eBooks de Historia del arte, página 18 de 394

Ezequiel Gabrielli, pintor y arquitecto, gravita con rigor entre la ciencia y el arte para investigar y analizar la arquitectura en distintos contextos, como el amazónico o el francés, desde el trabajo del urbanista Claude-Nicolas Ledoux. Esta obra se divide en cuatro partes. En la primera hay una aproximacion al entendimiento del pensamiento del maestro mediante su hoja de vida, documento que en si mismo es una obra de arte y describe a grandes rasgos su rica experiencia y su valioso aporte a la arquitectura y las artes. La segunda parte se denomina "Asentamiento cultural amazonico, rios Guaviare, Atabapo y Bajo Inirida", region selvatica en la que Gabrielli convive para investigar los modos de habitar de las comunidades alli establecidas. En la tercera parte se publica la coleccion denominada "Las barrieres de Ledoux de la mano de Gabrielli", creada inicialmente en formato A0, A1 y A2 y, por consiguiente, de dificil difusion masiva, debido a su extension y a los cuidados que se deben dar para proteger esta obra. Por primera vez se edita en un libro, como un aporte riguroso al estudio de la obra de Ledoux. En la ultima parte, denominada "Gabrielli", se presentan una serie de imagenes que sirven para entender en mayor profundidad al ser humano, al arquitecto y al artista que es el maestro Ezequiel Gabrielli.

Del autor de Emocionarte, con más de 100.000 lectoresCarlos del Amor va un paso más allá en el viaje a través de los cuadros que emprendió con Emocionarte. Esta vez se centra en el retrato, un género que le permite recrear las vidas de los retratados y de los artistas, y como estos ultimos tambien se retratan en su forma de pintar. La eleccion de sus modelos o los retratos de encargo, la fidelidad realista al retratado o la percepcion de este por parte del artista, el autorretrato que tantos practican, quienes eran los modelos y que vidas llevaban, las dificultades de acogida de la obra por parte de quien la encarga o por el publico, forman parte de la historia intima de estas obras que iremos descubriendo en el libro.Con su caracteristico estilo literario, Carlos del Amor nos muestra un mundo detras de cada cuadro y, de nuevo, nos revela que han sido muchas las mujeres artistas, y muy poco conocidas hasta ahora.

En estos tiempos postpandemia en que muchos experimentamos desconfianza y miedos por todo lo vivido es necesaria la recuperación de las relaciones centradas en contribuir para el bien común y en construir un mundo en el que cada vez seamos mejores personas. Todos tenemos el deber y la capacidad de elevar la calidad de la condicion humana en personas, equipos y organizaciones. Este libro presenta las bases, conceptos y experiencias de una propuesta de gestion y liderazgo basado en el C.A.R.I.S.M.A, concepto desarrollado por Sergio Talavera, el autor, derivado del vocablo carisma y que lo resignifica con el impacto que pueden tener relaciones muy conscientes, afirmadoras, reciprocas, incluyentes, sensibles, generosas y de aprendizaje dentro de un marco de liderazgo centrado en el ser humano. El libro esta dividido en cuatro capitulos; va de lo mas general a lo particular. Parte de conceptos basicos como el liderazgo y las relaciones transformacionales, para despues avanzar hacia el carisma y definir en que consiste el verdadero C.A.R.I.S.M.A como un recurso de relacion. Para esto ofrece, herramientas sencillas que nos ayuden a pensar, decidir, sentir y actuar conscientemente al momento de relacionarnos. El carisma es una cualidad construida y que puede ser dirigida, desarrollada y potenciada, y que su influencia y afinidad repercute tambien en el plano afectivo. En este libro se habla de la transicion de este atributo al C.A.R.I.S.M.A.

Un tesoro de reflexiones y misivas cuidadosamente seleccionadas, escritas por grandes artistas. Organizado temáticamente, incluye notas y mensajes sobre el amor, el trabajo, la vida cotidiana, el dinero, los viajes y el proceso creativo. Las cartas se reproducen junto con las transcripciones, con atractivos datos de fondo que proporcionan informacion y nos situan en su contexto. Cada carta se presenta como una reproduccion con un comentario y una transcripcion o traduccion. Algunas de las cartas originales ocupan varias paginas. En algunos casos, se conservan errores ortograficos y signos de puntuacion poco convencionales o ausentes, con los minimos aportes editoriales entre corchetes. Alli donde resulta util o interesante, se han incluido membretes hechos a mano o impresos en las transcripciones.Salvador Dali, Frida Kahlo, Michelangelo Buonarroti, Vincent van Gogh, Rembrandt van Rijn, Andy Warhol, Marina Abramovic, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, David Hockney, Yayoi Kusama, Henry Moore, Gustav Klimt y Georgia OKeeffe son solo algunos de los numerosos artistas incluidos en esta cautivadora coleccion.

