Libros de Estética, página 26 de 28

L’obra d’art a l’època de la seva reproductibilitat tècnica és sens dubte l’assaig estètic més influent en els estudis d’humanitats i d’història de l’art de Walter Benjamin. Parteix d’un diagnòstic d

En el primer libro de Estética Modal (Tecnos, 2016) pudimos exponer las bases de la produccion artística y la experiencia estética apoyándonos en las especificidades e interacciones de los modos de lo Necesario, lo Posible y lo Efectivo juntamente con sus correspondientes modos negativos: lo Contingente, lo Imposible y lo Inefectivo.Se tratara ahora, con este segundo libro de Estetica Modal de darle continuidad a ese intento de acercar el pensamiento de la complejidad al ambito de la Estetica. A tal fin, se proponen diferentes herramientas de analisis ya mucho mas cercanas a la experiencia de quien se halla en contacto con lo artistico y lo estetico. Dichas herramientas se estudiaran en funcion de su caracter cognitivo, ontologico o axiologico. Hablaremos por tanto en terminos de estratos -que organizan lo que hay-, categorias -que nos permiten conocerlo e intervenirlo- y valores -mediante los que organizamos nuestra reaccion al respecto-. Pero tan importante como distinguir estos tres registros del pensamiento estetico sera aprender a hacerlos trabajar conjuntamente, formando "modos de relacion" caracteristicos. Modos que hacemos y que nos hacen, que atraviesan la historia del arte y nos atraviesan a nosotros.

En el presente libro, Peter Sloterdijk toca todos los géneros modernos de las artes, desde la música hasta la arquitectura, desde el uso de la luz hasta las artes vivas, desde el diseño hasta la tipografia. Transita por todos los campos de lo visible y lo invisible, de lo audible y lo inaudible, en un arco historico que se extiende desde la Antiguedad hasta Hollywood. Cuando aplica su particular metodo de distanciamiento del discurso a la contemplacion de obras y generos artisticos, los objetos descritos se muestran subitamente bajo una luz diferente, y con su despierto y combativo sentido de la actualidad nos conduce lejos, muy lejos de los caminos trillados del comentario artistico.A lo largo de sus paginas se despliega la manera singularisima, a un tiempo jovial y seria, con que el gran filosofo aleman analiza los fenomenos esteticos mas dispares, caracterizando lo estetico del arte y de las artes.

Este libro da cuenta de uno de los tópicos más controvertidos de la Estetica contemporánea: el fin del arte. Para ello, se analizan las transformaciones que sufrió el arte y las teorías filosóficas que condujeron a considerar que podria tener un final. Hegel es referente imprescindible en este contexto pues elevo el arte a la mas alta consideracion, pero afirmo tambien que era ya un tema del pasado. Esta sentencia provoco innumerables interpretaciones que el libro recoge y sintetiza. De entre las contemporaneas, la que mas divulgacion ha alcanzado es la de Arthur Danto. Sin embargo, con frecuencia ha sido comprendida de manera parcial y por ello este libro la contextualiza dentro del desarrollo filosofico del autor, remarcando la coherencia de su pensamiento. El dialogo establecido entre ambos filosofos permite comprender como lo que termina es una comprension sobre el arte nacida en la epoca moderna, y aporta algunas claves para entender mejor el arte de nuestros dias.

El Neoexistencialismo es un marco de pensamiento bautizado por Markus Gabriel, niño prodigio de la filosofía occidental, para identificar cómo debemos pensar sobre la condición humana y cómo las posturas ultracientifistas del naturalismo radical no pueden responder debidamente a la pregunta: ¿Que es el ser humano? Este libro tiene, como todo el pensamiento de Gabriel, un envoltorio muy original: Markus expone su tesis, tres autores le rebaten las teorias y el a su vez responde a dichos autores. Este formato ayuda a matizar y comprobar lo robusto de los argumentos de Gabriel, a la vez que hace la lectura mas amena y nos anima a participar del juego filosofico.

