Libros de Pintores y escultores, página 3 de 524

Las creaciones artísticas más grandiosas e impresionantes son precisamente las que tienden a escapar a nuestra comprensión. Las admiramos y nos sentimos subyugados por ellas, pero no sabemos explicar lo que significan para nosotros. La estatua marmorea de Moises, erigida por Miguel Angel en la iglesia de San Pietro in Vincoli de Roma, es una de esas magnas y enigmaticas obras de arte.

El retrat humà d?un home brillant, complex i contradictoriLa vida del jove estudiant Michael Damiano va canviar quan va coneixer en Miquel Barceló i aquest el va convidar a passar una temporada a Par

Pintó en todo momento y circunstancia y, sin embargo, dudaba de su vocación, dudaba de su capacidad.

TERCERA EDICIÓN. En 1986, la Sección de Bellas Artes de la Biblioteca Nacional adquirió dos portafolios con un total de 89 acuarelas de temática satírico-política firmadas por SEM y, en ocasiones, por V. Sem, Semen o V. Semen que incluian un elevado numero de imagenes claramente pornograficas, en particular las referidas a la reina Isabel II durante el periodo 1868-1869. Ademas de añadir cuatro nuevas acuarelas de la misma serie, la presente edicion analiza el significado de la obra como material excepcional y, a la vez, representativo de las abundantes publicaciones denigratorias y obscenas generadas en relacion con la familia real durante el reinado de Isabel II con la finalidad de deslegitimar la monarquia isabelina, privarle del respeto de amplios sectores de la poblacion y, en ultima instancia, crear el ambiente propicio y la justificacion moral de la revolucion que destrono a la soberana en 1868.

Gilot describe de manera minuciosa -e implacable- todos los aspectos de la creación artística de este gran hombre, desbordante de ideas, de imaginación y de impulsos contradictorios, de cuyo retrato emergen los aspectos menos conocidos del artista: el compañero de diario, el ser irascible, el partisano, el padre angustiado o el creador supersticioso.

Joaquín Sorolla (1863-1923) es uno de los más grandes maestros de la pintura y uno de los artistas más influyentes y atractivos de todos los tiempos. Su obra siempre ha gozado de amplio reconocimiento internacional y de un elevado nivel de apreciacion entre el publico y entre los entendidos y artistas. Colecciones publicas y privadas de todo el mundo atesoran entre lo principal de sus fondos obras del creador valenciano, quien mantiene intacta su consideracion de maestro indiscutible de la luz y el color.Desde muy pronto Sorolla logro proyectarse con inusitado exito en la escena internacional, no solo en Europa, sino señaladamente en los Estados Unidos, donde ya sus exposiciones de principios del siglo XX congregaron un numero de visitantes como nunca antes se habia visto. Ese interes jamas ha decaido y permanece evidente en las siempre multitudinarias exhibiciones de sus pinturas, asi como en la buena fortuna editorial de las publicaciones dedicadas al estudio y reproduccion de las obras del maestro. Esto es asi aun cuando tales publicaciones con frecuencia carecen de los niveles optimos exigibles a una monografia artistica de calidad. Con Sorolla. Obras maestras se acomete por fin la publicacion de una obra de calidad extraordinaria, para la que se han empleado nuevas fotografias de gran resolucion de las mejores pinturas del artista especialmente de aquellas que han sido limpiadas recientemente, cuya fidelidad ha sido cuidadosamente contrastada con la pieza original. Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del artista y maxima autoridad en el estudio de la obra de Sorolla esta a cargo de certificar que cada reproduccion se ajusta con el mayor rigor a la pintura. Igualmente, esta estudiosa ha realizado la seleccion del cuerpo de cien obras que forman la monografia y es autora del texto que las presenta.

