Libros de Artistas contemporáneos, página 99 de 381

Edward Hopper (1882 - 1967) is the greatest painter of modern American life.The most up-to-date study of its kind, containing over 200 illustrations and featuring selected pages from his personal notebooks.Includes a detailed discussion of a wide range of Hopper''s paintings, watercolours and etchings, such as House by the Railroad (1925) and Nighthawks (1942)Examines the influences that led Hopper to create some of the most widely recognized paintings of the twentieth century.The author and editors of Silent Theater were the winners of the prestigious Umhoefer Prize for Achievement in the Arts and Humanities in 2009.

La Suite Vollard de la Fundación March ha sido expuesta entre 1997 y 2004 en numerosas ciudades españolas y europeas, acompañada por un catálogo similar a éste que ahora presentamos en una edición bilingüe en español e inglés, corregida y revisada en lo que se refiere tanto al texto de Julián Gállego -escrito en 1996- como a los registros catalográficos de las obras de Picasso.

Pepe Cerdá opina que la idea de progreso no es aplicable a las ares. Considera que si bien es cierto que un Ferrari tiene más prestaciones que un carro, no es menos cierto que un casrro puede ser más eficaz en determinadas circunstancias. Y de lo que no tiene duda es de la absoluta contemporaneidad y eficacia comunicadora de todas las obras de arte de todos lo tiempos

Claude Monet (1840-1926) fue el pintor impresionista más típico y personal. Dedicó su larga vida a una exploración pictórica de las sensaciones que la realidad, y en particular el paisaje, ofrecen al ojo humano. Pero mientras el Monet pintor era fiel y perseverante en la búsqueda de sus motivaciones, su vida personal seguía un camino más agitado. Parisino de nacimiento, descubrió la pintura al aire libre en su juventud en las provincias, en donde una de sus casas, Argenteuil, llegó a representar el florecimiento y la consolidación oficial del Impresionismo como movimiento, con Monet como su líder creativo. En su esfuerzo por captar la cara siempre cambiante de la realidad, Monet fue más allá del Impresionismo y, de ese modo, más allá de los confines de la pintura independiente: en Giverny pintó los álamos, el grano apilado y la serie de la Catedral de Ruán en la que trató las nuevas variaciones constantes de un mismo tema. Aquí, Monet creó el famoso jardín con su estanque de nenúfares, que pintó en grandes lienzos avanzados los años veinte. De esa manera intentaba representar la realidad no como una experiencia objetiva, sino como la realidad que se desarrolla "entre el motivo y el artista". En su abierta y ligera estructura figurativa, y su imponente escala, los cuadros de nenúfares de Monet - creados mucho antes de las corrientes de vanguardia actuales - marcan el camino para los avances del futuro.

Mexico participates in the artistic exchange offered by the 54th Venice Biennale with the work of Melanie Smith, who presentes three video pieces grouped together under the title"Red Square Impossible Pink", a concept that brings together three of her most recent works:"Aztec Stadium","Xilitla"and"Bulto".The first of these is the visual document of an action arried out in the eponymous stadium, in which the artist elaborates a visual reflection on the idea of the faterland and the caos that accompanies revolutions.The second,"Xilita", is an experimental film shot in 35mm that explores the multiple meanings that a near mythical space in Mexico -a surrealist garden built in the middle of the Huasteca Potosina by the Englishman Edward James- holds today.Finally,"Bulto"is a piece originally commissioned by the Lima Art Museum, in which a bundle appears in different public spaces, participating in the widest variety of the citys dynamics.

Alan Glass ha dedicado toda su carrera a construir objetos. No tiene igual en la historia del arte, con la excepción de Joseph Cornell. En sus cajas-objeto aparecen personajes como la reina Isabel I y el rey Luis II de Bavaria, castillos de hielo, el mar (navegacion), el cielo (astrologia) y el universo. Igualmente importantes son sus obras bidimensionales, en las que, con su dibujo exquisitamente versatil, ha hecho realidad sus visiones fantasticas. Este libro es resultado de un estudio realizado a lo largo de dos años por la destacada curadora y conferencista Masayo Nonaka, especialista en el tema del surrealismo mexicano.

'Los paisajes americanos de Asher B. Durand (1796-1886)' es el resultado de un trabajo de dos años de estrecha colaboración entre la Fundación Juan March y la New-York Historical Society, el museo más antiguo de Nueva York -fundado en 1804- que custodia una enorme colección de arte y documentos históricos; entre ellos, la mayor colección de obras de Asher B. Durand.

