Libros de Historia del arte, página 13 de 1182

«La situación parecía convertirse en algo profundamente irreal por momentos. El retrato ya no significaba nada como tal. Como cuadro tampoco decía mucho. Lo que sí tenía sentido y existía con vida pr

Exposición en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza del 18 de junio al 15 de septiembre de 2024. Esta publicación destaca la trayectoria de Rosario de Velasco durante las primeras décadas de su produccion, desde los años veinte hasta principios de los año

Exposición en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza del 25 de junio al 20 de octubre de 2024. La memoria colonial en las Colecciones Thyssen-Bornemisza es una relectura de una selección de 73 obras, integrada exclusivamente por obras de arte del Museo Nacional ThyssenBornemisza, de la Colección Carmen Thyssen y de la Colección Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21), y recorre un largo tramo de la historia del arte occidental desde el siglo XVII hasta nuestros días. En ella se analiza la huella en el arte (no siempre explicita y casi siempre ignorada) de los grandes rasgos del colonialismo europeo: la sobreexplotación de los territorios de ultramar y de sus poblaciones, la construcción racial que impone una jerarquía según el color de piel, el esclavismo y la dominación violenta, la idealización del paisaje y la vida en las colonias, la sexualización de los habitantes de los territorios colonizados (especialmente las mujeres) y finalmente los testimonios de esistencia, desde el cimarronaje hasta la lucha por los derechos civiles

Las galerías de arte son elementales para comprender la contemporaneidad y el desarrollo de sus tendencias plásticas más innovadoras. Son las precursoras de lo que, más adelante, aparecerá legitimado en museos e instituciones y son creadoras de contenido cultural. Sin embargo, la mayoria de los textos que reflexionan sobre ellas lo hacen desde el punto de vista del mercado del arte. ¿Que es una galeria de arte? ¿Como funcionan? ¿Por que son importantes? ¿Como son los espacios galeristicos? ¿Cual ha sido su evolucion historica? ¿En que momento se encuentran? ¿Cual sera su futuro? El presente libro aborda estas preguntas recorriendo la historia de las galerias de arte, desde cuestiones conceptuales y practicas hasta reflexiones sobre las expectativas y retos de futuro, pasando por definir el momento y los condicionantes en los que surgieron y su apasionante evolucion.

Las apasionantes memorias de una mujer icónica y visionaria, la gran coleccionista que marcó la historia del arte del siglo XX. Nacida en una acomodada familia de Nueva York, Peggy Guggenheim decidio dejar su ordinaria vida y se marcho a Europa en 1921 en busca de aventura. Alli sembro las semillas de su trayectoria como una de las figuras mas importantes del arte moderno, que catapulto a artistas como Brancusi, Cocteau o Kandinsky e inauguro las carreras de Jackson Pollock y Robert Motherwell, entre muchos otros. Sus apasionantes memorias constituyen un retrato del mundo del arte de los años treinta en adelante, de los entresijos del coleccionismo y de la historia social y politica del siglo XX, asi como un divertido recorrido por la disparatada vida de esta mujer, en el que no faltan sus romances y amistades con las personalidades mas destacadas de la epoca.La critica ha dicho...Una de las mecenas mas excentricas y sofisticadas de los ultimos cien años. [] La Peggy del arte, de los trajes, los amantes, las casas de lujo y las fotos y cuadros hechos por los punteros del momento. Karmentxu Marin, El Pais Si hay una persona que haya vivido de todo, esa ha sido Marguerite 'Peggy' Guggenheim. Vogue La mirada privilegiada de una mujer que vivio con intensidad. Telva, Cesar Suarez Amantes del cotilleo y el arte, dejen las revistasen la mesa del cafe y abran ya Confesiones de una adicta al arte.Jose Luis G. Gomez, La Opinion de Malaga Con un tono a menudo sarcastico, [] el valor de estas memorias no esta en ser solo un testimonio del mundo del arte contemporaneo en esos años, sino que tambien recogen el impacto que tuvo ella y justifican una vida de pasion por el arte moderno, todo desde la mirada intima de una de las figuras mas influyentes del siglo XX. Sofia Giraldo, Madrid ActualUn raudal de mujeres tan energicas, expertas y dedicadas como Peggy Guggenheim es lo que necesita el mundo del arte. [...] A medio camino entre la avispada coleccionista y la verdadera amante del arte, Guggenheim nos ofrece un interesante registro del arte de los años veinte y treinta del siglo pasado.Kirkus Peggy no se conformo con ser una socialite mas de su epoca. Rompio moldes, apoyo a artistas que cambiarian la historia del arte moderno y desafio las normas sociales de su tiempo.Preslava Boneva, The Objective Estas memorias[...] reflejan un mundo [...] perdido []. Pero como la prosa de este libro es toda ella obra de Peggy, algo se ha salvado. Uno oye en estas lineas la voz energica y sin embargo pausada; ve la repentina y veloz mirada de soslayo que a menudo acompaña a sus veloces juicios; disfruta si no de su persona, al menos de su sombra sobre la pagina.Gore Vidal, prologoEsta claro que la señora Guggenheim es esa agradable combinacion de astuta coleccionista y verdadera amante del arte, y su libro es un interesante registro del movimiento artistico de los años 20 y 30. Publishers Weekly Lectura obligatoria para todo aquel interesado por los artistas de primera linea, por este fructifero periodo de la historia del arte y por la mujer hecha a si misma por excelencia. Waterstones En...