Los curas de Millares recoge 45 dibujos, en su mayoría inéditos, del artista Fueron dibujados entre 1960 y 1964 y se publican 50 años después de su realización Los curas de poses caricaturescas, provocadoras y turbadoras que realiza Millares debaten sobre la pugna entre los que proclaman la libertad y quienes la coartan Los dibujos estan realizados con pintura y tinta china sobre papel y collage donde predominan el negro y los tintes sepias Los textos del artista y coleccionista Antonio Perez y del escritor Jose Manuel Caballero Bonald completan el libro

Actual exposición en el Museo Reina Sofia - Ilustraciones color

Caminos de papel 1951-1991 es el catálogo de la exposición homónima -organizada por el Círculo de Bellas Artes- de la obra sobre papel de José Caballero (Huelva, 1915-Madrid, 1991), quien inició su carrera a mediados de los años treinta bajo el poderoso influjo del surrealismo para terminar siendo uno de los mas genuinos exponentes de la generacion abstracta española de la segunda mitad del siglo xx. Caminos de papel se compone de mas de doscientas obras sobre papel que abarcan cuarenta años de creatividad del artista, desde comienzos de los años cincuenta -cuando regresa definitivamente a la pintura despues de un periodo dedicado principalmente a la ilustracion de libros y el diseño de decorados escenicos- hasta el final de sus dias.Como dejan bien claro en sus ensayos Francisco Calvo Serraller y Jesus Camara, comisario de la muestra, los caminos de papel de Caballero transcurren en paralelo al devenir de su pintura. En estos dos ambitos se percibe un alejamiento del impulso figurativo y un gusto cada vez mas acentuado por la abstraccion, dominio en el que nunca dejo de experimentar. Otra de sus grandes pasiones, de suma importancia en el ambito de los dibujos, es la investigacion sobre la materia, proceso interminable en el que ciertos hallazgos tecnicos condicionan forzosamente las soluciones graficas.Desde el figurativismo de fuerte impronta surrealista de sus comienzos a las grafias orientalizantes y minimalistas de su etapa final, pasando por el trabajo con la materia y las superficies que caracteriza su obra en los años sesenta, Jose Caballero no dejo nunca de evolucionar y crecer como artista. Inconformista y proteico, trazo un itinerario de excepcional rigor y ambicion que ahora podemos revisar de nuevo gracias a esta amplia y generosa retrospectiva de su obra sobre papel. No en vano estos caminos nos llevan con frecuencia hasta su taller, el espacio de la intimidad donde surgieron muchos de los ensayos y bocetos de sus pinturas de gran formato.

With Christopher Tolkien as your guide take a tour through this colourful gallery of enchanting art by J R R Tolkien as published originally in the first groundbreaking Tolkien Calendars of the 19

The first book to concentrate on the early ceramic work of Transvestite Potter, bestselling author, broadcaster and social commentator Grayson PerryGrayson Perry is one of todays most popular artists, known for his flamboyant persona and playful pots. For the first time, this book explores Perrys artistic origins through the artworks that made his name in the years 198294, exploring his role as commentator on contemporary culture and the emergence of his own identity as the Transvestite Potter. The book includes an essay by Grayson Perry in which he looks back on this period of his life.

“En esencia, el arte de Giger se adentra en nuestra psique y roza nuestros instintos y miedos más profundos. Su arte pertenece a una categoría que le es propia. La prueba de ello reside en la intensi

Theo Van Gogh es un hombre «sin talento» que cifra su existencia en el amor que profesa al arte y a su hermano Vincent, el artista de la familia, a quien envía dinero y cartas llenas de melancolía. E

Published in association with the Fondation Louis Vuitton Paris to coincide with their major 2025 David Hockney exhibition this vivid book charts the life and work of one of Britain s most popular and significant artists Expertly written by preeminent curatorial experts art historians and critics including Sir Norman Rosenthal Sir Simon Schama and Fiona Maddocks this definitive survey combines a curated selection of archival photographs and eye catching artworks presented in a lavish large format book to offer a visually engaging and detailed journey through Hockney s remarkable life and career Following an introduction that offers an overview of Hockney s life and work a series of chapters explore in detail the important moments and signature styles and preoccupations of the artist s varied career from his early life in Bradford and London through his years in California to his later life in Bridlington Yorkshire and Normandy Several of the chapters are arranged thematically according to artistic subject matter and medium ranging from still lifes and portraits to his much loved landscapes and stunning designs for opera A final chapter explores Hockney s engagement with new technology particularly the iPad demonstrating the endless inventiveness cur