A finales de los años cincuenta y en los sesenta, el pintor americano Roy Lichtenstein (1923-1997) se convirtió en uno de los máximos exponentes del Pop Art - ese movimiento que transformó los productos de consumo de masas y de la industria del entretenimiento en temas para el arte. Esta apoteosis de lo banal y los objetos del dia a dia, supuso al mismo tiempo una critica de la interpretacion tradicional y elitista del arte. Practicamente solo entre artistas, Lichtenstein formulo la pregunta de como una imagen se convierte en una obra de arte. Siguiendo el espiritu del modernismo clasico, mantuvo que no era la "categoria" del tema lo que proporciona el caracter artistico, sino mas bien el tratamiento formal que el artista le da. Para Lichtenstein, sin embargo, esta posicion parece estar demasiado lejos para ser seriamente perseguida. Desarrollada a principios de los sesenta, la tecnica de malla de puntos de Lichtenstein, con sus alusiones a la produccion masiva del arte grafico, permitio al pintor dar rienda suelta a su propio escepticismo artistico. En los sesenta y en los setenta, Lichtenstein amplio su repertorio formal de tecnicas para crear distancia e ironia mediante un proceso idiosincratico de abstraccion, y especialmente por la utilizacion de sus numerosos presupuestos artisticos.

Este breve volumen es exactamente lo que anuncia el título: una visita al taller del escultor y pintor Alberto Giacometti, tras la cual el lector tendrá la impresión de haber estado en él, de la mano del autor Michael Peppiatt, en compañia del artista.

La artista Louise Bourgeois ( París 1911-New York 2010) es un ejemplo excelente de los múltiples y heterogéneos caminos que ha tomado el arte en la pasada centuria: obras escultóricas que parecen piezas arquitectonicas, bocetos que forman parte de proyectos mayores, "instalaciones" y "performances" que ironizan sobre la propia obra, juegos con los materiales mas diversos; pero por encima de todo ello, la artista es portadora de un nucleo esencial de motivos, temas y obsesiones que de forma intermitente van apareciendo a lo largo de su trayecto: ese universo propio, singular y exclusivo se despliega desde los primeros años hasta esas obras postumas que tenia en proyecto en el momento de fallecer. Se diria que el conjunto de su obra responde a unas necesidades intimas, producto quizas de unos primeros años fundamentales.

Goya no fue sólo uno de los artistas más importantes de su tiempo. Fue tambien un hombre comprometido con su tiempo y un observador lúcido de lo que de grande y de miserable tiene la condición humana. Hijo de la Ilustracion, Goya fue el testimonio privilegiado de acontecimientos historicos de primer orden, como la entrada en España de los ejercitos de Napoleon que iban a traer a España, como pensaban muchos, el progreso y las ideas de las luces. Sin embargo, ante lo ocurrido, a Goya se le plantearon muchas preguntas: ¿Puede imponerse el bien por la fuerza? ¿Es posible controlar la violencia con la razon? ¿Que via queda abierta cuando todas las promesas han sido traicionadas? Preguntas que hoy siguen planteandose y a las que Goya intento dar respuesta a traves de su pintura. Todorov analiza en este libro al Goya pensador, al indagador de las potencias oscuras que, en paralelo a la voluntad y a la razon, dominan la vida de los hombres. Y nos descubre una forma radicalmente nueva de ver la figura y la obra de Goya hasta situarlo como unos de los pensadores mas profundos, no menos que su contemporaneo Goethe o que Dostoievski cincuenta años mas tarde.

Picasso llamaba a Dalí "un motor fuera borda que siempre está corriendo". Dalí se consideraba a sí mismo un genio con derecho a permitirse cualquier locura que se le pasase por la cabeza. Pintor, escultor, escritor y cineasta, Salvador Dalí (1904-1989) fue uno de los más grandes artistas y excéntricos del siglo pasado, y levantó una intensa polémica allá por donde pasó. Fue uno de los primeros en aplicar las teorías de Sigmund Freud y del psicoanálisis a la pintura. Dalí aportó una sensibilidad, imaginación y preocupación por la precisión extraordinarias relacionadas con niveles reprimidos de consciencia. Esta animada biografía presenta al desconocido surrealista Dalí a todo color y en sus propias palabras. Todas sus provocativas ideas están aquí, desde los relojes fundidos a la célebre jirafa en llamas. Y el increíble fenómeno que fue Salvador Dalí es abarcado por entero y se sitúa en sus múltiples contextos.

Fue el padre del arte moderno, el gran maestro que marcó el camino a seguir en la pintura desde el Impresionismo al siglo XX: Paul Cézanne (1839-1906). En París, pero sobre todo en la Provenza, Cézanne buscó incansablemente "una armonía cercana a la naturaleza", descubriéndola en los bodegones de manzanas, en los bañistas o en los célebres paisajes de su amada montaña Sainte-Victoire. Este libro trata de estos extraordinarios y más importantes trabajos del artista y de sus teorías sobre la pintura y el color.