Libros de Pintores y escultores, página 13 de 513

Como la "diosa de la era del automóvil", Tamara de Lempicka (1898-1980) estuvo en el centro del sofisticado mundo del arte del París de los años veinte y treinta. Su amor por las mujeres bellas, los automóviles elegantes y la metrópolis moderna no sólo proporcionaron temas para sus obras, sino que también influyeron en su estilo artístico. Simultáneamente a su trayectoria como artista, Tamara de Lempicka fue pionera en la representación de una nueva imagen de la vida, que se manifestaba en una nueva mujer segura de sí misma y en los aspectos cambiantes de la feminidad y la masculinidad. El mismo sentido del estilo se reflejaba en un culto futurístico a la velocidad, en las formas del diseño doméstico promulgadas por la Bauhaus y en el dandismo de un George Brummell. La obra más conocida de Tamara de Lempicka, "Autorretrato o Tamara en el Bugatti verde", presenta a la artista como una dandy rebosante de exquisita elegancia. Tamara de Lempicka, tanto artista postcubista o neoclasicista como art déco, descubrió el gusto de un público rico y cosmopolita que veía su propia imagen reflejada en su obra

Presentamos a Max Beckmann, un artista dividido entre el impresionismo tardío y el expresionismo que se enfrentó a la angustia de la Alemania de entreguerras, entre una República de Weimar abocada al fracaso y el auge del nacionalsocialismo. Esta monografia se ilustra con mas de 180 imagenes de Beckmann, incluidos sus famosos autorretratos y...Max Beckmann (1884-1950) baso su obra en la angustia causada por la experiencia de entreguerras del siglo XX. Con un estilo a caballo entre el expresionismo y la Neue Sachlichkeit (nueva objetividad), que mas adelante suavizaria con un naturalismo mas radiante, el pintor y grabador indago en el conflicto de la condicion humana en sus retratos, autorretratos y cuadros alegoricos.Sus primeras pinturas revelaban la influencia del impresionismo, con una preponderancia de temas biblicos, historicos y alegoricos. Beckmann, que colaboro con el cuerpo medico en Belgica durante la Primera Guerra Mundial, se licencio tras sufrir una crisis nerviosa y retomo su faceta artistica con nuevas estrategias con una gran carga angustiosa en las que primaban la distorsion, la angulosidad y los colores estridentes. En sus escenas caoticas de circos, cabares, carnavales y habitaciones a la luz de las velas, puso de relieve la teatralidad de la vida y parecio vaticinar el destino de la Republica de Weimar de entreguerras con su repertorio de personajes morbosos, salpicados a menudo de fragmentos siniestros de leyendas, referencias biblicas y alegorias opacas.Su obra, La partida, es el primero de una serie de tripticos que evocan las escenas contrapuestas del cielo y el infierno, el pecado y la salvacion propios de los retablos medievales o renacentistas. Si bien el artista nego que La partida tuviera un significado concreto, la obra suele considerarse una respuesta emblematica al auge del nacionalsocialismo, y se pinto en la epoca en que los nazis despojaron a Beckmann de su catedra en la Academia de Arte de Francfort.Esta monografia presenta mas de 180 imagenes que Beckmann realizo entre 1907 y 1950, incluidos muchos de sus famosos autorretratos y tripticos. Los textos biograficos recogen sus vivencias durante la guerra, la decada de 1920 en Francfort, los años de exilio nazi en Amsterdam y la emigracion a Estados Unidos. El libro, ademas, incluye material adicional, como fotografias en las que estan inspiradas muchas de sus pinturas, varias instantaneas de exposiciones e imagenes de otros artistas como Pablo Picasso, Eugene Delacroix, Max Ernst y Edvard Munch que representan los motivos de inspiracion y contextualizan de la obra de Beckmann.

