Libros de Historia del arte, página 29 de 1249

A lavish new hardback edition of the multi million copy bestseller discover your innate creativity with The Artist s Way

Un libro polémico sobre las derivas del arte contemporáneo, con un nuevo prólogo y nuevo capítulo de la autora Edición ampliada y actualizada ¿Ha perdido el arte su aura, su dimensión intelectual o, lo que es peor, su poder de comunicacion, dicho en otras palabras, su principal razon de ser? En este libro polemico y escrito a contracorriente de la critica mas conformista, Marie-Claire Uberquoi reflexiona sobre la plastica de las ultimas decadas, centrandose en los artistas que han llevado mas lejos sus deseos de acoso y derribo de la nocion tradicional del arte para plantearse nuevas vias de expresion. Muchos piensan que se ha tocado fondo y hablan de la impostura de la creacion actual. Otros apuestan por un arte supuestamente renovador plasmado en trabajos que no tienen nada que ver con el goce estetico. El rechazo del objeto artistico, la explotacion publicitaria de obras falsamente provocadoras, la deriva hacia el activismo politico y el fenomeno de la banalizacion del arte son algunas de las cuestiones analizadas en este ensayo que propone reivindicar otro arte contemporaneo ajeno a la cultura del espectaculo.La critica ha dicho:Un gran reportaje bien realizado sobre lo que ha sido el arte de esta generacion.Eugenio Trias Un libro muy inteligente, documentado y valiente.Jose Corredor Matheos

This is the true story of art thief Stephane Breitwieser who stole over 300 art pieces in the course of 200 heists

Nuevo volumen de la colección de catálogos razonados del Museo del Prado, tras El Greco, Pintura holandesa, Las miniaturas en el Museo del Prado y Luca Giordano. Este catálogo estudia las pinturas realizadas en los Paises Bajos durante el siglo XV que c

El título Siempre rojo no implica que nunca fuera a cambiar. Quería decir con ello que nunca comprometería mi oposición a la cultura y la sociedad burguesas. Publicados por primera vez en 1960, los ensayos reunidos en este libro fueron escritos entre 1954 y 1959 en forma de articulo para la revista marxista New Statesman, con la que John Berger colaboro durante mas de una decada. En evidente oposicion al gusto burgues ?de ahi el titulo?, el critico de arte nos acerca de forma intima y calida a varios artistas, algunos de ellos minoritarios o desconocidos en ese momento, para hablarnos de sus dificultades y sus luchas, sus exitos y sus fracasos. Una nueva mirada muy lejana a la de la historiografia convencional de quien comprende el arte y el artista en el contexto cambiante de la historia.

El libro 1502 personas cara a la pared es fruto de la investigación y trabajo llevado a cabo entorno a la exposición de Santiago Sierra que tiene lugar en el Museo CA2M hasta el 2 de febrero de 2025. Esta publicacion, reune imagenes de los caracteristicos

Hijo de un grabador y estudioso apasionado de técnicas y de artistas del grabado, Henri Focillon reservó una atención particular a las formas artísticas, a sus relaciones psicológicas y materiales, y a su comportamiento extremadamente concreto y funcional. Desde su publicacion en 1934, 'Vida de las formas', fue saludada como un clasico de la cultura del siglo xx, asi como un gran modelo de lectura de la obra de arte. En su concepcion sinfonica de esta, el problema principal para Focillon no fue tanto reivindicar una absoluta autonomia de la forma artistica respecto a la epoca, el lugar y el ambiente en que se manifiesta, como proponer una suerte de morfologia genetica y asentar el concepto de mutacion formal autonoma en el marco de materiales y tecnicas en permanente cambio. El titulo del segundo ensayo, 'Elogio de la mano', es ilustrativo: las manos son el vehiculo del genio, las que dan forma a una idea. Son la salvacion del ciego, que solo a traves de ellas puede llegar a ver el mundo, mientras que para el vidente son el medio que le permite completar la percepcion de las apariencias a traves del tacto. Para indagar en la pregunta de por que este organo mudo y ciego nos habla con una fuerza tan persuasiva Focillon recurre al ejemplo de los artistas, los mas destacados de los cuales le han prestado una atencion extrema, pues en su obra proliferan los estudios de la mano. ¿Puede ser porque es lo mas original y diferenciado que poseemos, aquello que mas nos aproxima a las formas superiores de la vida? Completa esta edicion 'Elogio de las lampara, un bello texto desconocido del autor.Henri Focillon (Dijon, 1881 New Haven, ee.uu., 1943) esta considerado uno de los historiadores del arte mas brillantes del siglo xx. Sus aportaciones teoricas resultan fundamentales dentro de la historiografia artistica y, junto a Heinrich Wolfflin, es uno de los principales introductores del metodo de analisis formalista. Nacido en un ambiente de artistas, estaba destinado, como su padre, al grabado, pero una acusada miopia le impidio hacer de esta su profesion. Tuvo una solida formacion clasica y humanistica, y pronto manifesto una vocacion por la historia del arte. Su tesis doctoral verso sobre la obra de Giovanni Piranesi y el grabado del siglo xviii en Venecia y Roma. Inicio su carrera academica en Lyon, y posteriormente fue catedratico en la Sorbona, el College de France y la Universidad de Yale. Entre sus obras destacan: Piranesi (1918), Hokusai (1924), El arte de los escultores romanicos (1931), La vida de las formas (1934), El arte de Occidente (1938) y El año mil (1942). En esta misma editorial se han publicado sus Cartas desde Italia (Elba, 2023).

