Libros de Historia del arte, página 56 de 1249

Melanie Smith (Poole, Reino Unido, 1965) es una de las artistas contemporáneas más reconocidas de México que trabaja en una variedad de medios de expresión, desde la pintura y la fotografía hasta la instalacion. Fordlandia es un viaje de (des)colonizacion con el que la artista continua su investigacion estetica en torno a las derivas de la modernidad en lugares inciertos de lo que fueran sus imaginarios.En el caso de Fordlandia, Melanie Smith (des)explora el Amazonas: las tensiones entre el paisaje industrial y el natural, entre lo vivo y la maquina. Pensado como una bitacora ilustrada del dialogo entre la artista y el curador, y acompañado por un ensayo filosofico sobre las formas de la mera vida y la noche salva, Fordlandia es una pregunta historico-politica sobre el sentido del mundo en la contemporaneidad.

El catálogo de la exposición permanente del Centre Pompidou de Málaga, al igual que la muestra, aborda cinco temáticas -«Metamorfosis», «Autorretratos», «El hombre sin rostro», «El cuerpo pol­tico» y

La muestra está formada por tres piezas escultóricas de gran tamaño y un animal disecado, obras del artista francés de origen argelino Adel Abdessemed. Aborda temas como el sexo, la violencia, la politica y la religion, con grandes dosis de humor e ironia. Prefiere no emplear la palabra performance al referirse a sus trabajos, ya que se autodefine como un artista de actos, mas alla del ilusionismo. En la actualidad vive y trabaja en Londres.

Dadá estaba en contra de la conveción de la época, los dadaístas traicionaron el arte por una vida distinta. Contemplado bajo esta luz podemos hallar en las páginas de este Almanaque todo aquello que es natural en las revueltas: esa inextirpable pasion por negarlo todo.Dadá estaba en contra de la conveción de la época, los dadaístas traicionaron el arte por una vida distinta. Contemplado bajo esta luz podemos hallar en las páginas de este Almanaque todo aquello que es natural en las revueltas: esa inextirpable pasion por negarlo todo.

La noche de los relámpagos es un ensayo literario sobre la obra pictórica de Manuel Caballero (San Fernando, 1953), obra que muestra una lúcida concordancia estética entre tradición y experimentación. No se trata de un estudio academico ni tecnico, sino de una reflexion creativa -desde el pensamiento y la imaginacion- en torno a los abundantes y sugestivos materiales simbolicos presentes en la produccion de Caballero, en la cual coinciden, fusionandose con total coherencia, diversas e importantes corrientes culturales de todos los tiempos, tanto occidentales como orientales, con una clara preferencia por las civilizaciones del Mediterraneo, espacio de un feliz y fecundo encuentro de numerosos movimientos espirituales procedentes de distintas partes del mundo. El ensayo esta redactado en un estilo agil, sintetico y transgresor, de manera que puede ser leido como un poema en prosa, una narracion fantastica o unas memorias de libertinaje. Es el lector quien decide. AUTOR Carlos Manuel Lopez Ramos (Cadiz, 1955), Licenciado en Filosofia y Letras por la Universidad de Sevilla, es critico literario, ensayista y articulista de prensa. Es Consejero Asesor de la Fundacion Caballero Bonald y miembro del Centro de Estudios Historicos Jerezanos. Ha publicado numerosos ensayos y articulos en revistas especializadas. En 2007 publico La Andalucia de Ehrenburg. Una cronica republicana (Jerez, Asociacion Cultural Barataria/Servicio de Publicaciones de la Diputacion de Cadiz); y, en 2010, Utopia comparada. Dos poetas, dos poeticas: Jesus Fernandez Palacios y Jose Ramon Ripoll (Jerez, Publicaciones del Sur). En 1999 recibio el Premio Nacional a la Lealtad Republicana, concedido por la Asociacion Manuel Azaña de Madrid.