EDICIONES METALES PESADOS. 2017. Rústica. Nuevo. Nuevo. 1

La visión del arte de uno de los mejores escritores y más agudos pensadores de España. Diccionario de las artes es ya un clásico de la estética que ahora Félix de Azúa ha ampliado y revisado exhaustivamente para esta edicion. A pesar de su titulo, el libro no es un diccionario al uso, sino un ensayo compuesto por diversas voces, dispuestas alfabeticamente, donde el autor medita acerca del ocaso del Arte. Para ello, regresa a los lugares del crimen, es decir, las artes y las ideas que han generado a lo largo de la historia, ese largo viaje en el que el hombre ha ido representandose y abstrayendose a si mismo hasta llegar a la extenuacion actual. Con una estructura y un ritmo que recuerda a las variaciones musicales, Felix de Azua, uno de los escritores mas brillantes de nuestro tiempo, despliega el espectro semantico que ha generado el Arte y lo somete a una nueva formulacion. La belleza, la muerte, lo sagrado o lo sublime se declinan en estas paginas a la par que se muestran los efectos, creativos o destructivos, del mercado, la publicidad y los medios de comunicacion. Mas que un ensayo de arte, Azua ha concebido en esta obra imprescindible una bella y lucida reflexion sobre la condicion humana.

Autenticidad, sinceridad, originalidad, personalidad… Según una creencia muy común, estas virtudes morales deberían guiar la conducta de los ciudadanos, y la sociedad debería organizarse según el vag

Este libro es uno de los estudios clásicos sobre aquella «ciudad de genios» de hace un siglo, a la que han convertido en un espléndido paradigma de investigación: la llamada «Viena fin-de-siglo» o «V

La Filosofía del arte de Schelling es un clásico dentro de la historia de la filosofía, porque contiene la sistematización más completa de la estética romántico-idealista. Desde su publicación siempre ha estado en el centro de la discusion filosofica sobre el arte, especialmente en el siglo XX. Como paradigma de una concepcion que ve en la realidad la expresion de lo absoluto y en la filosofia la representacion ideal y subjetiva del mundo estetico, esta obra presenta una construccion metafisica del arte en general -cuya materia es la mitologia-, asi como de los diferentes estilos y formas particulares. De esta manera, la perspectiva del arte abarca todo el universo, permitiendo establecer un paralelismo entre las formas artisticas y los procesos naturales, y ofreciendo una explicacion para la evolucion historica de la cultura, cifrada en el contraste entre lo antiguo y lo moderno.

Michel Foucault revolucionó las ciencias sociales y el pensamiento político al abrir espacios de reflexión acerca de las redes de poder y las instituciones totales diseminadas por nuestras sociedades. Pero desde su muerte, en 1984, se han producido importantes cambios sociales e institucionales que obligan a prolongar sus analisis: el orden politico internacional surgido de la Segunda Guerra Mundial se ha desplomado y los proyectos nacionales de proteccion social estan en jaque a causa de los procesos de globalizacion economica. En este contexto, los ensayos que componen este volumen continuan la labor de Foucault mediante cuatro inmersiones en areas turbulentas de las ciencias sociales contemporaneas: la relacion entre la sociologia critica y la critica social, las metamorfosis postmodernas de la concepcion de la enfermedad mental, las nuevas formas de conflicto urbano y la sociologia de la identidad personal.