Esta inspiradora colección cubre el trabajo, las vidas y el impacto duradero de cinco impresionistas clave en un volumen que es una introducción y una celebración del género artístico probablemente mas popular de todos los tiempos. Cada uno de estos artistas rompio barreras de diferentes maneras y asombro a la sociedad de finales del siglo XIX con la audacia de su planteamiento y de su tecnica.Edgar Degas exploro el movimiento y la forma humanos con un estilo magistral y composiciones innovadoras, entre las que destacan sus pinturas de bailarinas, caballos de carreras y paisajes urbanos concurridos. Claude Monet fue un maestro de la luz y la atmosfera que capto la fugacidad del momento con sus iconicos nenufares y series de pinturas. Pierre-Auguste Renoir celebro la belleza y la sensualidad, y aporto vitalidad a escenas cotidianas con pinceladas exuberantes y una paleta luminosa. Paul Gauguin busco inspiracion en lo exotico y utilizo colores atrevidos y simbolismos con un efecto a menudo inquietante. Por ultimo, el uso sumamente emotivo del color y las pinceladas vigorosas de Vincent van Gogh transmitieron su agitacion interna y contribuyeron en gran medida a sentar las bases del expresionismo.Juntos, estos cinco maestros redefinieron lo que el arte se atrevia a lograr al hacer hincapie en la expresion personal y en la exploracion de la luz, el color y la perspectiva. Su trabajo marco un cambio fundamental en las libertades y expectativas artisticas modernas. Esta coleccion va mas alla de sus pinturas mas famosas e incluye un extenso texto sobre cada artista, junto con una biografia detallada y mas de 400 ilustraciones en color de alta calidad.

El contenido de estas páginas no desmiente lo que anuncia su título pues en ellas Odilon Redon evoca episodios de su vida, nos entrega un peculiar diario en el que cada experiencia vivida se convierte en una experiencia intelectual, reflexiona sobre su arte y nos deja penetrantes semblanzas de artistas clasicos y de contemporaneos suyos. Pintor muy cercano a la literatura, tanto por sus amistades como por las ilustraciones de obras de Edgard Allan Poe, Gustave Flaubert o Charles Baudelaire, publico sus Confidencias de artista en una revista belga, en 1894, y fue su viuda la que en 1922 las recogio en volumen junto a diversos escritos que lo confirman como un perspicaz observador del hecho artistico, atento a la realidad de la naturaleza pero enriqueciendola con los constantes acercamientos a sus aspectos mas misteriosos, en los que ponia la logica de lo visible al servicio de lo invisible. Las descripciones de paisajes se unen a reflexiones sobre temas sociales y filosoficos, y los acercamientos a pintores (sobre todo a su admirado Delacroix) pero tambien Courbet, Manet, Pissarro, Marie Cazin, Degas, Durero, Rodin, Rembrandt, Rubens, Monet iluminan su propia estetica, que consideraba la tradicion, la realidad y la inventiva personal como las tres fuentes del arte.Son paginas en las que Jesus convive con La Internacional, el acercamiento a la mujer con la preocupacion por los niños trabajadores, y las reflexiones sobre la fotografia (la placa solo expresa la muerte) con la respuesta a una encuesta sobre Alsacia y Lorena o a una peticion pacifista. Del Prologo de Juan LamillarSi tuviera que decir cual fue mi punto de partida, deberia decir que fue el arte de Odilon Redon. Marcel DuchampOdilon Redon (Burdeos, 1840-Paris, 1916) es el maximo representante del simbolismo pictorico frances, un movimiento que se opone al realismo y al impresionismo, y que comparte con la literatura la busqueda de un arte mas elevado, con una fuerte carga espiritual y que considera el mundo como un misterio a descifrar. Tanto en su etapa de dibujos y litografias oscuros (los negros) como en su empleo del color en pasteles y oleos a partir de 1890, en Redon destaca una originalidad que participa de lo enigmatico y lo extravagante. Mitos paganos, figuras biblicas y orientales, animales imaginarios pero tambien el colorido de las flores aparecen continuamente en sus cuadros. Ya en los primeros años del siglo XX se dejo ver su influencia en las generaciones posteriores, desde los Nabis hasta el Surrealismo, que destaco los elementos inconscientes y oniricos de su produccion.

