Libros de Historia del arte, página 9 de 1241

Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. Tambien es un elogio de la lentitud aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, comics, peliculas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estimulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia; producir es replicar los resultados aparentes de la creacion en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario; un gesto de resistencia ante la mercantilizacion que impregna en nuestros dias cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.

¡La historia del arte es tendencia! Un libro para divertirnos aprendiendo de la mano de una de las divulgadoras más queridas de las redes. ¿Sabías que en el Paleolítico ya practicaban el arte abstracto? ¿Y que las piramides de Egipto no son ni las mas antiguas ni las mas colosales? ¿Me creerias si te digo que muchos de los artistas mas admirados en la actualidad sufrieron un rechazo tras otro en su momento? ¿Te gustaria comprender, por fin, por que el arte ha pasado de representar la realidad a trabajar con imagenes y artefactos que parece que solo entiende el propio artista? Soy Carla Serrano, historiadora del arte, y a traves de estas paginas te voy a guiar para que veas que los movimientos artisticos no son solo un monton de cuadros en un museo, sino una ventana abierta a las emociones, las luchas y las revoluciones de cada epoca. Y lo voy a hacer muy rapido. Te proporcionare pistas para que puedas distinguir facilmente los diferentes estilos, conoceremos a los artistas mas top de cada epoca, descubriremos pintoras o fotografas injustamente olvidadas, cuestionaremos algunos mitos y, ademas, te explicare muchas cositas para que no te pierdas entre tantos movimientos artisticos y puedas ponerlo todo en su contexto. Desde las pinturas rupestres hasta el arte digital, este libro sera la mejor introduccion para comprender el arte de una forma ludica, alternativa y muy divertida. No esperes mas para aprender de una manera completamente nueva: aqui el arte se vive, se siente y se disfruta en cada pagina.

El fin del arte. Identidad, militancia y sentido es un ensayo fragmentario y experimental, construido a base de textos tan creativos como subversivos detonados a partir de experiencias personales de la autora y que son vinculados con diferentes sucesos de actualidad relacionados con el arte, el mercado y la cultura visual, con la intencion de revelar las actuales dependencias de los discursos socio-politicos hegemonicos en las practicas artisticas contemporaneas. El libro analiza como la agenda politica ha invadido el ambito artistico diluyendo su autonomia y su potencial para la disidencia. La tesis principal es que el arte, atrapado en las guerras culturales, ha cedido a consignas ideologicas y militancias olvidando su naturaleza experimental e inutil; su sometimiento a la propaganda lo ha vaciado de sentido. Por eso el titulo juega con la ambiguedad de fin, tanto su finalidad como su posible agotamiento. Aunque el arte no puede morir, su desconexion con la realidad lo ha vuelto irrelevante. En el prologo, Juan Soto Ivars afirma que la traicion intelectual,directamente ligada con la honestidad, es lo que mejor define a la autora, por lo que no se puede esperar recorrer este libro sin sobresaltos. Y es que Abellan transita entre la narrativa, la exposicion y el ensayo argumentativo sin perder su particular estilo, que oscila entre la ironia y la provocacion, con el unico proposito de reivindicar el pensamiento libre.

Hablar de la prestigiosa marca y su historia es mucho más que referirse a uno de los mayores exponentes de precisión, elegancia y sofisticación en el mundo de la relojería. Desde sus orígenes, Rolex se ha involucrado en los grandes desafios deportivos y de exploracion, ademas de ligarse de manera muy directa al mundo de la cultura, el arte y la arquitectura, demostrando que la corona en su emblema es mas que merecida. Un fantastico recorrido por la historia, la tecnica y los modelos mas representativos de este gran gigante de la relojeria.

La caída del Imperio Romano no supuso el fin de su rica mitología heredada de Grecia, a pesar de que así lo creyeron importantes pensadores de época renacentista como Ghiberti, Alberti o Vasari. La Edad Media, como ellos mismos la designaron, no se encargo de oscurecer su influjo ni se olvido de los antiguos dioses paganos; la realidad, como lo demuestra este ensayo, fue mucho mas compleja. Erwin Panofsky y Fritz Saxl, figuras centrales de la historia del arte del siglo XX, se proponen desentrañar los vinculos que mantuvo y preservo el Medievo con la Antiguedad y, muy especialmente, el modo en el que la tradicion mitologica penetro en el arte medieval, mostrando con ello uno de los capitulos mas fascinantes y desconocidos de la historia del arte occidental.