La postura que sostiene e impulsa Producción de presencia se puede resumir de la siguiente manera: mientras Hans-Georg Gadamer siempre sostuvo la pretensión de la universalidad de la hermenéutica, en esta obra se exponen sus limites; pues Gumbrecht destaca la importancia de los efectos de presencia sobre aquellos en que la hermeneutica ha insistido: los efectos de sentido. Esta distincion entre efectos de presencia y efectos de sentido es una de las mas ricas y productivas para el desarrollo actual de las ciencias humanas. Es necesario insistir en que, de ninguna manera, Gumbrecht niega la necesidad de la interpretacion. Sino que el ve una tension u oscilacion entre presencia y sentido; pues las disciplinas humanistas a lo largo del siglo XX han dado primacia a una especie de proceso interpretativo sin punto final, lo que el autor explica como perdida de referencia de las ciencias humanas en general y, en particular, de la historia. Mas a pesar de que ninguno de los dos existe de manera aislada, queda claro que, ante la sobre-hermeneutizacion de las ciencias del espiritu, en este libro se recupera el nivel de la presencia o presentificacion con el fin de buscar nuevos caminos para la investigacion humanistica. Por ultimo, Produccion de presencia. Lo que el significado no puede transmitir nos invita a pensar mas alla... de la hermeneutica.

Ojos abatidos constituye la indagación más rigurosa y completa del lugar ocupado por la visión en la tradición occidental. Podría decirse que con este trabajo el proyecto extendido de una cierta arqueologia del saber se abre a un campo el de la visualidad hasta entonces practicamente intocado por unas ciencias humanas obsesionadas con los problemas del discurso, dando con ello paso a lo que ha podido llamarse el giro visual e inicio a la corriente mas filosofica de los estudios visuales.

En la ingeniosa unión del pasado con el presente reside el secreto de la arrasadora y milagrosa fuerza vital del arte barroco del ingenio, que posee poderes casi divinos: las cosas mudas hablan; viven las insensatas, resurgen las muertas: las tumbas, los marmoles, las estatuas; de esta encantadora de las almas reciben voz, espiritu y movimiento. Razonan ingeniosamente con los hombres de ingenio. En fin, no puede decirse muerto a algo que el ingenio no haya tratado de avivar. Este arte no solo es rival de la naturaleza, la supera derrotando los ruinosos efectos del tiempo y de la muerte.

Ideas que han cambiado el mundo A lo largo de la historia, algunos libros han cambiado el mundo. Han transformado la manera en que nos vemos a nosotros mismos y a los demás. Han inspirado el debate, la discordia, la guerra y la revolucion. Han iluminado, indignado, provocado y consolado. Han enriquecido vidas, y tambien las han destruido. Taurus publica las obras de los grandes pensadores, pioneros, radicales y visionarios cuyas ideas sacudieron la civilizacion y nos impulsaron a ser quienes somos. John Ruskin echo abajo las ideas sobre arte y arquitectura dominantes en la sociedad victoriana. Para el, en las obras arquitectonicas, lejos del animo de lucro, debe primar el afan por comunicar verdades humanas eternas y transmitir la historia viva de la sociedad que las produjo. Comentarios sobre la coleccion Great Ideas: De veras que la edicion es primorosa y pocas veces contenido y continente pueden encontrarse mejor ensamblados y unidos. ¡Que portadas! Para enmarcar. [...] Ante las Great Ideas, solo cabe quitarse el sombrero. ¡Chapeau! ABC Taurus propone un doble envite con este lanzamiento. Por un lado aumenta su compromiso con el ensayo; por otro, recupera el gusto por la estetica. A los volumenes se les ha proporcionado una portada delicada y cuidada (copian el original britanico) que invita a la lectura. La Razon Un fenomeno editorial. The Guardian Aparte de los contenidos, en general muy bien elegidos, son tan bonitos que si los ven seguro que cae alguno. El Pais Ideas revolucionarias, cronicas de exploraciones, pensamientos radicales... vuelven a la vida en estas cuidadisimas ediciones, muy atractivas para nuevos lectores. Mujer Hoy Grandes ideas bien envueltas. De Ciceron a Darwin, esta coleccion entra por los ojos. Rolling Stone Original y bella iniciativa la emprendida por Taurus con su coleccion Great Ideas. Cambio 16 Hay libros inmortales, libros unicos que contienen pensamientos y reflexiones capaces de cambiar el mundo, tesoros en miniatura reagrupados en la coleccion Great ideas. Diario de Leon