Presentamos un fascinante catálogo de exposición del Espacio Fundación Telefónica en Madrid.La selección profundiza en los temas recurrentes del universo artístico de Jaume Plensa, como la identidad, la fragilidad de la condicion humana, lo efimero, la espiritualidad, el silencio, la comunicacion y el lenguaje.Jaume Plensa es conocido por sus esculturas monumentales en espacios publicos y por su uso innovador de materiales. Es reconocido como una de las voces mas importantes del panorama artistico actual.La exposicion abarca mas de 30 años de la carrera de Plensa, desde principios de los años noventa hasta la actualidad, explorando desde diferentes perspectivas la profunda reflexion sobre la condicion humana que atraviesa toda su obra. Desde expresiones abstractas y conceptuales en sus primeras creaciones, hasta representaciones mas recientes de caracter figurativo y sensual.Plensa elige materiales distintivos e innovadores como el hierro, el vidrio, el acero inoxidable, el alabastro y la resina. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones internacionales y se expone en museos y espacios publicos de todo el mundo, incluyendo el Nasher Sculpture Center en Dallas, el Rockefeller Center en Nuev

Gimme Some Sugar es la muy esperada primera monografía de Genesis Tramaine, el renombrado artista estadounidense cuya estrella continúa ascendiendo en el mundo del arte internacional. Arraigada en su educacion en la ciudad de Nueva York de la decada de 1980 y su fuerte espiritualidad, Tramaine imbuye sus retratos abstractos de hombres y mujeres con una emocion trascendente, devocion y musicalidad silenciosa, nacida de pinceladas ritmicas y un uso visceral del color cromatico. En su estilo gestual, busca, al mismo tiempo, representar y universalizar la humanidad del rostro negro estadounidense al oscurecer la especificidad de los rasgos individuales, eligiendo en cambio retratar la agitacion interna y la alegria interna de la mente y el ser. El libro presenta mas de 125 imagenes vibrantes y a todo color de los dinamicos y fascinantes retratos de la artista, que son un homenaje inextricable a su profunda fe, su sentido de si misma y sus domingos por la mañana en la iglesia. Encuadernado en un rico y tactil estuche de piel sintetica indigo destinado a evocar una Biblia moderna, Gimme Some Sugar tambien presenta un mini cuaderno de bocetos cuyas paginas revelan los estudios de dibujo lineal crudo e instintivo de las pinturas maestras a gran escala de Tramaine.

punto de cumplirse los trescientos años del nacimiento de Francisco Salzillo Alcaraz y tras los muchos estudios que se le han ido dedicando desde el día de su muerte en 1783, este prodigioso y completo artista ha salido siempre airoso de los juicios que se le hayan podido hacer a lo largo del tiempo y de los cambios del gusto estetico. Al principio del Neoclasicismo estaba ya bien impuesto en España, pero el artista fue admirado por la equilibrada contencion y el delicado idealismo con que supo teñir el fuerte naturalismo de sus figuras y composiciones. Esa ultima cualidad le hizo luego ser admirado por romanticos y realistas de mediados del siglo XIX, a la vez que se ponia en justo valor el profundo sentimiento religioso que supo imbuir a sus creaciones, que era muy capaz de conmover a los espiritus sensibles. Desde la segunda mitad del siglo XX, los estudios positivistas, basados en documentacion estricta y miradas objetivas, le han despojado del aura romantica que alguna vez pudo haber ayudado a su mitificacion, pero es muy cierto que estos no han podido quitar un apice a su intrinseco valor artistico y, antes bien, han servido para reforzar su importancia en el panorama de los otros artistas contemporaneos, haciendo de el una figura reconocida y aclamada como uno de los artistas de alcance universal que dio el prolifico e irregular siglo XVIII.