Las apasionantes memorias de una mujer icónica y visionaria, la gran coleccionista que marcó la historia del arte del siglo XX. Nacida en una acomodada familia de Nueva York, Peggy Guggenheim decidio dejar su ordinaria vida y se marcho a Europa en 1921 en busca de aventura. Alli sembro las semillas de su trayectoria como una de las figuras mas importantes del arte moderno, que catapulto a artistas como Brancusi, Cocteau o Kandinsky e inauguro las carreras de Jackson Pollock y Robert Motherwell, entre muchos otros. Sus apasionantes memorias constituyen un retrato del mundo del arte de los años treinta en adelante, de los entresijos del coleccionismo y de la historia social y politica del siglo XX, asi como un divertido recorrido por la disparatada vida de esta mujer, en el que no faltan sus romances y amistades con las personalidades mas destacadas de la epoca.La critica ha dicho...Una de las mecenas mas excentricas y sofisticadas de los ultimos cien años. [ ] La Peggy del arte, de los trajes, los amantes, las casas de lujo y las fotos y cuadros hechos por los punteros del momento.Karmentxu Marin, El Pais Si hay una persona que haya vivido de todo, esa ha sido Marguerite 'Peggy' Guggenheim.Vogue La mirada privilegiada de una mujer que vivio con intensidad.Telva, Cesar Suarez Amantes del cotilleo y el arte, dejen las revistas en la mesa del cafe y abran ya Confesiones de una adicta al arte.Jose Luis G. Gomez, La Opinion de Malaga Con un tono a menudo sarcastico, [ ] el valor de estas memorias no esta en ser solo un testimonio del mundo del arte contemporaneo en esos años, sino que tambien recogen el impacto que tuvo ella y justifican una vida de pasion por el arte moderno, todo desde la mirada intima de una de las figuras mas influyentes del siglo XX.Sofia Giraldo, Madrid Actual Un raudal de mujeres tan energicas, expertas y dedicadas como Peggy Guggenheim es lo que necesita el mundo del arte. [...] A medio camino entre la avispada coleccionista y la verdadera amante del arte, Guggenheim nos ofrece un interesante registro del arte de los años veinte y treinta del siglo pasado.Kirkus Peggy no se conformo con ser una socialite mas de su epoca. Rompio moldes, apoyo a artistas quecambiarian la historia del arte moderno y desafio las normas sociales de su tiempo.Preslava Boneva, The Objective Estas memorias[...] reflejan un mundo [...] perdido [ ]. Pero como la prosa de este libro es toda ella obra de Peggy, algo se ha salvado. Uno oye en estas lineas la voz energica y sin embargo pausada; ve la repentina y veloz mirada de soslayo que a menudo acompaña a sus veloces juicios; disfruta si no de su persona, al menos de su sombra sobre la pagina.Gore Vidal, prologoEsta claro que la señora Guggenheim es esa agradable combinacion de astuta coleccionista y verdadera amante del arte, y su libro es un interesante registro del movimiento artistico de los años 20 y 30.Publishers Weekly Lectura obligatoria para todo aquel interesado por los artistas de primeralinea, por este fructifero periodo de la historia del arte y por la mujer hecha a si misma por excelencia.Waterstones En su estilo inimitable y atrevido, Peggy nos ofr...