Goya no fue sólo uno de los artistas más importantes de su tiempo. Fue tambien un hombre comprometido con su tiempo y un observador lúcido de lo que de grande y de miserable tiene la condición humana. Hijo de la Ilustracion, Goya fue el testimonio privilegiado de acontecimientos historicos de primer orden, como la entrada en España de los ejercitos de Napoleon que iban a traer a España, como pensaban muchos, el progreso y las ideas de las luces. Sin embargo, ante lo ocurrido, a Goya se le plantearon muchas preguntas: ¿Puede imponerse el bien por la fuerza? ¿Es posible controlar la violencia con la razon? ¿Que via queda abierta cuando todas las promesas han sido traicionadas? Preguntas que hoy siguen planteandose y a las que Goya intento dar respuesta a traves de su pintura. Todorov analiza en este libro al Goya pensador, al indagador de las potencias oscuras que, en paralelo a la voluntad y a la razon, dominan la vida de los hombres. Y nos descubre una forma radicalmente nueva de ver la figura y la obra de Goya hasta situarlo como unos de los pensadores mas profundos, no menos que su contemporaneo Goethe o que Dostoievski cincuenta años mas tarde.

Catálogo de la exposición celebrada en el Centro Documental de la Memoria Histórica, septiembre-octubre de 2011 sobre el pintor y cartelista madrileño José Bardasano (1910-1976). La exposición reúne, sobre todo, carteles de la Guerra Civil, muchos de los cuales se conservan en el Centro Documental. Se completa con otros materiales graficos como postales de guerra, albumes de estampas belicas, periodicos y revistas.

El Real Jardín Botánico (CSIC) presenta, coincidiendo con la presentación del Año Internacional de la Biodiversidad, la exposición "Imágenes del Paraíso", que reúne por primera vez en España dos colecciones excepcionales de dibujos botánicos americanos: la perteneciente a la Real Expedición Botánica del Nuevo Reino de Granada (1783-1816) de José Celestino Mutis, un tesoro de la iconografía botánica que luce aquí con renovado explendor, y la colección Shirley Sherwood, integrada por magníficos dibujos de artistas contemporáneos, entre los que destacan Margaret Mee y sus discípulos.

La memoria colectiva que es la historia se nos aparece hoy mucho menos como el mero relato de lo ocurrido en el pasado que como un instrumento de análisis del presente. Al término de un siglo de expectativas fallidas, y ante un futuro incierto, necesitamos revisar criticamente esta memoria y asentaria sobre nuevas bases de conocimiento. Mas reciente aun que contrastes, memoria/critica se propone publicar estudios sobre los grandes problemas del pasado inmediato y sobre acontecimientos que siguen pesando sobre nuestras vidas. El gran historiador italiano Giuliano Procacci ha intentado aqui ofrecernos una vision general del siglo xx que sigue atentamente el curso de los acontecimientos en el mundo entero y que los interpreta a la luz de la interdependencia que los enlaza. La globalizacion se nos aparece entonces no como una evolucion de ultima hora, sino como el resultado de una larga trayectoria que se va siguiendo a lo largo de estas paginas y que da finalmente sentido al siglo entero.

Alberto Corazón construye este libro a partir de los cuadernos de dibujos y notas sobre la experiencia vivida con motivo de una exposición antológica en el Museo Nacional de Damasco. Un texto poético, reflexivo y enigmático sobre la condición de la creación artística, sobre su anacronismo y ambigüedad, sobre la inevitabilidad del fracaso para poder crecer.

'Los paisajes americanos de Asher B. Durand (1796-1886)' es el resultado de un trabajo de dos años de estrecha colaboración entre la Fundación Juan March y la New-York Historical Society, el museo más antiguo de Nueva York -fundado en 1804- que custodia una enorme colección de arte y documentos históricos; entre ellos, la mayor colección de obras de Asher B. Durand.

Retratos y vegetacià ³ n, el título de la exposición presentada en el CAC Málaga MA, ofrece un recorrido por la obra Tuymans través de una veintena de cuadros de diferentes formatos, principalmente de pequeño y mediano tamaño. La casi total ausencia de color (Soldier, 1999), su estado de ánimo sombrío (Secretos, 1990), las pinceladas llorosos, difusa (Evidence, 2005) y su enfoque ambiguo a la representación de todos los ejemplifican el estilo más característico Tuymans. Las obras parecen estar envueltos en el silencio engañoso, evocadora e inquietante, dejando al espectador a la construcción de la lectura de su propia. Ensayos de Montserrat Albores y Fernando francà © s.

