenta, y sus planteamientos se nutren de esas corrientes transformadoras. La obra se divide en cuatro apartados. El primero de ellos esta dedicado a los antecedentes que hicieron posible que un mecanismo tridimensional determinado se situara en el centro de la actividad artistica. El segundo apartado se refiere a los limites del termino "instalacion", a las caracteristicas de su funcionamiento y a los contenidos que se derivan de ella. En el tercero se analizan algunos de los problemas derivados de su irrupcion en el mundo del arte. Y en el cuarto se muestran distintas formas de instalacion, seleccionadas y ordenadas de acuerdo con el mecanismo de funcionamiento de cada una de ellas. Incluye dos anexos, uno de ellos dedicado a algunas de las aportaciones de artistas españoles "instaladores" y al analisis de sus obras; y otro en el que se recogen algunas contribuciones teoricas a la comprension del fenomeno de la instalacion en el mundo del arte.

El land art es un movimiento artístico contemporáneo que utiliza como tema y soporte los materiales de la Naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Su principal técnica es la intervencion-instalacion en el paisaje.Las primeras obras se realizaron en los paisajes deserticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Por ello resulta un movimiento casi genuinamente americano. Nacido en un contexto politico conservador, este movimiento utilizo la Naturaleza como un escenario artistico donde debatir los movimientos sociales de finales de los años sesenta (hippismo, feminismo, contracultura...). En definitiva, un nuevo comportamiento artistico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta, en respuesta a la comercializacion del objeto artistico tradicional.Entre sus principales artistas cabe considerar a Walter De Maria, Richard Long, Robert Morris o Robert Smithson, entre otros.

A mediados de la década de los sesenta del siglo XX aparece una de las expresiones artísticas con mayor presencia en el panorama estético actual: el videoarte. Situada en la encrucijada en la que desembocan los caminos del body art, el arte de accion, la musica, el cine o el arte conceptual, esta nueva tendencia fue un punto de encuentro para artistas procedentes de diversas tradiciones y lenguajes plasticos. El videoarte les ofrecio un instrumento con el que retomar los inveterados problemas del arte, como la relacion entre el espacio y el tiempo, la primacia de la idea frente a su materializacion, la presencia del cuerpo o los limites de lo artistico. Pero el arte del video ha suscitado ademas nuevas consideraciones debidas a su imbricacion con lo tecnologico y, sobre todo, a la irrupcion de la imagen electromagnetica que aquel trajo consigo.Videoarte propone un recorrido entre lo cronologico y lo tematico, para dar cuenta de los principales hitos y de los grandes nombres que jalonan su historia. Esta corriente, que supo sobrevivir a la obsolescencia de la tecnologia que le dio origen, abrio las puertas a las tendencias mas pujantes, como el media art o el net art. En esta obra el lector descubrira la riqueza y heterogeneidad de un arte camaleonico, de fronteras difusas, cuyo potencial critico y sus cualidades plasticas siguen hoy siendo vigentes.

China vive, desde la última década del siglo XX, una excepcional efervescencia cultural y artística relacionada con las transformaciones que se han producido a raíz de su incorporación a la economía capitalista. Este boom responde, sin embargo, a un proceso mucho mas profundo, y entraña un continuo debate entre las novedades llegadas de Occidente y la mas pura tradicion china, que, una vez mas, resurge con fuerza para traer el pasado al presente y convertir al gigante asiatico en uno de los focos creativos mas importantes del panorama actual. Arte chino contemporaneo plantea un recorrido por el arte de China desde la caida del Imperio, en 1911, pasando por los convulsos periodos de su historia mas reciente, hasta el momento actual. Supone una sintesis de un panorama extraordinariamente complejo y diverso, y un recorrido por las distintas manifestaciones plasticas que han surgido debido, en buena medida, aunque no exclusivamente, a los diferentes acontecimientos politicos que sirven de marco de referencia y de hilo conductor del texto. Una obra de gran utilidad para acercarse al fertil panorama artistico de la China de hoy, en el que figuran algunos de los nombres imprescindibles de la escena contemporanea mundial.

