Libros de Historia del arte, página 13 de 1241

En 1912 el polifacético intelectual Federico Baraibar depositó orgulloso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando un álbum de 167 fotografías titulado Inventario del románico en Álava. Desde entonces, esta valiosa colección ha pasado desapercibida entre sus fondos. El presente libro pretende rescatar del olvido este trabajo fotográfico pionero en la puesta en valor y en el conocimiento científico del patrimonio medieval alavés. Obtenidas entre los últimos compases del siglo XIX y los inicios del siglo XX junto al fotógrafo Lorenzo Elorza, estas imágenes, muchas de ellas inéditas hasta la fecha, suponen una fuente inagotable de información sobre la evolución de los templos alaveses, algunos de ellos hoy en día desaparecidos.

La Historia del arte griego recorre, de modo exahustivo, los periodos, estilos, obras y artistas de la antigua Grecia. Está destinada a convertirse durante décadas en la obra de referencia sobre la materia.¿Como sustraerse al deseo de saber algo mas del Clasicismo griego en su conjunto?¿Como no aproximarse a Fidias, a Policleto, a Praxiteles y tantos otros artistas universales?¿Como no imaginar, por ejemplo, el ambiente en que vivieron, junto al gran Alejandro, su escultor Lisipo y su pintor Apeles?A poco que indaguemos, descubriremos, una vez mas, que la Helade sigue viva en nosotrosAunque hayan pasado desde entonces casi dos mil quinientos años, seguimos suscribiendo las palabras que pronuncio Plutarco al evocar las obras de Pericles en Atenas:Parecian ya antiguas por su belleza en el momento en que fueron realizadas, y en la actualidad parecen recientes y nuevas por su fuerza: brilla en ellas un lustre que las conserva intactas, aun con el paso del tiempo, como si albergasen un aliento siempre florido y un espiritu exento de vejez.

A collectible, four-color illustrated AZ treasury of gangster rappers, the hip-hop high-life, and notorious pop culture history, told through a series of graphic doodles on 3 x 3 sticky notes.Four years ago, a Post-it note changed Marlon Sassys life. Using office supplies borrowed from his admin job, Sassy began creating colorful sketches of rappers in highlighter, Sharpie, and pen. He made his debut posting his rendition of Snoop on Tumblr under the pseudonym Gangster Doodles. Next was Bart Simpson and Biggie, then Yams and Yeezy. Soon, he had amassed a cult following of fans who clamored for his next artistic interpretation.Gangster Doodles brings together more than 400 of his most popular illustrations with thirty never-before-seen pieces. An impressive and comprehensive AZ compendium, it features everyone from Black Jesus to Beyonce, Kendrick Lamar to LeBron James, Jean-Michel Basquiat to Young Thug, and Kermit the Frog to Action Bronson. This is the ultimate gift for rap fanatics and pop culture addicts alike.

Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos ni recetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder "saborear" una obra de arte en ausencia de su comprension. Es decir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creacion es uno de sus postulados.Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en epocas diferentes y emplean estrategias de seduccion diferentes: unas son imagenes hechas para principes ("La Fiesta de Venus", de Tiziano), otras para la Corte absolutista ("La Rendicion de Breda", de Velazquez), y tambien para el publico "people" (las serigrafias de Warhol), otras incluso para el propio artista (los autorretratos de Rembrandt). La capacidad de interpelacion de la obra de arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretacion.Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de "La Fiesta de Venus" de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tan sensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, mas secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.

