Libros de Historia del arte, página 7 de 1182

¿Podrías reconocer a los personajes de la mitología clásica que aparecen representados en las obras de arte? Esta guía te ayudará a conocer y reconocer a todos estos seres míticos. En cada entrada ilustrada organizada alfabeticamente encontraras un breve texto que narra la historia de cada personaje, las variantes iconograficas mas representativas, asi como los posibles atributos que los acompañan. Para facilitar la busqueda se han añadido un diccionario de atributos (donde podras consultar que seres portan dichos atributos), asi como un vocabulario de terminos relacionados con el mundo grecolatino.

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¿Por qué las personas destruyen las imágenes? ¿Qué motiva estos actos individuales y colectivos de violencia contra algo que al fin y al cabo es una mera representación en madera, piedra, lienzo o papel? ¿Cómo podemos pensar la iconoclasia en el mundo contemporáneo? Éstas son algunas de las preguntas que David Freedberg viene haciéndose desde que, a finales de la década de 1960, comenzase a investigar sobre la iconoclasia, un tema ignorado hasta el momento y al que los historiadores del arte rara vez tenían en consideración. Sin embargo, como Freedberg demostró en multitud de escritos, la iconoclasia, el gesto de atentar contras las imágenes, en el fondo no hace sino mostrar el enorme poder que éstas tienen.

El primer libro que nos muestra cómo la mitología clásica griega y romana ha servido de inspiración a artistas durante los últimos 2. 500 años. Desde en las películas de Woody Allen o los hermanos Coen, hasta para los libros de Margaret Atwood o las canciones de Arcade Fire, la mitología clásica continúa siendo una fuente de inspiración cultural. Las luchas triunfantes y trágicas de los héroes contra los dioses, los monstruos o el destino han llamado siempre nuestra atención y la de los artistas, ya sean antiguos, modernos o contemporáneos. 25 mitos: Pandora, Prometeo, Venus, Teseo y el Minotauro, Baco, Orfeo, Ícaro, Adonis, Dánae, Ganímedes, Leda, Pigmalión, Aracne, Narciso, Sísifo, Midas, Hércules, Jasón y los Argonautas, Helena de Troya, los Cíclopes, Ulises y Edipo… representados en más de 200 obras de arte, desde Velázquez hasta Anish Kapoor, desde Botticelli hasta Louise Bourgeois, o desde el Greco hasta Maurizio Cattelan.

Luigi Pareyson (1918) es ya hoy un autor clásico en el seno de la estética italiana y de la estética contemporánea. Es autor de numerosas obras de estética, entre las que destacan L’estetica dell’ide

¿Qué sucedería si las obras de arte contemporáneo tuviesen el efecto real e inmediato de hacer cambiar las actitudes humanas más deleznables? Precisamente ese es el deseo de Regina José Galindo cuando realiza sus performances: hacer posible la accion artistica como motor de cambio para las sociedades. Quien lea estas lineas y aun se mueva entre el cinismo y la indiferencia encontrara en este libro razones para volver a tener esperanza en el arte como plataforma educadora. Si Galindo ha sabido entender, procesar y hacer posible la empatia tanto en ella como en el publico que la observa ejecutar sus performances, ¿por que no seria trasladable ese poder a cada persona que visionara su obra? Las mujeres artistas latinoamericanas han tenido el valor de denunciar los hechos que nos hacen retroceder comosociedad consciente y responsable. Mediante un medio tan universaly poderoso como el objetivo de una camara analizan, igual que hacemos en este volumen, el empoderamiento que el arte da a las personas y los retos que deberemos superar para convertirnos en la especie global y empatica que dicen que somos. Para ello, la performance sera un arma creadora.