La apreciación estética de la naturaleza está dotada de una libertad negada a la apreciación artística: ante el mundo natural somos libres para enmarcar los elementos como nos plazca, para adoptar cualquier posicion o movimiento, de cualquier manera, en cualquier momento del dia o de la noche, en cualquiera que sean las condiciones atmosfericas, y de utilizar cualquier modalidad sensible, sin por ello incurrir en el error de malinterpretarla. Ningun aspecto visible o cualidad, estructura interior o exterior, percibida a cualquier distancia y en cualquier direccion, se considera irrelevante en su apreciacion estetica. Y lo mismo es verdadero, mutatis mutandis, para las otras modalidades sensibles, en la medida en que la percepcion de gusto, olor, textura, movimiento, presion y calor caen dentro de las fronteras de la estetica.

Nos trasladamos a otro tiempo (y en presente, el presente de sus autores, pleno siglo XIX), asistimos a una época en la que como revulsivo al racionalismo de la Ilustración y al Neoclasicismo imperante aparece una linea de pensamiento centrada en el sentir. La creacion artistica y la recepcion de la obra de arte interpretadas desde la emocion, el entusiasmo, las pasiones incontenibles; respondiendo con justicia al movimiento estetico denominado "Sturm und Drang" (tempestad y arrebato); germen primero del Romanticismo aleman. La supremacia, pues, del sentimiento frente a la razon, del liberalismo frente al espiritu racional e hipercritico del despotismo ilustrado. Era el momento de imponer la creacion a la mera imitacion de la tradicion clasica, era la oportunidad para despertar el gusto y el placer por lo inacabado o lo imperfecto, frente a lo cerrado y concluido. Un caldo de cultivo en el que desarrollar lo individual, la responsabilidad del ser humano de ahondar en su subjetividad y hacerse libre frente a los postulados de indole social. La antologia de textos, realizada y traducida por Javier Arnaldo, incluye autores fundamentales del Romanticismo aleman como Schiller, Schelling, Kleist, Schlegel, Novalis, Goethe, Runge o Moritz, entre otros. Una seleccion indispensable para entender un todo a traves de los fragmentos de sus principales pensadores. Dichos textos vienen organizados en bloques tematicos dedicados a la inspiracion (preocupacion fundamental en el Romanticismo), a la imitacion del arte y de la naturaleza, la reflexion en la obra, la representacion y el simbolo, el mito y el modelo intelectual, y diversos aspectos programaticos que incluyen el primer idealismo aleman, la educacion estetica del hombre o el fin de la funcion del arte.

En el centro de este libro hay un sueño cuya acción se desarrolla en un inmenso burdel que es a la vez un museo. Es el único sueño que Baudelaire ha contado. Entrar en el es sencillo, pero sólo se sale a traves de una red de historias, relaciones y resonancias que envuelven no solamente al soñador sino a aquello que lo rodeaba. Alli destacan dos pintores acerca de los cuales Baudelaire escribio con impactante agudeza: lngres y Delacroix; y otros dos que solo a traves de el se desvelan: Degas y Manet.Segun Sainte-Beuve, maligno e iluminado, Baudelaire se habia construido "un quiosco peculiar, muy decorado, muy atormentado, pero coqueto y misterioso", al que llamo la Folie Baudelaire ("Folie" era el nombre caracteristico del siglo XVIII para ciertos pabellones dedicados al ocio y el placer), situandolo en "la punta extrema de la Kamchatka romantica". Pero en ese lugar desolado y seductor, en una tierra considerada una de las mas inhabitables, no faltarian los visitantes. Hasta los mas opuestos, como Rimbaud y Proust. Incluso se convertiria en la encrucijada ineludible para aquello que aparecio desde entonces bajo el nombre de literatura.Aqui se cuenta la historia, discontinua y fragmentaria, de como se formo la Folie Baudelaire y de como otros se avent