Un fascinante recorrido a través de la nueva ciencia de la neuroestética, que demuestra cómo el contacto con el arte transforma nuestro cerebro, mejora nuestra salud mental y física y nos permite construir comunidades mas fuertes y unidas.Hay una extendida creencia de que las artes son solo entretenimiento, un lujo. En Tu cerebro quiere arte, las autoras Susan Magsamen e Ivy Ross muestran como actividades que van desde la pintura y el baile hasta la escritura expresiva o la arquitectura son esenciales para nuestras vidas.Estamos en el linde de un cambio cultural en el que las artes pueden ofrecernos soluciones contrastadas, potentes y accesibles que nos beneficien todos. Magsamen y Ross nos presentan las investigaciones que demuestran como, sin importar tu nivel de habilidad, dedicando solo cuarenta y cinco minutos a un proyecto artistico podemos reducir el cortisol, la hormona del estres, y que una experiencia artistica al mes puede extender tu vida diez años. Hay medicos que incluso prescriben visitas a museos para abordar la soledad, la demencia y muchos otros problemas de salud fisica y mental.Aprenderemos asimismo que tocar un instrumento desarrolla habilidades cognitivas y mejora el aprendizaje; las vibraciones de un diapason crean ondas sonoras que contrarrestan el estres; la realidad virtual puede proporcionar beneficios terapeuticos de vanguardia; y las exhibiciones interactivas disuelven los limites entre el arte y los espectadores al involucrar todos nuestros sentidos y fortalecen nuestra memoria.Tu cerebro quiere arte es una guia sobre neuroestetica que, a traves de conversaciones con artistas como David Byrne, Renee Fleming y el biologo evolutivo E. O. Wilson, nos descubre un rico tapiz de investigaciones pioneras y casos concretos de personas de todo el mundo que utilizan las artes para mejorar sus vidas. Gracias a esta obra, abriremos un portal hacia una nueva comprension de como las artes y la estetica pueden ayudarnos a transformar la medicina tradicional, a construir comunidades mas saludables y a reparar un planeta en crisis.

Indios, cowboys, carretas, ranchos, pueblos, forajidos, caballos... y el fuerte del oeste. Durante los años 60 y 70, todos los niños españoles jugaron con un Fuerte Comansi, un juguete clásico de la historia juguetera española y todo un icono pop para generaciones de niños y niñas que todavia conservan grabado a fuego el recuerdo de aquellas tardes diversionEn Juguete completo, juguete Comansi, Juan Hermida recorre la historia de la empresa Comansi, uno de los mas importantes fabricantes de juguetes nacidos durante la llamada Edad de Oro del Juguete en España. En estas paginas se encuentra el mas poderoso y nostalgico compendio del catalogo Comansi, desde su Fuerte hasta los Coman Boys pasando por las figuras Yolanda y otras marcas inolvidables de Comansi.

Con prólogo deJUAN ESLAVA GALÁN"Al final la lectura deviene la música de un río ancho y calmo que nos arrastra junto con los objetos que expresan la cultura del mundo hacia un océano apacible de remansadas sensaciones y conocimientos.Un acierto pleno y una obra que, estoy seguro, va a ocupar un lugar importante en la bibliografia del tema.?Una obra madura y acabada, en dosis sabiamente combinadas del ensayo historico, , de la critica de arte y del informa tecnico, todo ello en un techo de impecable carpinteria expositiva, urdido con la maestria del que sabe y la pedagogia del que sabe explicar?.(Juan Eslava Galan)