Forensic Architecture es grupo internacional de investigadores que utiliza la arquitectura como herramienta metodológica para investigar conflictos armados, vulneración de derechos humanos y la destruccion medioambiental. Las investigaciones y textos criticos que se incluyen en el libro examinan como se produce tecnologica, arquitectonica y esteticamente la verdad publica, como puede utilizarse para confrontar la propaganda y los secretos de Estado, y como denunciar nuevas formas de violencia de Estado.Este libro, en cuyas paginas se recogen los origenes, la historia, los logros, el potencial y las dificultades y limitaciones con las que se encuentran el grupo de investigadores, sirve de catalogo de la exposicion coproducida por el MACBA (España) y el MUAC (Mexico).

Gracias a las técnicas de rayos X y fotografía infrarroja y a los métodos empleados en la detección, identificación y análisis de los pigmentos, ahora podemos conocer gran cantidad de detalles sobre como estan hechas las pinturas de los antiguos maestros. Ver como Rembrandt aplicaba la materia pictorica capa tras capa equivale a contemplar sus dotes de maestro en accion. Es, por asi decir, como si se nos ofreciera la oportunidad de mirar por encima de su hombro y observar como trabajaba en la interpretacion de un tema como La mujer adultera y apreciar la idea que tenia acerca de su composicion.

10A EDICIÓ Escrit el 1933, Elogi de l'ombra s'ha convertit en un clàssic indiscutible per a la subtilitat amb què Junichiro Tanizaki comprèn i explica l'estètica japonesa, plasmada en temples, cases

"Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte." Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoria de critico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo ha sabido diseccionar la obra plastica de tantos artistas, sino que ha aportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visual y su papel en la cultura contemporanea.En esta antologia completa de sus ensayos sobre artistas, compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger dono aun en vida a la British Library, John Berger nos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solo nos sumergen en la singularidad de cada creacion artistica, sino que van mucho mas alla y nos conducen con maestria entre lo personal, lo cultural y lo politico. No en vano Berger es considerado uno de los intelectuales europeos mas importantes de nuestro tiempo y uno de los criticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepcion del arte y el lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporanea.Los textos del primer volumen abarcan desde las pinturas prehistoricas de la cueva de Chauvet hasta Paul Cezanne. En el segundo y ultimo volumen, el critico britanico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obra de Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacida en 1983. Del conjunto de textos se desprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Berger que durante decadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores a distintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindible para conocer el legado teorico y vivencial de Berger.

La fantasía, la invención y la creatividad no son patrimonio de unos pocos iniciados -los artistas-, sino facultades esenciales del ser humano que todos deberíamos comprender. Con la generosidad y la vocacion pedagogica que siempre lo caracterizo, Bruno Munari desvela en este ensayo pionero, traducido por primera vez al castellano, algunos de los secretos de estas tres capacidades basicas que hoy englobariamos bajo la palabra creatividad.La fantasia, nos cuenta Munari, nace de la libertad. La invencion y la creatividad nacen, en cambio, de la funcion y la necesidad. Pero a la hora de generar nuevos mundos, en todas ellas la inteligencia, la memoria y la imaginacion juegan un papel crucial. ¿Que mecanismos se activan para alumbrar una idea o construir una obra de arte? ¿Como podemos potenciar -en lugar de coartar- la creatividad infantil? ¿Como fomentar la elasticidad del pensamiento para que este no se quede estancado en formulas prefijadas? Munari responde a estas y otras preguntas con un estudio delicioso, a caballo entre la erudicion y el divertimento, que no solo pretende potenciar nuestra capacidad creativa, sino contribuir a nuestro desarrollo integral como personas.