Prometeo encadenado es una tragedia de la antigua Grecia, tradicionalmente atribuida a Esquilo, pero en el siglo XXI es considerada por muchos eruditos como resultado del trabajo de otro escritor, quizas llevado a cabo durante el siglo IV a. C.Sin embargo, todavia hoy se suele incluir esta tragedia en las ediciones de la obra de Esquilo. La tragedia se basa en el mito de Prometeo, un Titan que desafia a los dioses y da fuego a la humanidad, actos por los que es sometido a un castigo perpetuo. Hay pruebas de que era la primera parte de una trilogia, pero de las otras dos partes, Prometeo liberado y Prometeo portador del fuego, tan solo quedan fragmentos.Esquilo (Eleusis, ca. 526-525 a. C.-Gela, ca. 456-455 a. C.) fue un dramaturgo griego. Predecesor de Sofocles y Euripides, es considerado como el primer gran representante de la tragedia griega. Nacio en Eleusis (Atica), lugar en el que se celebraban los misterios eleusinos. Pertenecia a una noble y rica familia de terratenientes. En su juventud fue testigo del fin de la tirania de los Pisistratidas en Atenas.Traduccion de Fernando Segundo Brieva y Salvatierra

"En consideración a los sesgos en la historia del arte, El arte comorevolución recupera la historia del Instituto de Arte Latinoamericano, susactividades, debates artísticos y culturales, y las redes de influencia quetuvo en el concierto latinoamericano. Este instituto, que surgio de lasreformas de la Universidad de Chile a fines de la decada de los sesenta yque se fortalecio con la llegada a la presidencia de la republica de SalvadorAllende, se presenta como un espacio dinamico de relaciones socialesdonde es inextricable el arte y la vida social bajo el marco de un proyectorevolucionario: no obras-mercancias, premios nacionales ni obrasautorales, sino investigaciones y formas de trabajo compartidas cuyashuellas remiten a un vinculo intelectual, colaborativo y de amistad. Desdeesta etica de trabajo, la invitacion de este libro es a pensar como fueconcebida la justicia social por medio del arte y en que medida tocanuestra contemporaneidad."

Las historias de Eduardo Tokeshi van de Japón a Perú y de Perú a Japón, y también, por supuesto, a ese país emocional que es uno, los dos y ninguno al mismo tiempo. Tokeshi traza con delicadeza un diccionario de palabras en japones y su traduccion al español de donde se desprenden sus recuerdos. Son recuerdos familiares, heredados, reelaborados y propios que dan forma a la identidad del niño, del joven, del artista. La delicadeza de los textos esta acompañada por hermosos dibujos que a veces parecen fotografias y, otras, sueños.

"Crear hoy es crear peligrosamente. Toda publicación es un acto que expone a su autor a las pasiones de un siglo que no perdona nada."Albert CamusEn 1957, Albert Camus pronunció el discurso "El artista y su tiempo", un grito audaz por la libertad y la responsabilidad artisticas que goza de total actualidad. Publicado por primera vez de forma independiente en este pequeño libro, sus palabras resonaran con fuerza en las nuevas generaciones de escritores y artistas.

A Salvador Dalí le divertía comparar al Greco con un caracol. Tusquets se divierte en este libro comparando cosas que no viene a cuento comparar: obras de arte, calendarios, museos, lupanares, la Ley Seca, el libre albedrio, correcciones visuales, el globo terraqueo, escaleras historicas, clientes legendarios, toreros atemorizados, luces y colores misteriosos, alimentos en conserva, arte abstracto, vagones tolerantes, duchas inteligentes, deportes desafortunados, jardines imperecederos... Este es un libro escrito por un arquitecto (¿o por un diseñador? ¿O por un pintor y escritor dominguero?), pero no es un libro para arquitectos, sino para lectores que gusten de seguir un razonamiento original sobre temas manidos, cargados de lugares comunes y de visiones politicamente correctas. Por trascendente que sea el asunto, el autor no engola la voz; prefiere la ironia y el humor para exponer evidencias que, aunque son de sentido comun, parecen insolitas y extravagantes. En resumen, un libro desbordante de talento, escrito desde una postura de radical independencia, y de lectura (y relectura) tan obligada como gozosa.

