Libros de Historia del arte, página 12 de 1182

¿Por qué los niños del pasado nos parecen tan distintos a los del presente?, ¿por qué no sonríen en sus retratos?, ¿qué relación tenían con sus progenitores? Este libro pretende responder estas y otras muchas preguntas, acercando al lector a la historia de la infancia en España durante la Edad Moderna y a los cambiantes modos de representarla. En quince capítulos se abordan distintas infancias: niños nacidos con anomalías, niños pertenecientes a la familia real, niños aristocráticos, niños de familias humildes, huérfanos o incluso, tristemente, niños esclavos. Aunque se utilice el plural neutro en aras de facilitar la lectura todos esos grupos están atravesados por el género, pues nunca fue la misma infancia para ellos que para ellas. A través de imágenes de todo tipo de soportes y medios (estampas, pinturas, medallas, exvotos, etcétera) y una gran riqueza de fuentes textuales (literatura, prensa, correspondencia o escritos médicos y pedagógicos, entre otros), Gemma Cobo explora las distintas dimensiones vinculadas a la infancia, como el embarazo y la lactancia, el traje infantil, el juego, la educación, las relaciones familiares o la muerte. A través de todas estas cuestiones se rastrean, pese a los cambios en los modos de representación, continuidades en la realidad que subyace a la imagen: en aspectos positivos como es el amor hacia los más pequeños, pero también en aquellos más negativos como es la instrumentalización de la infancia.

Carl Einstein fue el primero en escribir sobre las claves formales del arte negro? ?y sobre el alcance revolucionario del cubismo. Las obras y los planteamientos estéticos de Picasso, Braque, Gris, Klee, Leger, Kisling, Schlichter, Dix, Grosz, Beckmann, Masson, Arp o Miro son analizados en estos textos con extraordinaria lucidez desde la siempre espinosa contemporaneidad. Los escritos que recoge este volumen constituyen un documento clave de primera mano para ahondar en la epoca vertiginosa de las vanguardias, en la que el arte tambien era una revolucion.

El arte antiguo del cercano Oriente ocupa una posición peculiar, en cuanto a que dio el ser a muchas de las categorías artísticas que damos por supuestas. Cuando, en Egipto o en Mesopotamia, los hombres construian templos monumentales o erigian estatuas, estaban descubriendo formas de expresion que no tenian precedentes. Henri Frankfort, una de las mas destacadas autoridades en la materia, es el autor de este muy documentado estudio sobre el desarrollo del arte en Mesopotamia, desde la epoca sumeria hasta los periodos asirios tardio y neobabilonica de las regiones perifericas, Asia Menor, Siria, Palestina y Persia.

Esta guía constituye un viaje hacia los orígenes del arte prerrománico: el arte visigodo (siglos VI y VII), el arte asturiano (siglos VIIIy IX) y el arte mozárabe (siglos IX y X). Tres artes o estilos caracteristicos, sin equivalente en Europa y que determinan el Arte Prerromanico español. En cada monografia se incluye su valoracion calificada, como acceder a los edificios, su historia, una descripcion detallada, su significado simbolico y comentario general del monumento.Sus numerosas fotografias, consiguen dar la mas completa vision de conjunto del prerromanico de nuestro pais.Ademas se incluyen didacticas Introducciones generales y especificas. Bibliografia, cuadro cronologico, lexico de terminos tecnicos, indices tematico (simbolico), onomastico y toponimico.

Con su estilo personal y provocador, a traves de estos pequeños ensayos el filósofo ingles Timothy Morton nos invita a reflexionar sobre ecología, arte y antropocentrismo y apela a nuestras emociones y experiencias como base para la construccion de un compromiso filosofico con el medio ambiente.

Los cimientos culturales del Renacimiento y de la cultura europea no solo están sustentados en la luz de la razón y el discurso científico. El hermetismo, corriente filosófico-religiosa derivada principalmente de pensamiento expresado en el CorpusHermeticum atribuido a Hermes Trismegistos, constituye una fuente imprescindible para comprender la historia de la cultura y el arte occidentales. Un clasico imprescindible para comprender lo que hay de hermetico y magico en la historia del pensamiento y arte occidentales. Desde la Antiguedad, pasando por el Medioevo, hasta el Renacimiento y el Barroco, la corriente hermetica salpica multiples formas de religiosidad, filosofia, literatura y artes plasticas. El pensamiento de Giordano Bruno, una de las figuras clave del siglo XVI, seguidor de Copernico, amigo de Galileo y mentor de Spinoza, tambien se encuentra profundamente enraizado en la tradicion hermetica y la mnemotecnia.

¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberiamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relacion que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona como conciliar nuestra indignacion y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va mas alla: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es tambien madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran exito de critica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una epoca en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razon de serlo, pero plantea tambien importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepcion misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos mas oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es mas, ¿que ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo victima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.

Recuperamos un análisis cultural del arte referente tanto para profesionales como para individuos interesados en la materia.En La invención del arte, Larry Shiner nos invita a reconsiderar la historia del arte en su conjunto, y sostiene que algunas de las ideas que todos tenemos de dicha historia (como que el arte comenzo en la Antigua Grecia o en el Renacimento) son, en realidad, invenciones modernas, y que la linea que separa el arte y la artesania fue producto de las cruciales transformaciones que se dieron en Europa durante el siglo XVIII. Tambien muestra como el sistema moderno sostiene su hegemonia asimilando a los artistas y a los musicos que le ofrecen resistencia y trazando una estricta distincion entre artistas y artesanos, arte culto y artesania.

La sillería de la sala capitular de la catedral de Tui, cuya contratación se formaliza en 1712, es una pieza excepcional dentro del panorama del barroco español. Es el único ejemplar de su clase que posee programa iconografico, cuya carga erudita denota un importante manejo de fuentes, principalmente emblematicas, por parte del mentor que lo ha diseñado y del taller del escultor Domingo Rodriguez de Pazos. Los bancos, destinados al cuerpo capitular, albergan en sus respaldos asuntos simbolicos utilizados para prevenir sobre la peligrosidad de los vicios y mostrar la conducta mas adecuada para alcanzar la gloria eterna. Dos son las tematicas abordadas: la primera, mas amplia y heterogenea, toma como pretexto los elementos del mundo de las vanidades, abundando las diatribas a los prebendados; la segunda, mas compacta, es una denuncia de lo profano a traves de la significacion alegorica de los animales. El plan figurativo de la catedra del obispo se construye en torno a la idea de las virtudes que debe ostentar un principe eclesiastico.

Este es un libro imprescindible para todos los aficionados al románico que reúne una extensa relación de animales –aves, reptiles, peces, cuadrúpedos y seres fantásticos– que pueden verse en las igle

Entre la memoria íntima, l’observació culta i l’anàlisi social, Ibarz proposa aquí la relació directa i personal de cadascú amb les obres d’art i amb les exposicions. Professora d’art i cronista d’e

The autobiography of a society heiress who became the bohemian doyenne of the art world

El título Siempre rojo no implica que nunca fuera a cambiar. Quería decir con ello que nunca comprometería mi oposición a la cultura y la sociedad burguesas. Publicados por primera vez en 1960, los ensayos reunidos en este libro fueron escritos entre 1954 y 1959 en forma de articulo para la revista marxista New Statesman, con la que John Berger colaboro durante mas de una decada. En evidente oposicion al gusto burgues ?de ahi el titulo?, el critico de arte nos acerca de forma intima y calida a varios artistas, algunos de ellos minoritarios o desconocidos en ese momento, para hablarnos de sus dificultades y sus luchas, sus exitos y sus fracasos. Una nueva mirada muy lejana a la de la historiografia convencional de quien comprende el arte y el artista en el contexto cambiante de la historia.

El impacto que las ruinas monumentales de la antigua Roma tienen hoy sobre el visitante no pude ser sino pálido reflejo de lo que sintieron aquellos que las conocieron en su esplendor. ¿Cómo no sentirse deslumbrado, apabullado, insignificante, ante el Coliseo? ¿Como no sentirse parte de algo enorme, todopoderoso y eterno, de un imperium sine fine, al visitar los templos del Capitolio o pasar bajo un arco que celebraba victorias conseguidas donde acababa el mundo? ¿Como no pensar que el emperador era casi un dios cuando el sol sacaba destellos al coloso de Neron o cuando disfrutabas de la munificencia de Caracalla en unas suntuosas termas? En Roma, como tambien actualmente, la arquitectura y el ordenamiento urbano no son inocentes, y este libro muestra el impacto que los edificios y programas edilicios tuvieron sobre la conciencia publica de los romanos, sobre su propia imagen y percepcion, y sobre las relaciones entre emperador y subditos. Tan importante era quien construyera un monumento y por que, como el edificio o su funcionalidad en si. A lo largo de los siglos, y con muchos y diferentes gobernantes, de la Republica al Imperio, un poblachon de chozas de barro troco en resplandeciente urbe de marmol. Una historia milenaria, que este libro hila a partir de los mas imponent