Hay un momento en que los ojos se abren de pronto al arte, igual que los oídos a la música o a un idioma que hasta entonces se ha estudiado con la sensación de no avanzar, o de hacerlo muy despacio. Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan, Erwin Panofsky y E. Gombrich me enseñaron a mirar con los ojos bien abiertos las obras de arte y a buscar sus vinculos con el mundo real, intentando ver en ellas lo que vieron sus contemporaneos y comprender el lugar que ocupaban en sus vidas y en sus sistemas de creencias. Creo que fue de Baudelaire y de Marcel Proust de quienes empece aprendiendo a escribir sobre arte, intentando usar las palabras como una lente de aumento para mirar mejor lo que se tiene delante de los ojos, en los cuadros y tambien en la realidad. Mucho mas tarde, ya adulto, descubri a Robert Hughes y quise tomar ejemplo de su apasionada claridad. Los ensayos de este libro se han ido escribiendo de manera intermitente a lo largo de casi veinte años. Al verlos juntos ahora, observo que el azar de los encargos y del puro paso del tiempo les ha ido dando una cierta unidad involuntaria, casi un hilo narrativo, que tiene mucho que ver con la deriva de mis intereses personales y mis aficiones, quizas con la etica y la estetica que estan implicitas en el trabajo de cada escritor.Hay un momento en que los ojos se abren de pronto al arte, igual que los oídos a la música o a un idioma que hasta entonces se ha estudiado con la sensación de no avanzar, o de hacerlo muy despacio. Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan, Erwin Panofsky y E. Gombrich me enseñaron a mirar con los ojos bien abiertos las obras de arte y a buscar sus vinculos con el mundo real, intentando ver en ellas lo que vieron sus contemporaneos y comprender el lugar que ocupaban en sus vidas y en sus sistemas de creencias. Creo que fue de Baudelaire y de Marcel Proust de quienes empece aprendiendo a escribir sobre arte, intentando usar las palabras como una lente de aumento para mirar mejor lo que se tiene delante de los ojos, en los cuadros y tambien en la realidad. Mucho mas tarde, ya adulto, descubri a Robert Hughes y quise tomar ejemplo de su apasionada claridad. Los ensayos de este libro se han ido escribiendo de manera intermitente a lo largo de casi veinte años. Al verlos juntos ahora, observo que el azar de los encargos y del puro paso del tiempo les ha ido dando una cierta unidad involuntaria, casi un hilo narrativo, que tiene mucho que ver con la deriva de mis intereses personales y mis aficiones, quizas con la etica y la estetica que estan implicitas en el trabajo de cada escritor.

Este libro trata de las relaciones artísticas entre España e Italia durante la Edad Moderna y puede considerarse como una puesta al día de las últimas investigaciones que se están llevando a cabo en materia de coleccionismo y relaciones artisticas entre ambos paises. Se analiza el patrocinio artistico a traves de distintos comitentes: virreyes, embajadores, arzobispos y alta jerarquia administrativa civil y religiosa. En algunos casos se analizan casos concretos de este tipo de patrocinio. Asi lo vemos en los capitulos de Diana Carrio-Invernizzi -dedicado al virrey de Napoles, Antonio Alvarez de Toledo, V duque de Alba-, el de Escardiel Gonzalez Estevez - aplicado al virrey de Sicilia, Nicolo Pignatelli-, el de David Garcia Cueto -centrado en la experiencia romana de los virreyes napolitanos en tiempo de Felipe IV-, el de Francisco Javier Herrera Garcia -que estudia el patrocinio artistico de los prelados españoles en la Sicilia del siglo XVII- o el de Juan Luis Rave -que analiza el cambio del gusto producido en personajes que han ocupado cargos en Italia tras su vuelta a España-. Otros capitulos se han centrado en una vision mas amplia del coleccionismo, resaltando el papel que jugaron en las cortes italianas determinados personajes de la vida politica española. Tal es el caso de las contribuciones de Fatima Ha...

Premio Formentor 2021 Dos lúcidos y locuaces ensayos que abordan el proceso de creación artística en el campo de la literatura y de las artes visuales, así como el lenguaje que se esconde detrás de las piezas de museo. Premio Iberoamericano de Narrativa Manuel Rojas 2016. Los dos ensayos que integran este volumen fueron escritos con una decada de diferencia. Sobre el arte contemporaneo es la alocucion con la que Cesar Aira inauguro el congreso Artescritura, que tuvo lugar en Madrid en 2010 y que se proponia como objetivo superar la brecha que separa a escritores y a artistas visuales. En La Habana, en cambio, parte de un recorrido por la casa museo del escritor Lezama Lima, realizado durante una visita a Cuba en el año 2000, y desemboca en una cronica del viaje por los museos de la ciudad y los objetos que alli se exponen. Estos dos imponentes textos de uno de los autores clave de las letras hispanas vuelven a incidir en algunos de los temas predilectos de Aira: la relacion entre arte y literatura, el proceso de creacion, el arte de lo incompleto y, en definitiva, la veracidad de la escritura.

Se trata de un completo manual de referencia inexcusable para adentrarse en el complicado mundo del conocimiento necesario para gestionar e intervenir en el Patrimonio Cultural. Una disciplina (que se aborda desde variados perfiles profesionales) en alza y que involucra cuestiones tan variadas como las legislaciones desarrolladas para la proteccion de Patrimonio arquitectonico, Patrimonio arqueologico, Patrimonio Etnologico, Patrimonio Cultural inmaterial, Patrimonio industrial, cientifico y tecnico, y Patrimonio documental y bibliografico, asi como a diversas instituciones (administraciones publicas, museos, archivos, bibliotecas, consorcios, fundaciones y asociaciones, institutos, universidades y centros de investigacion, la UNESCO y el Patrimonio Mundial, y el Consejo de Europa).