The relief slabs that decorated the palaces of the Neo-Assyrian Empire, which emphasized military conquest and royal prowess, have traditionally been understood as statements of imperial propaganda that glorified the Assyrian king. In this book, Mehmet-Ali Ataç argues that the reliefs hold a deeper meaning that was addressed primarily to an internal audience composed of court scholars and master craftsmen. Ataç focuses on representations of animals, depictions of the king as priest and warrior, and figures of mythological beings that evoke an archaic cosmos. He demonstrates that these images mask a complex philosophical rhetoric developed by court scholars in collaboration with master craftsmen who were responsible for their design and execution. Ataç argues that the layers of meaning embedded in the Neo-Assyrian palace reliefs go deeper than politics, imperial propaganda, and straightforward historical record.Explains the layers of meaning behind Neo-Assyrian palace reliefsSpecial focus upon visual representations of animals and the king as priest and warriorExplores ancient Mesopotamian kingship and religion

En este libro se profundiza en el conocimiento de la obra de arte en tanto dispositivo cultural de significados múltiples. Se analiza la evolución, desde la Edad Moderna hasta hoy, de los lugares (tanto fisicos como imaginarios) donde el artista lleva a cabo el proceso creador, la interaccion que se produce entre ambos y su incidencia (directa o indirecta) en la identidad del propio artista y de su obra; y se indaga en la cuestion de la identidad y la representacion, atendiendo a diversos medios (desde la arquitectura y las artes plasticas tradicionales hasta la creacion audiovisual, pasando por engranajes complejos de exhibicion y difusion mediatica) y diferentes epocas, a partir de una serie de casos concretos de impacto y relevancia de la Edad Moderna y Contemporanea.La pluralidad de autores necesariamente implica variedad en las herramientas de analisis y de reflexiones pero esa diversidad se articula en torno a los conceptos fundamentales de los lugares del arte, identidad y representacion, que sirven de hilo argumental y brindan al lector la ocasion para reflexionar sobre estos temas a lo largo de la Edad Moderna y ContemporaneaEsta publicacion, en dos volumenes, es el resultado del proyecto de investigacion Los lugares del arte. Del taller del artista al espacio expandido en la sala de exposicion (HAR2010-19406) del que forman parte diversos investigadores de la Universidad Complutense de Madrid (Departamentos de Historia del Arte Moderno y Contemporaneo), y recoge tambien las aportaciones de autores especialistas de otras universidades españolas y extranjeras que han contribuido con sus investigaciones al debate e intercambio de ideas entre la comunidad universitaria.

Desarrollada desde la década de los años 60 del siglo pasado como un subgénero de la performance, la conferencia performativa es un formato artístico que está experimentando un fuerte desarrollo hoy en dia. Denominada en ingles lecture-performance, y en castellano 'conferencia dramatizada' o 'conferencia performativa', se trata de una practica artistica expandida, un tipo especifico de presentacion que va mas alla del formato academico de conferencia y que los artistas (y todo tipo de agentes culturales) emplean para hacer de la conferencia un espacio performativo que, al aunar aspectos de la dramaturgia a la educacion, facilita la participacion intelectual, emotiva y afectiva de la audiencia. Se trata, por un lado, de un formato educativo o de mediacion, pero por otro se acerca a las artes escenicas y al espectaculo. Por ello, usualmente es un trabajo experimental e hibrido que quiere ir mas alla de formatos ya codificados como la instalacion, la performance o el happening y en consecuencia asume un caracter promiscuo y heterogeneo. En relacion con este caracter hibrido, las conferencias performativas incorporan elementos del mundo del espectaculo, los contadores de cuentos, los medios de comunicacion, internet e incluso de la publicidad. A traves de la practica de la 'conferencia dramatizada' se busca reflexionar sobre algunos temas centrales en la agenda de la cultura contemporanea, topicos relevantes para el arte y preocupaciones que definen nuestro presente (la informacion, generacion y distribucion de conocimiento, las plataformas y formatos para distribuirlo y acceder a el, la busqueda de nuevos marcos de trabajo y de acceso publico al mismo, etc.).

Este libro es fruto del IV Simposio Internacional «Iconografía y forma. Visiones de pasión y perversidad», donde se reflexionó y debatió sobre esas representaciones figurativas del amor, las miradas

"Estudio definitivo y antología clave de las obras de arte y los escritos asociados a este movimiento artístico. Arte Povera explora las relaciones entre la vida y el arte que se manifiestan a través de materiales naturales y artefactos creados por los hombres que se experimentan a traves del cuerpo. Incluye los trabajos de artistas de fama internacional como, Anselmo, Boetti, Calzolari, Fabro, Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Paolini, Pascali, Penone, Pistoletto, Prini y Zorio, que se exhiben en grandes museos a lo largo del mundo.''