Carl Einstein fue el primero en escribir sobre las claves formales del arte negro? ?y sobre el alcance revolucionario del cubismo. Las obras y los planteamientos estéticos de Picasso, Braque, Gris, Klee, Leger, Kisling, Schlichter, Dix, Grosz, Beckmann, Masson, Arp o Miro son analizados en estos textos con extraordinaria lucidez desde la siempre espinosa contemporaneidad. Los escritos que recoge este volumen constituyen un documento clave de primera mano para ahondar en la epoca vertiginosa de las vanguardias, en la que el arte tambien era una revolucion.

Herminio Álvarez, conocido simplemente como Herminio, es el artista asturiano vivo más reconocido a nivel nacional e internacional. Nacido en el pequeño pueblo asturiano de La Caridad, es descendiente de la conocida familia de los Xacobos, personas muy especiales e inquietas, de gran capacidad creativa y artistica. De este modo, y junto a su tio materno Angelin, apodado el Ferreirio, forjador de hierro, se reunia de niño para tratar de construir el mas fabuloso de los inventos: una maquina que estuviera en movimiento perpetuo sin emplear ningun tipo de energia adicional. Desde entonces esa obsesion se convirtio en su vida. Sin embargo, el dinero escaseaba y tuvo que inclinarse por continuar con el oficio familiar: el de tejedor. Despues, se embarco en la aventura de regentar un supermercado, y no fue hasta aproximadamente los 45 años cuando puso en marcha su autentica vocacion: la del arte. Comenzo pintando cuadros de paisajes, naturalezas muertas y flores que firmaba con el apelativo cariñoso por el que era conocido en el pueblo: Memi. Incluso ejercio como miniaturista, pero todo cambio cuando entro a formarse, gracias a la recomendacion del critico de arte asturiano Jesus Villa Pastur, en el taller de arte experimental del ovetense Humberto Garcia del Villar. Herminio comenzo a realizar esculturas en carton prensado, material barato y facil de obtener. Expuso en la galeria Cornion de Gijon, en la galeria Amaga de Aviles o en la galeria ovetense de Carmen Benedet. Mas tarde se inclino por emplear la madera, especialmente de castaño, y asi, mostro sus obras en la galeria Vertice de Oviedo en 1998, lo que le abriria las puertas de la feria internacional arco. En su continuo interes por la experimentacion y el aprendizaje, Herminio se decanto por emplear nuevos materiales con la intencion de dar un sentido perenne y duradero a sus obras. El magnetismo terrestre habia sido desde niño su principal preocupacion, asi que decidio sustituir la madera por el acero inoxidable y el aluminio, aptos unicamente para trabajar con imanes. Las tensiones, los pesos, la gravedad, se convirtieron, desde entonces, en la razon fundamental de su universo artistico. Sus obras se encuentran, hoy en dia, en museos y colecciones privadas de la talla de la Coleccion Dove de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Asturias o la Fundacion Princesa de Asturias, entre otros.

La presente obra constituye un práctico instrumento de consulta para iniciarse en el mundo de la iconografía cristiana. El lector encontrará en ella la información básica sobre los personajes bíblicos y sobre los santos mas importantes y representados en obras de arte. El libro se completa con un indice de temas cristologicos y marianos en donde la historia, la religion y el arte se unen para desentrañar los simbolos o significados que se ocultan detras de cada representacion.

Con esta provocativa y conmovedora colección de ensayos, un crítico de nuestro tiempo responde a las profundas cuestiones que plantea el mundo visual. Cuando John Berger escribe sobre cubismo, no sólo escribe de Braque, Leger, Picasso y Gris, sino de ese milagroso momento al inicio del siglo xx cuando el mundo convergia alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas lineas de la figura pintada. Recreandose desde el Renacimiento hasta la conflagracion de Hiroshima; desde el Bosforo hasta Manhattan; desde los tallistas de un pueblo en Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh; y desde experiencias personales de amor y perdida hasta el mas importante levantamiento politico de nuestros dias, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira el autor.Con esta provocativa y conmovedora colección de ensayos, un crítico de nuestro tiempo responde a las profundas cuestiones que plantea el mundo visual. Cuando John Berger escribe sobre cubismo, no sólo escribe de Braque, Leger, Picasso y Gris, sino de ese milagroso momento al inicio del siglo xx cuando el mundo convergia alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas lineas de la figura pintada.Recreandose desde el Renacimiento hasta la conflagracion de Hiroshima; desde el Bosforo hasta Manhattan; desde los tallistas de un pueblo en Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh; y desde experiencias personales de amor y perdida hasta el mas importante levantamiento politico de nuestros dias, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira el autor.