Erwin Panofsky se refirió en una ocasión a los criterios, ampliamente modificados a lo largo de la historia, por los que se consideraba "arte" a un cuadro barroco o se tendía a incluir también en el concepto a una blusa rumana del siglo xv. Este libro, en ultimo analisis, podria ser descrito simplemente como una deriva sobre los vinculos entre el "arte" y la "vida". A lo largo de la historia, la evolucion de las relaciones entre ambas ha llevado a veces a colocadas conjuntamente. De otra manera no podemos comprender la asimilacion de cualquier "arte" y cualquier "artesania", tal como la entendia la Edad Media. Tambien los medios de masas modernos situan a la par el arte y la vida, especialmente la television. En otras ocasiones el "arte" se ha segregado netamente de la vida; es notoriamente el caso de la cultura quizas todavia predominante. El proceso empezo socialmente: los pintores, los escultores, los musicos, los autores de teatro, reivindicaron para si mismos un estatuto diferente al de los encaladores, picapedreros, albañiles y carpinteros. "Nosotros somos intelectuales", "la materia que utilizamos es simplemente un vehiculo para expresar nuestras ideas", La pittura e cosa mentale -dijo directamente Leonardo da Vinci-. Finalmente la sociedad reconocio sus aspiraciones, porque antes habia reconocido su arte como cosa excelsa entre las demas cosas.

CONTRA¿Qué es la belleza? ¿Necesita el universo ser bello?En un momento en el que parece haber quedadorelegada al aspecto de las cosas y los seres,François Cheng nos introduce, siguiendo las grandes tradiciones de Oriente y Occidente, a una vision filosofica y etica de la belleza.A lo largo de los dos textos recogidos en este libro, el academico frances reflexiona en torno a la antigua conviccion de que existe un lazo intimo que une belleza y bondad, un viaje que abarca desde la representacion de la santidad, pasando por la singularidad de la creacion artistica y la simbologia de la pintura China, hasta las virtudes humanas que Confucio atribuia a las grandes entidades vivas de la naturaleza.Una invitacion a renovar la mirada, a descubrir el palpito estetico que late en cada accion y la dimension moral que se esconde en toda belleza.Xavier Antich

Seductor, pícaro y provocador, filósofo, cuentista y pintor, Oswald Aulestia, considerado el mayor falsificador de arte del mundo, relata en este libro su vida de película. Una historia en parte convertida en documental que se estreno en la gran pantalla, y que sorprendera a los lectores por su personalidad irrepetible y su franqueza.Ni aburre ni se aburre. Una existencia dibujada a base de sexo, drogas y pinceles. De la generacion del 46, ha conocido el lujo, la precariedad y la carcel, las fiestas con Al Pacino, la mansion de Ricky Martin, los caprichos de Madonna o las compras de Sylvester Stallone. Tal vez has contemplado algunas de sus piezas en los mejores museos y galerias del mundo. Con la maxima "Todo lo que vale mucho dinero se falsifica", ha aprovechado su talento para vivir a todo tren y, de paso, sabotear el sistema elitista y endogamico del mundo del arte. Una biografia para saber como se puede ser Miro, Modigliani, Chagall o Picasso y seguir vivo, rico y famoso.

Con Danza humana, Rafael Argullol continúa el ambicioso proyecto vital y literario que inició con Visión desde el fondo del mar. Las diversas experiencias íntimas del autor se entretejen con destacados momentos de la historia de la humanidad para dar forma a un relato cautivador en que la religion, la ciencia, la filosofia y el arte ofrecen importantes claves para tratar de descifrarcuando no abrazarel enigma de la conciencia. A lo largo de sus paginas, el escritor emprende una transformadora travesia que lo llevara a contemplar la naturaleza, el arte, las ciudades, el cuerpo de la mujer, el deseo, las palabras e incluso el universo regido por el azar en busca de fragmentos de eternidad en el abismo insondable de la existencia.

Ser creativo no solo expresa un deseo en las sociedades contemporáneas, sino que se ha convertido en un imperativo y en un modelo cultural universal. ¿Cómo la idea minoritaria y elitista de la creacion estetica del artista, asociada a la realizacion de un potencial natural e innato, ha llegado a forjar un modelo social de la creatividad universalmente vinculante? Andreas Reckwitz analiza criticamente como este imperativo se ha desarrollado desde los años setenta del siglo pasado hasta la actualidad, extendiendose a los mas diversos ambitos de una manera tan contradictoria y conflictiva como eficaz, en un marcado proceso de estetizacion social: en el arte de vanguardia y el posmodernismo, en la psicologia de la creatividad y del crecimiento personal, en la economia de la innovacion y las industrias creativas, en los medios de comunicacion y el star system creativo o en el urbanismo de las ciudades creativas. Indaga asi en como la transformacion de los viejos ideales emancipadores de la creatividad ha traido consigo nuevos tipos de coerciones basados en la innovacion estetica permanente, en un ciclo interminable y nunca satisfactorio de actos creativos.