Como una joya de piedra y vidrio, luminosa y armónica, la Pulchra Leonina se alza desde el siglo XIII como uno de los más bellos ejemplos del gótico radiante europeo. Erigida por maestros de origen frances y proxima ya a su octavo centenario, la catedral de Leon deslumbra con sus chapiteles y vitrales, con la proporcion perfecta de sus torres y arbotantes.Este libro recorre su historia desde la construccion y las reformas medievales hasta la gran restauracion del XIX, deteniendose en la riqueza escultorica del exterior, el esplendor de las naves y capillas, y el cromatismo de sus vidrieras. El claustro, con sus bovedas renacentistas y sepulcros señoriales, y el Museo Catedralicio Diocesano, uno de los mas completos de España, completan este viaje por el primer Monumento Historico Artistico declarado en nuestro pais.Rigurosa y a la vez accesible, esta obra ofrece una vision clara y documentada de la catedral que mejor traduce en piedra la luz del gotico.

¿Qué secretos esconden las serpientes en los cuadros renacentistas? ¿Por qué el fuego representa tanto la destrucción como la redención? ¿Qué mensaje transmite realmente un simple espejo en una pintura medieval? Desde el Paleolitico hasta el arte contemporaneo, los simbolos operan como puentes entre lo visible y lo invisible, pero sin las claves adecuadas, nuestra experiencia artistica se reduce a una contemplacion superficial. En un mundo saturado de imagenes, hemos perdido la capacidad de leer los simbolos que dan profundidad al arte. Esta guia esencial desentraña el fascinante universo de significados ocultos que condensan las obras.

Prosas y poemas dispersos que conforman una especie de historia personal del arte.Robert Walser fue introducido por su hermano, el pintor Karl Walser, en el mundo del arte de Berlín,aunque también escribio sobre pintura despues de su etapa berlinesa y visito exposiciones en Berna y en Zurich. Asi surgieron prosas y poemas dispersos que conforman una especie de historia personal del arte: en unas ocasiones Walser se enfrenta a un cuadro de manera imaginativamente narrativa, pero en otras responde con un ensayo estricto o con una glosa mas ludica. Walser nunca se muestra academico, pues el considera que el arte es el reino incuestionable de la libertad.Los cuadros de Tiziano, Rembrandt, Van Gogh, Renoir y Cezanne, entre otros, a los que se refieren los textos de Walser estan reproducidos en color en esta edicion.

Sabemos por su relato "El niño en la casa" (1878) que Walter Pater (1839-1894) llevó una vida retirada, más contemplativa que activa, pero de una "contemplación apasionada". Con la misma pasión diáfana por el arte que Ruskin, compuso sus influyentes estudios sobre el Renacimiento. Pensaba que el hombre moderno no debia estar atado a epoca alguna y, eclectico por naturaleza, entendio mejor la piedad que la fe. No creyo en el fruto de la experiencia estetica, pues opinaba que la experiencia misma era un fin. Existe un equilibrio en todas sus paginas, afin a la belleza y a la ascesis, y su estilo transmite un cansancio encantador. Para Oscar Wilde, fue "el mejor maestro de la prosa inglesa" de su tiempo. La serie de ensayos que Pater reunio bajo el titulo de "Apreciaciones" (1889), que abarca desde los reyes ingleses de Shakespeare hasta los poetas romanticos, puede leerse como una consumacion de su ideal de amplitud y serenidad de la vision. En ella encontramos un discurrir textual tan erudito como elegante, fruto de una comprension profunda de las diferencias entre las sucesivas epocas historicas del arte occidental, que nos invita a extraer lo mejor de cada una de ellas.

Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundio masivamente entre 1650 y 1790, convirtiendose en un simbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y America Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y tecnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen mas reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un "icono revelado". La exposicion y el catalogo que la acompaña exploran su circulacion en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusion. Presenta unas 70 obras, la mayoria provenientes de España y Mexico, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.El catalogo, que se abre con una introduccion a cargo de los dos comisarios de la exposicion, Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofia y Letras de la Universidad Nacional Autonoma de Mexico, y Paula Mues Orts, profesora del Instituto Nacional de Antropologia e Historia de Mexico, repasa el culto a esta Virgen en seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El icono moderno ante la era del arte (Javier Portus), Tipologia figural, construccion visual y articulacion devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gomez y Angelika Garcia Manso), La Virgen de Guadalupe de Mexico y de como los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocio Bruquetas Galan), Agentes, dinamicas y espacios de la recepcion guadalupana en España (Francisco Montes Gonzalez) y La Virgen, los señores indianos mexicanos y el rey catolico (Ivan Escamilla Gonzalez). El libro se cierra con una bibliografia y un indice antroponimico y de obras reproducidas.A la venta en Tienda Prado y en la web www.tiendaprado.comFecha de publicacion: 10 de junio de 2025304 paginasMedidas: 21,5 x 27 cmEncuadernacion: tapa duraIdioma: castellanoISBN: 978-84-8480-632-5Precio: 32 Edicion a cargo de Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofia y Letras de la Universidad Nacional Autonoma de Mexico e investigador del Instituto de Investigaciones Esteticas de Mexico, y Paula Mues Orts, profesora de la Escuela Nacional de Conservacion, Restauracion y Museografia del Instituto Nacional de Antropologia e Historia de Mexico.