Un inclasificable elogio al acto creativo que aborda cuestiones tan heterogéneas como inconciliables: de las metopas del Partenón al toreo de Curro Romero.¿Para qué ojos fueron creadas las enormes siluetas de Nazca? ¿Por que los grandes creadores se empeñan en resolver aspectos de sus obras que ningun ser humano puede llegar a valorar? Con una mirada ironica, polemica y apasionada, el autor analiza este misterioso fenomeno a traves de las obras maestras de la arquitectura, la pintura, el cine, la jardineria, los toros y el teatro y deduce que sus autores actuaron como si sus trabajos pudiesen ser observados por un ser superior. Y concluye: en vista del sopor que el agnosticismo contemporaneo es capaz de producir, ¿no seria mejor hacer como si Dios existiese y pudiera juzgar nuestras obras?

Vlady es autor de una obra compleja y fascinante que da pie a múltiples interpretaciones. Indudablemente el color, la pintura —pintura, según su propia definición— es una de ellas. Otra gira en torno

Nos proponemos aquí modelizar el proceso de diseño y realización del Video Inmersivo 360, desde la idea hasta la exhibición, para que todo aquel audiovisualista que se interese en este nuevo medio no sienta que empieza de cero. Este trabajo nace al asociar nuestra investigacion academica con la practica en produccion de obras. Como fuente de informacion, contamos con el aporte de los principales productores y realizadores pioneros en el pais a traves de entrevistas personales. A su vez, sustenta este trabajo tanto nuestra experiencia en realizacion de ficcion y documental 360 como la participacion e intercambio en eventos de narrativas inmersivas como oyentes, expositores y realizadores, la lectura y visualizacion de horas de material y la experiencia dictando cursos de grado y posgrado. Aunque dirigido a quien cuenta con ciertos conocimientos en audiovisual tradicional, buscamos con este volumen, a traves de los ejemplos y un lenguaje coloquial, llegar a un publico amplio.

Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de caracter historico sino filosofico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relacion con la filosofia taoista a partir de la nocion de vacio que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepcion china del universo y su comprension del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica tambien al lector occidental la adscripcion de este arte a la concepcion taoista, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictorica.

Descubra las obras de arte que se atrevieron a ser diferentes, que arriesgaron reputaciones y que pusieron en peligro carreras profesionales. Las fascinantes historias que hay detrás de la creación, la recepcion y el legado de 50 obras transgresoras. Desde Las bañistas (1853), de Gustave Courbet, hasta la Fuente (1917), de Marcel Duchamp, Antropometria sin titulo (1960), de Yves Klein, La cena (1974-1979), de Judy Chicago, pasando por el Cristo del pis (1987), de Andres Serrano, y El amor esta en la papelera (2018), de Banksy, en estas paginas hallara egos enormes, feministas ortodoxas, reclusos superdotados, espiritistas, anticonsumistas, activistas, satiricos y mucho mas. Al contar la historia del arte contemporaneo a traves de obras que fueron verdaderamente disruptivas y explicar el contexto en el que se creo cada una, este libro pone de relieve la esencia del arte contemporaneo, cuestiona y desafia las expectativas de forma constante."Todo acto de creacion es, ante todo, un acto de destruccion". Pablo Picasso

Elias Rogent i Amat (1821-1897) fue una destacada figura de la vida académica, política y cultural barcelonesa de la segunda mitad del siglo XIX, alcanzando gran prestigio nacional e internacional con trabajos como la direccion de la restauracion del monasterio de Ripoll, de gran simbolismo politico, o la direccion de la Exposicion Universal de 1888. Catedratico y director de la Escuela de Arquitectura, sera pionero en el estudio de los edificios medievales como metodo para encontrar una arquitectura nacional propia de gran influencia en la siguiente generacion de arquitectos como Gaudi, Domenech i Montaner o Puig i Cadafalch, entre otros.De entre las obras de Rogent destaca el edificio de la Universidad de Barcelona, diseñado y construido a lo largo de mas de 20 años (1861-74) siendo uno de los mejores ejemplos del paso del academicismo imperante en la primera mitad del siglo XIX al naciente regionalismo de la segunda mitad del mismo siglo, en la frontera temporal de lo que hoy llamamos, de forma abusiva, modernismo.El presente libro nos introduce en el momento historico en que se cruzan autor y edificio con el retorno de la Universidad a Barcelona, el desarrollo de nuevas teorias en arquitectura y la construccion de edificios representativos en el naciente Ensanche barcelones. Siguiendo una metodologia similar a una guia para un visitante imaginario, y apoyado por dos centenares de fotografias e ilustraciones, el libro nos permite admirar en un viaje descriptivo por sus paginas el delicado trabajo de los artesanos y artistas que participaron en el proceso constructivo y decorativo de la Universidad, dirigidos por un Rogent que consigue la creacion de una obra integral.Elias Rogent y el edificio de la Universidad de Barcelona es el segundo numero de una coleccion de autor que quiere dar visibilidad a los grandes arquitectos que han quedado oscurecidos, y muchas veces olvidados, por la toda poderosa Barcelona de Gaudi. Sirva, pues, este trabajo de divulgacion para dar a conocer el edificio de la Universidad de Barcelona y a uno de Los Otros arquitectos, en este caso de Elias Rogent i Amat.