La escultura ha desempeñado un papel crucial en las prácticas religiosas de la humanidad a lo largo de la historia, sirviendo como un poderoso medio de expresión de creencias espirituales y conexión con lo divino. En el budismo japones, las imagenes religiosas poseen un significado espiritual y sirven como puntos focales para la adoracion, la meditacion y la enseñanza.

A visual tribute to Agnes Varda s three lives as a photographer filmmaker and artist with previously unseen archival materials texts and personal reflections from Jane Birkin Martin Scorsese JR and more French filmmaker Agnes Varda was a trailblazer who broke new artistic and cinematic ground for nearly seven decades Although closely associated with the French New Wave Varda established her groundbreaking visual style in her 1955 debut film La Pointe Courte well before other milestones such as François Truffaut s The 400 Blows and Jean Luc Godard s Breathless Varda impacted cinema from her first feature film through her final works with an expansive oeuvre that includes Cleo from 5 to 7 1962 Vagabond 1985 and the Academy Award nominated Faces Places 2017 Agnes Varda Director s Inspiration presents the first English language visual showcase for Varda s inspirations art and personal life incorporating original materials from her personal archive on rue Daguerre The book covers Varda s three lives as photographer filmmaker and visual artist and features a previously unpublished interview Varda gave to the Academy of Motion Picture Arts and Sciences on the eve of receiving her Honorary Oscar in 2017 Essays by author Sasha Archibald and film critic

El filósofo francés Georges Didi-Huberman, comisario del proyecto expositivo y editorial «En el aire conmovido…», traza una antropología política de la emoción entendida en clave poética y como categ

Roger Kneebone is a legend Mark Miodownik author of Stuff Matters Fascinating and inspiring Financial Times The pandemic has made the necessity of relying on experts evident to all this is a rich exploration of lifelong learning Guardian What could a lacemaker have in common with vascular surgeons A Savile Row tailor with molecular scientists A fighter pilot with jazz musicians At first glance very little But Roger Kneebone is the expert on experts having spent a lifetime finding the connections In Expert he combines his own experiences as a doctor with insights from extraordinary people and cutting edge research to map out the path we re all following from doing time as an Apprentice to developing your voice and taking on responsibility as a Journeyman to finally becoming a Master and passing on your skills As Kneebone shows although each outcome is different the journey is always the same Whether you re developing a new career studying a language learning a musical instrument or simply becoming the person you want to be this ground breaking book reveals the path to mastery

Salir de la filosofía... por la filosofía. ¿Cómo piensan los pintores? Eric Alliez y Jean-Clet Martin toman la posta del maestro, Gilles Deleuze, para llevarla más lejos. Lo hacen en ese punto preciso de su investigacion que es el de la pintura y su logica de las sensaciones. "De las sensaciones" porque no es del concepto, pero "logica" porque si es del pensamiento. Los pintores piensan de un modo extraño, inmanente a su pintura, piensan por diagrama. En busca de dicho diagrama pictorico, y de su geologia, se recorrera un trayecto sinuoso que llevara desde Goethe y su teoria de los colores, su ojo colorante, a Delacroix y la potencia desatada del color, pasando por la transicion luminista de Manet y su ojo que aplana, por el extraterrestre Seurat y su ojo-maquina, por el salvaje Gauguin y su ojo de la tierra, hasta desembocar finalmente en Cezanne como punto crucial en la pintura por venir y en la constitucion del ojo-cerebro del pintor.

Una amena lectura, con las claves estéticas para entender las obras de los más destacados artistas japoneses, desde la decorativista escuela Rinpa (Kōetsu y Kenzan) y el popular ukiyo-e (los primitiv