En la última década del siglo XX y aprovechando el poso de movimientos tan diversos como la Internacional Situacionista, los provos, el punk o la antiglobalización, se ha generado una red relativamente amplia de practicas artisticas social y politicamente articuladas. Practicas que se podrian caracterizar por el cuidado que ponen en la contextualizacion productiva y politica de su trabajo y que por ello mismo suelen exceder el marco de concepcion, produccion y distribucion acotado para el arte en la alta cultura moderna.Arte de contexto ofrece un repaso por la historia mas reciente y cercana de estas practicas artisticas, que parten de constatar la quiebra de la representacion para considerar juntamente accion directa y formalizacion artistica, casi siempre en contextos altamente polemicos. Mediante los conceptos de "lo tactico, lo estrategico y lo operacional", e introduciendo ademas nociones procedentes de la reciente estetica modal, se da cuenta de los terrenos en que confluyen y se confrontan las formas artisticas y las formas de organizar la sensibilidad y la vida de cada individuo.

Todavía hoy, en España, en los estudios de Historia del Arte incomoda en algunos sectores que se hable de "cuestiones de género", es decir, de los valores en torno a la feminidad y la masculinidad. Este breve ensayo trata de proponer una serie de lecturas acerca de distintas manifestaciones artisticas, surgidas a lo largo del siglo XX, que no pueden entenderse sin una perspectiva transversal que tenga en cuenta los simbolos, signos y significaciones que la sociedad ha ido imprimiendo a las representaciones de la sexualidad y, por ende, a las que se atribuyen a hombres y mujeres. Estas cuestiones de genero son cambiantes y estan sometidas al discurrir de los avances sociales, politicos, cientificos, culturales y de otra indole que han ido modificando los papeles adscritos al sujeto moderno y contemporaneo, que careceria de imagen y representacion visual sin el empuje de los diferentes movimientos feministas. Tambien es destacable la aportacion de los estudios de tematica gay y lesbica y, recientemente, el impacto de la denominada teoria queer, que cuestiona la existencia de identidades fijas en relacion con los comportamientos y las orientaciones sexuales. Todo este conjunto de razonamientos dibuja un perfil nomada y heterodoxo de los sexos y tambien de las resistencias que presentan quienes tratan de mantener a ultranza la divisoria de la feminidad y de la masculinidad como polos irreconciliables basados en la supuesta verdad de la Naturaleza. La batalla de los valores de genero no ha concluido y el arte, poroso y sugerente, es un campo abonado para representar la continuidad, saludable, del conflicto.

ARTE ESPAÑOL PARA EXTRANJEROS ofrece, en esta nueva edición, una síntesis actualizada de la historia del arte español destinada a los universitarios extranjeros estudiosos de la cultura española y, en general, a los interesados en conocer el arte de un pais que ha producido algunas de las obras cumbre del arte universal. Con un gran acompañamiento de imagenes, y con un tanto rigor como amenidad, la obra explica los periodos y artistas de mayor significacion, invitando a su disfrute. Sus autores son reconocidos especialistas en la materia y cuentan con una amplia experiencia en la enseñanza de la cultura y el arte españoles al alumnado extranjero, en distintos centros de estudio y universidades españolas.

El nombre de Daniel Buren se encuentra vinculado, desde mediados de los años sesenta, a una vía de producción en el arte contemporáneo que ha procedido a la paulatina pero incesante deconstrucción de los diferentes fundamentos sobre los que se apoya la maquinaria institucional. Sus reiterados cuestionamientos del marco de exhibicion constituido por el museo/galeria (nada en el es neutral, ningun elemento se encuentra exento de contenido politico), asi como el enriquecimiento del concepto de "arte publico" que su obra ha supuesto, lo convierten, sin duda alguna, en uno de los nombres imprescindibles del arte de las ultimas decadas.