En el momento crítico previo a su expulsión de España, la Compañía de Jesús desplegó un consciente y meditado uso de la imagen con fin adoctrinador y mnemotécnico. De acuerdo con esta estrategia y con el objetivo de obtener su beatificacion, se construyo la personalidad del padre Santiago mediante palabras e imagenes retratos o, en sus honras funebres, jeroglificos que lo representaban equiparandolo a santos jesuitas que se multiplicaron a su muerte, junto con episodios milagrosos narrados en su biografia. Se publico entonces la que habria sido su obra postuma, Las empresas de la eternidad, que Santiago habria utilizado en las predicas de los ejercicios espirituales que dirigio para tratar del concepto de eternidad y del peligro de afrontarla tras morir en pecado. Asi mismo, se estudia a los grabadores protagonistas de este despliegue iconico en la Cordoba del setecientos.

En su ensayo Der psychologische und biologische Untergrund expressionistischer Bilder (1920) –traducido aquí por primera vez al español–, el psicoanalista Oskar Pfister se propuso penetrar en las raí

La obra El banano: investigación, cultivo y experiencias tiene como fin compartir el conocimiento adquirido por el autor al trabajar durante más de 20 años en distintas áreas relacionadas con el desarrollo, la produccion y el control de calidad del cultivo del banano. Por lo tanto, esta dirigido a todas las personas que desean conocer detalles de investigacion de campo, con el fin de mejorar su produccion del cultivo de esta fruta. Ademas, se relatan vivencias del entorno en el cual se desarrolla este monocultivo, para concientizar al publico lector sobre las variables inhospitas de dicho medio, con presencia de altas temperaturas y elevadas precipitaciones que acosan a los trabajadores de las plantaciones.Este libro profundiza en estudios de campo sobre la nutricion del cultivo, se analizan los efectos de los diferentes nutrientes, como se relacionan entre ellos luego de ser aplicados, la concentracion de estos en el suelo a lo largo del tiempo y a diferentes profundidades. Asimismo, se muestra la relacion entre los nutrientes aplicados al suelo y su relacion con su concentracion foliar, tema que en muchos casos suscita controversia, al no correlacionarse entre si completamente.

Una ecología de los signos recoge siete ensayos dedicados a interrogar las relaciones entre las configuraciones de los modos de experiencia (artística, vital, corporal) y los modos en los que podemos captar su diferenciacion y sus declinaciones. Apoyados por la tradiccion que convoca Deleuze, y del lado de nombres como los de Simondon, Guattari o Ruyer, entre otros. Sauvagnargues pareciera construir un trayecto que atraviesa campos, ejes tematicos y problemas, para advertir distintos mundos que coexisten y que son como burbujas de signos que llaman a detenerse sobre ellos y que, forzando a pensar, nos abren de par en par a una comunicacion experimental donde se individua lo que somos o llegamos a ser. El punto de partida es la influencia motriz que adquiere el arte en la filosofia deleuziana. Desde la publicacion en 1964 de un primer ensayo sobre Proust, donde Deleuze empieza a explorar la literatura, hasta su interes posterior en las artes no discursivas como la pintura, la musica o el cine, el filosofo frances traza una trayectoria que se desplaza, asi, desde el lenguaje hacia la materia de la percepcion y hacia las imagenes y signos de distintas naturalezas.

Este libro se propone introducir un desvío en la comprensión habitualde la imaginación, expandir el término para que no se repliegue a loslímites que han determinado su uso, en un momento histórico endonde no se deja de anunciar su obturacion. Agotamiento que seconstata en la imposibilidad de poder imaginar alternativas anuestras formas de produccion y de organizacion de la vida. De ahique la apuesta y riesgo de este libro consista en levantar la categoriacritica de imaginacion material como tentativa metodologica quequiere contribuir a potenciar otros procesos de formacion desdediferentes practicas. En este sentido, se trata de profundizar enalgunos de los desarrollos presentados en La performatividad de lasimagenes, para interrogar que podria querer decir que existe unafuerza formadora en la imagen. Si la imaginacion es la capacidad decrear imagenes, ¿como activar esa potencia de lo imaginal?Si lo que pretendemos es una critica que sea capaz de invertir suenergia en una nueva pasion creativa para organizar el polemicoencuentro entre lo real y lo posible, es necesario explorar unacreacion social, artistica y conceptual que trabaje desde los bordes,los restos, los fragmentos y lo accidental que se produce en lasnuevas formas de contacto.