Harry Bellet desvela los entresijos de ocho escándalos notorios, algunos de ellos cómicos, otros tristes o incluso trágicos. Si alguna lección podemos sacar de estas historias es que el falsificador infalible, de existir, aun no ha sido descubierto y que,

El arte gráfico se ha considerado como una nota marginal en las historias oficiales del arte, una técnica considerada menor, anti-tecnológica y casi anacrónica. Fruto de una investigación profunda, la exposicion De Posada a Isotype, de Kollwitz a Catlett: dialogos de arte grafico politico. Alemania O Mexico 1900-1968, comisariada por Benjamin H. D. Buchloh y Michelle N. Harewood, revela la forma en que un lenguaje tan popular y accesible sirvio como potente herramienta politica para un amplio numero de movimientos artisticos internacionales.En el marco de la exposicion, la presente publicacion se articula en torno a tres escenarios que se enriquecen con nuevos ensayos y textos historicos de un grupo variado de autores que exploran los acontecimientos, tensiones y proyectos que tuvieron lugar y marcaron la trayectoria de sus protagonistas. Asi, partiendo de dos casos iniciales muy relevantes en el arte grafico de finales del siglo XIX, el mexicano Jose Guadalupe Posada y la alemana Kthe Kollwitz, se explora despues, el Taller de Grafica Popular mexicano, para terminar con el proyecto Isotype (International System of Typographic Picture Education) de los austriacos Otto Neurath, Marie Reidemeister-Neurath y el aleman Gerd Arntz.

Tras los paradigmas del arte-como-texto de los años setenta y el arte-como-simulacro de los ochenta, Hal Foster sostiene que somos testigos de un «retorno de lo real», un retorno del arte y la teoría

¿Cuál es el significado de los Reyes Magos y cómo los artistas lo expresaron en la Edad Media? ¿Sabes diferenciar un «Cristo en Majestad» de un Pantocrátor? ¿Por qué en la fachada de la catedral de S

El ?blanco?, como tal, solo existe en nuestra percepción; es inútil, por tanto, salir en su busca. En lugar de ello, debemos encontrar el modo de sentir la blancura, ya que a través de este proceso tomaremos conciencia de un blanco ligeramente mas blanco que el blanco que percibimos normalmente. Esto, a su vez, nos hara ser conscientes de la sorprendente diversidad de blancuras que podemos encontrar en la cultura japonesa: por fin lograremos entender palabras como ?silencio? o ?espacio vacio?, y sabremos distinguir los significados ocultos que contienen. A medida que adquiramos esta compenetracion con el blanco, nuestro mundo se tornara mas resplandeciente y sus sombras mas acusadas. Kenya HARA

"Posiciones críticas: ensayos sobre las políticas de arte y la identidad" ofrece un amplio recorrido por el trabajo de Douglas Crimp, uno de los protagonistas de la redefinición de la función de la critica en la cultura norteamericana y en la defensa de la dimension publica del arte. Esta antologia organiza los escritos de Douglas Crimp en cuatro secciones tematicas que dan cuenta tambien de la evolucion cronologica de su pensamiento critico. Se toma como punto de partida el temprano analisis que hace Crimp de las politicas de la representacion, sobre todo en el ambito de la fotografia, definiendolas como campo de accion prioritario del trabajo del artista en la posmodernidad. En esa misma direccion se incluyen a continuacion sus famosos ensayos sobre la insularidad de la institucion artistica y sobre los conflictos que surgen cuando se transgreden los limites del cubo blanco de la galeria. Las dos ultimas secciones del libro dan cuenta del giro que da el trabajo critico de Douglas Crimp a partir de 1987, coincidiendo con los momentos mas crudos de la crisis del sida en Estados Unidos. Rompiendo con el establishment critico del que hasta entonces habia formado parte, Douglas Crimp iba a poner su pensamiento al servicio del analisis y denuncia de las campañas representacionales orquestadas por el poder contra la comunidad gay, asi como de la reflexion sobre los modos en que esta asumia o rechazaba tales imagenes hegemonicas. Los textos que cierran el libro forman parte de un proyecto aun inconcluso de genealogia de la subjetividad queer contemporanea a partir del analisis del cine de Andy Warhol desde la perspectiva de los estudios culturales.