La societat del rendiment colonitza el nostre temps i els nostres afectes, esborrant els límits entre fer i ser. És possible imaginar alternatives a la lògica productivista? En aquest assaig, Mireia

Entre la memòria íntima i la poètica dels objectes, L’imant i les coses és el primer llibre de l’artista Mateu Coll. Amb una escriptura fragmentària i evocadora, però lluny de qualsevol nostàlgia, Co

«LA JOYA PLÁSTICA Y BIBLIOGRÁFICA DEL ROMANTICISMO ESPAÑOL» Con la reproducción en el color original y papel especial de las 48 láminas que comprende cada tomo. Consta que el pintor romántico Genaro

Este breve escrito de Walter Benjamin (1892-1940) es uno de los ensayos sobre estética más influyentes del siglo XX.

¿A quién representa la Mona Lisa? ¿Para quién fue pintada? ¿Por qué se tejieron tantas leyendas en torno de la obra? La cuestión acerca de quién es la mujer con la sonrisa más famosa del mundo ha desconcertado a los historiadores y al publico durante quinientos años, y sobre ese enigma se han poblado bibliotecas y se han provocado las mas disparatadas interpretaciones.En este libro, Roberto Zapperi, uno de los mas prestigiosos historiadores del arte, se propone dilucidar el misterio: a traves de un relato deslumbrante, que comienza a principios del siglo XVI, narra la historia de la vida en la corte de Urbino y de las aventuras amorosas que alli se vivian; a traves de un relato que involucra la vida de un niño nacido, fuera del matrimonio, en la curia papal y las actividades de Leonardo da Vinci en Roma, Zapperi hilvana hechos y recopila datos para contarnos para quien y como fue pintada la Mona Lisa, como Leonardo llevo consigo el cuadro cuando se instalo con un nuevo mecenas en Francia despues de la muerte de quien le habia encomendado la pintura y como la obra quedo alli hasta convertirse en la principal atraccion del Museo del Louvre y en el retrato mas famoso de la historia.En esta obra asombrosa, de rigor intelectual pero con ritmo de thriller y encanto de novela historica, la verdadera historia de la Mona Lisa -de la pintura y de su modelo- encuentra su verdad en medio de tantas leyendas. Un relato fascinante al termino del cual el lector puede, por fin, decir: adios, Mona Lisa."La cuestion de si Leonardo, en su famoso cuadro, represento a la esposa del mercader florentino Lisa del Giocondo se ha planteado muchas veces. Ahora, Roberto Zapperi -uno de los mayores especialistas vivos en el Renacimiento- recrea las circunstancias en que la Mona Lisa fue creada. Y, con base en nuevos documentos, prueba que no es ella quien fue representada en la pintura." Der Spiegel

El arte de las primeras vanguardias se suele analizar bajo dos grandes "paradigmas": el de la obra única, cuyo carácter de singularidad deriva de la ruptura formal y del efecto shock, y el de la multiplicidad, dominado por la discontinuidad del espacio-soporte. Pero hay un "tercer paradigma" generalmente olvidado, el del archivo. A su estudio se ha dedicado este libro, en el que se analizan sus fuentes, sus precedentes, su desarrollo y sus principales ejemplos a lo largo del siglo XX y los del XXI, ocupandose del trabajo de los artistas visuales que registran, coleccionan, almacenan o crean imagenes que, "archivadas", han devenido inventarios, tesauros, atlas o albumes. Artistas que se valen del archivo como un nexo entre la memoria y la escritura, como un territorio fertil para todo escrutinio teorico e historico, o como un lugar para reconstruir visiones utopicas.

¿Cómo reconocer/identificar una obra de arte? ¿Cómo juzgarla? ¿Cómo explicar la emoción o la indiferencia ante un cuadro? ¿Son Arte y Belleza inseparables? ¿Cabe una búsqueda no artística de lo bello o un arte ajeno a la belleza? Pero, si arte y estética se separan, ¿cuál es entonces la función del arte?