El que cal entendre és que el significat de les imatges sempre l''hem entès aturat, fix i clavat a la paret. Amb Perejaume, i sobretot amb els transports que ha dut a terme, el que tenim és un intent

A lo largo de la historia del arte, los períodos de transición se han caracterizado siempre por un notable incremento en la producción teórica de los artistas, cuyos argumentos se convertían así en una de las fuentes mas seguras para explicar el porque de esas crisis, sus origenes y su proceso de desarrollo. La ruptura con los sistemas de representacion tradicionales que en torno a 1900 emprende la vanguardia artistica constituye, por la brusquedad y radicalidad con que se llevo a cabo, un magnifico ejemplo: manifiestos, cartas, declaraciones, panfletos, tratados y testimonios de todo tipo pretender dar cuenta de las razones que animaban a sus ejecutores, y esgrimen los argumentos con que las distintas facciones de la vanguardia historica se opusieron entre si o establecieron alianzas frente a enemigos comunes. Explicar y combatir son los dos objetivos principales que la vanguardia persigue en sus escritos; escritos que dia a dia nos van descubriendo aspectos mal conocidos o practicamente ignorados de la historia del arte moderno, pues esos mismos escritos son tambien dia a dia rescatados del olvido en que estaban. No hace apenas diez o quince años, el numero de manifiestos y textos programaticos de la primera vanguardia, recogido y difundido por las antologias al uso, era todavia muy restringido; hoy, por el contrario, las reediciones de libros y revistas que habian llegado a ser autenticas rarezas bibliograficas, asi como la historiografia artistica mas reciente, han puesto ya a nuestro alcance un volumen casi desmesurado de documentos, donde resulta facil perderse.

Piezas sobre arte reúne los textos de Paul Valéry (1871-1945) sobre artes plásticas, textos en modo alguno académicos en los que se cruzan la literatura, la música y en los que se configura un mundo tan complejo como brillante. Alguno de ellos se ha convertido en un clasico, asi sucede, por ejemplo, con el que dedica a Degas, pero no le van a la zaga aquellos que escribe sobre Corot, Manet o Berthe Morisot, sin olvidar los que se ocupan del aspecto material del arte, sea este la escultura o la ceramica.

El artista sevillano Luis Gordillo, Premio Nacional de Artes Plásticas en 1981, ha creado un Cuaderno exclusivo compuesto por 23 obras realizadas en técnica mixta, que acompaña al volumen I de Matado

La Luna, fuente de luz en las tinieblas y compañera cósmica siempre cambiante, ha fascinado a la humanidad desde que alzamos la primera mirada al firmamento. En este volumen, profusamente ilustrado a

Para Fernando Castro Flórez, autor del exitoso ensayo Mierda y catástrofe, repasa en este nuevo libro los hitos del arte contemporáneo: Cattelan, Broodthaers, Warhol, Manzoni, Michals, Jaar, o Creed. Vivimos atrapados en el exhibicionismo delirante de la propia nulidad, con una extraordinaria falta de pudor y un singular servilismo de las victimas que participan, de una forma aparentemente gozosa, en el espectaculo de la humillacion. La "estetizacion de lo peor" carece de limites. Toda esa vertiginosa proliferacion de "anomalias salvajes" puede ser la suma de una estetizacion perversa de lo anodino y la politica del miedo, que tambien provoca un aburrimiento atroz. Buscamos experiencias singulares y lo que nos acecha desde el "marco" de nuestro muro "narcisista-computacional" no son otra cosa que los rastros de la parametrizacion hiper-panoptica, ese virtual tobogan deslizante hacia toda suerte de naderias.

¿De qué época es un cuadro? ¿Quién lo pintó? ¿Qué nos explica? ¿Por qué nos gusta? ¿Cómo consigue emocionarnos? Todos nos hacemos estas y otras muchas preguntas cuando admiramos una obra de arte y, la mayoria de las veces, no sabemos como contestar. Este libro ofrece esas respuestas y permite al lector penetrar en la intimidad de cada cuadro para acercarse al arte desde una nueva perspectiva. La obra se organiza alrededor de los seis grandes ejes que ayudan a comprender un cuadro. Desde su analisis como simple objeto que hay que datar y del que se deben desentrañar las caracteristicas (materiales empleados, tecnica, soporte...) hasta el estilo pictorico, pasando por el tema, la composicion, el dibujo y el color, y el tratamiento de la figura humana