La artista Louise Bourgeois ( París 1911-New York 2010) es un ejemplo excelente de los múltiples y heterogéneos caminos que ha tomado el arte en la pasada centuria: obras escultóricas que parecen piezas arquitectonicas, bocetos que forman parte de proyectos mayores, "instalaciones" y "performances" que ironizan sobre la propia obra, juegos con los materiales mas diversos; pero por encima de todo ello, la artista es portadora de un nucleo esencial de motivos, temas y obsesiones que de forma intermitente van apareciendo a lo largo de su trayecto: ese universo propio, singular y exclusivo se despliega desde los primeros años hasta esas obras postumas que tenia en proyecto en el momento de fallecer. Se diria que el conjunto de su obra responde a unas necesidades intimas, producto quizas de unos primeros años fundamentales.

El arte de Gustav Klimt se ajusta perfectamente al fin de siècle. Expresa la atmósfera apocalíptica de la clase media alta vienesa, una sociedad devota del cultivo de la conciencia estética y el cult

Este libro analiza la figura de Roland Topor (París, 1938-1997), dibujante y escritor, cuyo humor violento se vuelve dolor en carne viva. Su mundo -pleno de sentimientos de culpabilidad, violencia, fobias y asociaciones fálicas, aunque también de goce intensamente sexual- se crea a partir de los deseos más primarios, aquellas pulsiones elementales que consisten en satisfacer las necesidades orgánicas básicas, fijadas a una oralidad primitiva, frenéticamente inmadura, humillada y extasiada en su propia suciedad: comer, beber, orinar, defecar, ventosear, eructar, estornudar, copular.

Las obras de Escher reflejan perfectamente una confluencia fascinante e infinita entre el arte y las matemáticas.- El mundo de Escher, donde explora temas como el infinito y la paradoja, la geometría imposible y las perspectivas deformadas, rebosa imaginacion y esta ejecutado con una precision inusitada y una exquisita atencion al detalle.- En este libro desplegable nos aparecen todos estos conceptos en tres dimensiones, mostrandonos algunos de sus cuadros mas relevantes para disfrute de los amantes de Escher o de cualquier persona que le guste el arte.-

José Beulas Recasens (Santa Coloma de Farnés, 1921) es uno de los paisajistas españoles más importantes de los años sesenta y setenta delsiglo XX. Su evolución artística ha dado como resultado una pintura de concepcion abstracta cuyos origenes estan en la mimesis del paisaje altoaragones. Artista que se mueve entre la figuracion y la abstraccion, Beulas enfoca toda su obra hacia el analisis del paisaje de los alrededores de la ciudad de Huesca y llega a la esquematizacion y la sintetizacion de las formas que lo definen y lo diferencian de otros paisajes: margenes, parcelaciones, rastrojos quemados... Desde sus primeros lienzos, imitaciones de paisajes reales, hasta sus ultimas series, como Desertizacion o Monegros, a traves de sus cuatro etapas pictoricas (inicial, geologica, abstracta y unitiva) descubrimos como su obra se interioriza a la busqueda de nuevos valores plasticos puros donde predomina la idea de representacion de un paisaje irreal basado en uno real, excusa o pretexto para desarrollar lo que hemos denominado minimalismo magico, caracterizado por la esencializacion extrema de las formas del paisaje altoaragones y por una paleta de colores exclusiva y exquisita..

Claudia Ovando presenta en Diego Rivera. El agua, origen de la vida un análisis de la obra homónima del artista. Diego María Rivera es uno de los pintores mexicanos más prolíficos del siglo XX. Entre su rica y diversa producción artística se encuentran los murales que realizó en México y en Estados Unidos de Norteamérica, una vasta obra de caballete, múltiples ilustraciones para libros y revistas, así como el diseño de vestuarios y escenografías para ballet y obras de teatro.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, mayo-octubre de 2011. Presenta la obra de la artista brasileña, figura clave en la transformación radical experimentada por el arte de ese pais a partir de la decada de los años cincuenta del pasado siglo. Recoge practicamente todos los aspectos de su produccion artistica, incluidos sus trabajos cinematograficos.

En Rock, mi religión (1982-1984), el autor profundiza en la relación entre el fanatismo y la industrialización de la música en la sociedad contemporánea. Y expone los avatares del consumidor adolescente producto de los alienados suburbios estadounidenses de los años cincuenta.A partir de la vertiginosa historia de las bandas musicales, los programas de television, las peliculas y el performance de aquella epoca, este ensayo teorico explora los codigos esteticos y los contextos historicos que alimentaron el fenomeno del rock n roll.