Nacido en la India en 1954 y afincado en Londres, Anish Kapoor se ha convertido en uno de los artistas más emblemáticos del panorama atístico actual y en un claro representante del multiculturalismo que inaugura el siglo XXI. Su obra, en la que se funden vocabularios visuales y codigos culturales de diversos tiempos y lugares, no entiende de fronteras y busca los puntos de union y las coincidencias en las divergencias y en los limites: lo colonizado y lo colonizador, el Este y el Oeste, lo ancestral y lo moderno, la naturaleza y la cultura, lo sagrado y lo seculartodo ello amalgamado en piezas de una gran simplicidad (huevos, montañas, ojos) que adquieren un sinfin de significados y cuyo resultado plastico es de una impactante contundencia. Obras cargadas de misticismo y de sensualidad que son umbrales, puertas, que nos permiten asomarnos al interior de la corteza de nuestro mundo, enfrentarnos al abismo poetico y palpitante que reina al otro lado, para finalmente reconocer la omnipotencia del vacio.

Durante su corta existencia, Piero Manzoni (Soncino, Cremona, 1933 – Milán, 1963) dedicó su trabajo a socavar las ideas y las prácticas dominantes en el arte de su tiempo. Obras como los Achromes, cu

Los últimos alardes dadaístas del inteligente Duchamp quebraron la tradición artística en fragmentos. En adelante, la reconstrucción minuciosa y artesanal del entramado, el escenario y el público acordados para el arte iban a convertirse en una ardua, por refutable, tarea. Desplazado, el objeto artistico no era ya el actor principal, sino un timido actor de reparto. El artista, sin embargo, mantenia su infranqueable ansia de perpetuidad, sus afectos y defectos, aunque la naturaleza de su disciplina mudara su especificidad en aire, su empirismo en teoria y su identidad en espejo. En los años ochenta, la transvanguardia en Italia, la nueva expresion en España o el neoexpresionismo en Alemania son sintomas de esa dolencia espiritual (fin del arte) que se ha dado en llamar posmodernidad y cuyas propuestas (unas mas que otras) iban a concretarse en propositos de enmienda para la plastica. A causa de circunstancias historicas tragicas y humanas "demasiado humanas", el neoexpresionismo aleman, con Baselitz, Lupertz, Penck, Kiefer, Richter, Polke e Immendorf a la cabeza, resuelve reinstaurar el espiritu aleman sin perder de vista la tierra quemada. Para ello, restaura los puentes con el expresionismo cercano ideologicamente al inspirado Der Blaue Reiter en especial, Kirchner, sin olvidar otros gritos de angustia que agudizaron el zumbido dolorido de la pintura alemana de principios del siglo XX.

Fluxus es uno de los movimientos artísticos más escurridizos de la segunda mitad del siglo XX. Imbuido del espíritu del Dadá, su duración, sus participantes, sus características formales, sus intenciones sociales, las influencias que recibe y las que genera han sido objeto de un debate nunca cerrado completamente.Desde su nacimiento, a medio camino entre Europa (Dusseldorf) y Estados Unidos, a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, las diversas facetas que genera se centran tanto en el ambito de la accion, de la renovacion poetica, linguistica y objetual, como en la urgente necesidad de pensar el papel del artista en una sociedad crecientemente acomodada, cuestionando el arte como una practica de la critica social.Fluxus responde a una mezcla de todas las propuestas, la musica, la performance, el videoarte, las artes plasticas, haciendo de dicha mezcla su rasgo fundamental. Fluxus es un estado de animo.Entre sus principales representantes se encuentran George Maciunas (que emplea el termino "Fluxus" por primera vez en 1961), Joseph Beuys, John Cage, Allan Kaprov, Wolf Vostell, Nam June Paik, Al Hansen, el compositor La Monte YoungA partir de los ochenta el movimiento pasa de un estado marginal a ocupar un lugar protagonista, testandose las principales teorias de la contemporaneidad a la espera de poder ofrecer una imagen definitiva de Fluxus.Sin pretender erigirse en cierre de las cuestiones que Fluxus plantea, la obra se ofrece como cauce para entablar un debate productivo sobre este movimiento y su fructifera presencia en el arte actual.