"El complemento perfecto a El ABC del arte. El 21st-Century Art Book es una guía accesible al mejor arte contemporáneo creado desde el año 2000. Presenta más de 280 artistas ordenados alfabéticamente de la A a la Z; desde figuras consagradas como Maurizio Cattelan, Christian Marclay, Cindy Sherman o Jeff Wall a los artistas emergentes de la siguiente generacion. Absolutamente global, el 21st Century Art Book reune artistas de mas de 50 paises y recoge la amplia gama y medios de los artistas visuales de hoy, desde oleos y esculturas en bronce a animaciones, videos, instalaciones y performance. Cada artista es representado por su obra mas significativa realizada en este siglo acompañada de un texto que la explica y contextualiza dentro de la produccion de su creador. Facil de usar incluye un directorio internacional de bienales y ferias de arte.''

Perejaume ha elaborat un projecte específic per al Museu Nacional d’Art de Catalunya, al voltant de les connexions entre la tradició artística i l’avantguarda en l’art català. Realitzat a partir d´ob

Misticismo bíblico, nostalgia de una infancia rural, conservadurismo pastoral, expiación burguesa, agrarismo revolucionario... ¿cómo entender esa majestuosa presencia del campesino y de las labores y horas del campo en la obra de Jean-François Millet (1814-1875)?

Religiosidad, rituales y prácticas mágicas en los mosaicos romanos aborda el resultado de las más recientes investigaciones científicas sobre la significación de las representaciones musivas alusivas al vigor y la pervivencia de creencias y ritos de antigua tradicion, supersticiones, practicas magicas y rituales funerarios, asi como la transformacion, adecuacion y reconversion de algunas de ellas en un contexto diferente de religiosidad, en pleno auge de las creencias cristianas en un ambiente, no obstante, de gran heterogeneidad, ya que, estando bien documentadas por fuentes literarias y arqueologicas, no habian recibido hasta la actualidad un analisis riguroso en la musivaria. Desde esta perspectiva, mas alla del estudio de la religiosidad a partir de fuentes originarias de la esfera oficial, sea cual sea el credo y los rituales analizados, la investigacion de esa religiosidad y de determinadas practicas en los mosaicos romanos nos ofrece una vision mas personal, mas intima, al menos de algunos poderosos que, como artifices en mayor o menor grado de la seleccion de temas, escenas y motivos a la hora de elegir las representaciones para decorar los pavimentos de las estancias de sus domus y villae, reflejan de modo consciente o inconsciente sus creencias e inquietudes, contribuyendo a perfilar un aspecto fundamental de la historia cultural, aun en su faceta de Alta Cultura.

En La idea de arte se muestran en extensión los diferentes tipos de documentos que componen los fondos del Archivo Lafuente ordenados en torno a veintiocho temas desde los que se pretende abarcar la complejidad del siglo XX. Uno de esos temas, Libro, ha sido desarrollado en profundidad a traves del acervo de publicaciones generado por las vanguardias.

Art & Language Uncompleted. The Philippe Méaille Collection aporta una perspectiva reveladora i minuciosa d’una de les identitats estètiques més complexes de la segona meitat del segle XX. La des

La decadència de la mentida (1898) no és només un dels diàlegs de més abast teòric d’Oscar Wilde, sinó que representa el seu manifest antinaturalista i una contribució tan notable com polèmica, fins

The Elements of Sculpture is the essential viewer''s guide to experiencing sculpture. Richly illustrated with photographs of artworks both contemporary and classical and written by a sculptor and teacher with lifelong experience, it arms the reader with the tools and vocabulary with which to view a vast range of sculptures. Insightful and thought-provoking, it is accessible to the widest audience; as a primer for both students and general readers, it provides a new way of looking at, experiencing and discussing the art of crafting in three dimensions.Compelling and jargon-free, The Elements of Sculpture discovers and isolates the attributes from the most physical to the most ephemeral that make up an essential three-dimensional visual language; the very elements that form the tools sculptors use to create their art: Material, Place, Surface, Edge, Texture, Colour, Scale, Mass, Centre of Gravity, Volume, Space, Movement, Light and Memory. By teaching us how to look at and experience sculpture in the same way that sculptors think about sculpture, Herbert George provides us with the tools for understanding and appreciating the three-dimensional object, demonstrating how we can begin to communicate using the language of sculpture.