A finales del siglo XIX se fraguan una serie de cambios que afectan a la vida cotidiana y que cristalizan en la pintura finisecular a través de la imagen de la mujer. Ésta se convierte en protagonista de los nuevos ambitos que atraen la atencion de los artistas: la intimidad familiar, el mundo del trabajo, la moda, la relevancia social, los bajos fondos o las nuevas formas de ocio, de amor y de sexualidad. La pintura del fin de siglo constituye un ejemplo indiscutible respecto al papel del arte en la creacion y difusion de estereotipos femeninos.

¿Cómo se llevaron a la práctica las ideas arquitectónicas que impulsaban los grandes proyectos de construcción romanos? Los constructores romanos es el primer libro que aborda esta cuestión. Utilizando las termas de Caracalla, el Panteon, el Coliseo y los grandes templos de Baalbek como documentos fisicos de su propia historia arquitectonica, este libro traza los procesos mentales y las consideraciones logisticas los riesgos, reveses, compromisos y sutilezas que llevaron al exito final de cada proyecto. Cada etapa importante del proceso de construccion es analizada: diseño, trabajo preliminar, soportes, estructuras complejas (como las superestructuras de los anfiteatros), bovedas y decoraciones. Asimismo, se avanzan nuevas hipotesis sobre la elevacion de las columnas monoliticas, la secuencia constructiva del Coliseo y el abovedamiento del Panteon. Las ilustraciones incluyen fotografias de archivo y originales, asi como numerosos dibujos aclaratorios.

Le proponemos un paseo por las imágenes artísticas más relevantes que el hombre ha creado desde los albores de la humanidad. A través de 400 obras reproducidas a todo color, este libro recoge la impronta de los grandes genios de todas las epocas. En estas paginas viven las obras de arte que se hacen eternas gracias a la mirada de quienes las observan.

Este libro narra y cuestiona las prácticas en torno a la histeria que se llevaron a cabo en la Salpêtrière en época de Charcot. A través de procedimientos clínicos y experimentales, por medio de la h

Una breve pero magistral historia del arte, desde la prehistoria hasta nuestros días, por el aclamado filósofo Michel Onfray, que da las principales claves para entender y conocer el arte.«El arte co

¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberiamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relacion que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona como conciliar nuestra indignacion y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va mas alla: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es tambien madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran exito de critica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una epoca en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razon de serlo, pero plantea tambien importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepcion misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos mas oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es mas, ¿que ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo victima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.

Mark Rothko (1903-1970), es uno de los grandes artistas del siglo XX: figura indiscutible del expresionismo neoyorquino, encabezó junto a Barnett Newman la corriente plástica Colour Fields. Erudito y filosofo, Rohtko fue ademas un escritor sofisticado y apasionante. Escritos sobre arte reune por primera vez en un libro los textos del artista. Incluye ensayos breves, cartas, declaraciones y conferencias de Rothko a lo largo de su carrera. Esta ambiciosa antologia de textos, tanto publicados como ineditos, que abarca desde 1934 hasta 1969, nos revela aspectos poco conocidos de Rothko: el papel que tuvo la escritura para un artista que, segun muchos, habia renunciado a la palabra; su profundo interes por la meditacion y la espiritualidad; y su relacion privada con artistas contemporaneos como Barnett Newman, Robert Motherwell y Clyfiford Still.

En un oscuro rincón del mundo del arte, oculto tras la majestuosidad de las pinturas más famosas, se tejió una trama epica que desafiaría los límites de la creatividad y la astucia humana. En 1960, una denuncia por una estafa aparentemente insignificante desencadeno una revelacion que dejaria al descubierto un entramado de plagios perfectos de los maestros consagrados: Velazquez, Zurbaran, El Greco, Mengs, Picasso, Ribera y muchos mas.Todo comenzo con un falso bodegon de Velazquez que una condesa afirmaba haber comprado y que resulto ser una completa farsa. Tras la denuncia, la verdad salio a la luz: este cuadro en cuestion estaba ubicado en el Palacio del Pardo y fue "recomprado" por Carmen Polo, la esposa de Franco, como si fuera una ganga. Sin embargo, un valiente y experto policia en arte, quien tambien resulta ser el padre del autor de esta historia, desentraño meticulosamente esta sofisticada red de engaños que se hacia llamar "Escuela sevillana" del siglo XX. Detras de este plan maquiavelico se encontraban dos picaros gays: Eduardo Olaya, un genio de la copia de pinturas, y Andres Moro, un anticuario avaro. En Madrid, Virginia Guitian se convertia en el anzuelo perfecto para atraer a los compradores incautos. Mientras tanto, J.A. LLardent, A. Egea, Stanley Moss y Herbe

La mirada de John Berger és incisiva i fuig del punt de vista normatiu o de qualsevol regla que pugui interferir en l’efecte sorpresa que ens retorna la visió de les coses, ja siguin objectes o fets