* La comprensión de los símbolos, ya sean animales, objetos, plantas, formas o gestos, es crucial en la apreciación del arte. * Una acreditada guía que aborda más de cincuenta de los símbolos visuales mas comunes e interesantes de todo el mundo desde el a

¿De dónde viene el color? ¿Cómo encuentran los pintores nuevas tonalidades y de qué manera influyen éstas en su obra? Desde la austera paleta de los griegos y la costosa pasión por el púrpura de los romanos hasta la gloriosa profusion del arte renacentista y la sobriedad cromatica de Velazquez y Rembrandt; desde las tempranas incursiones de los pintores romanticos en el laboratorio del quimico al matrimonio, en ocasiones fallido y en otras espectacularmente exitoso, entre arte y ciencia en el siglo XX, la quimica y el uso artistico del color han existido siempre en una simbiotica relacion que ha determinado sus respectivas evoluciones. La historia de la pintura ha estado influida por la disponibilidad o no de determinados pigmentos, y los descubrimientos cientificos se han reflejado directamente en la paleta del artista. Lleno de anecdotas y apuntes etimologicos, La invencion del color es una historia luminosa de la magia escondida en el lienzo del pintor."Un libro que generaciones venideras saludaran como el estudio definitivo del color y sus aplicaciones en el arte" -Washington Times "Intrigante...Lo que Ball hace en La invencion del color es lo que los artistas siempre tenian que haber hecho: abrir los ojos". -Kate Noble, Time Europe

La capacitat artística defineix la nostra humanitat. Mentre que no hi ha dubte que la producció i l'ús d'imatges visuals constitueixen un caràcter humà universal, l'explicació dels seus orígens susci

A finales del siglo XIX, cuando Japón se abría al mundo tras siglos de aislamiento abrazando con entusiasmo la modernización y la industrialización, un joven artista llamado Ogata Gekko de formación autodidacta revoluciono el panorama artistico japones creando un nuevo estilo de grabado ukiyo-e que sintonizaba con los gustos de quienes miraban con nostalgia como el Japon tradicional desaparecia en la voragine de cambios provocada por la apertura del pais a Occidente. La serie Gekko Zuihitsu (Ensayos de Gekko), que comenzo a publicarse en 1887, esta formada por cuarenta y siete estampas de gran calidad, una por cada letra del alfabeto japones, que retratan dioses, dragones, emperadores, princesas, poetas, samurais, monjes y un amplio repertorio de personajes y tradiciones niponas. Esta obra supuso toda una declaracion de principios sobre la necesidad de recuperar los valores clasicos de la cultura japonesa, sus mitos y sus leyendas.

Si María Gainza ya es conocida para el lector español, lo es por el reciente exito de su fascinante 'El nervio óptico' (Anagrama, 2017), pero en Argentina llevaba ya toda una vida de escritura de textos sobre arte, con ese estilo suyo tan singular, intrigante y poco academico. En este libro se reunen mas de treinta de sus preciosas piezas sobre artistas, ineditas hasta ahora en España. "Sus puntos de partida son exhibiciones, pero estas se transforman de inmediato en algo mas amplio: en un termometro cultural. Es una de las lecciones ¿acaso involuntarias? de este libro: todas las obras conviven en un mismo momento, en un mismo horizonte, formando un gran mosaico de esteticas que se potencian incluso molestandose o ignorandose. Sin notas al pie, sin un pesado cumulo de bibliografias que vengan a sostener un aparato critico, agradecemos que aun existan quienes posean tal maestria en la elipsis." (Del prologo de Rafael Cippolini)

Los Madelmanes fueron durante su intensa vida un referente en el mundo de los muñecos articulados, y el sueño de miles de niños que jugábamos con ellos. Este segundo volumen continúa mostrando los muñecos mas maravillosos de nuestra niñez. Podreis contem

A mediados del siglo XIX los últimos historiadores románticos y los primeros investigadores modernos iniciaron una fascinante cruzada: descubrir al mundo los tesoros medievales que aún permanecían oc

Esta historia del arte empieza en una cueva, en Alemania, hace 40.000 años, y termina junto a una farola en Beijing, en 2012. Entremedio nos encontraremos con artistas en todo tipo de lugares: en la ladera de una montaña, en una cantera de piedra o en medio del desierto, en calles, palacios y tumbas, ademas de en talleres y estudios. Los hallaremos pintando y dibujando sobre rocas, paredes, madera, lienzo y papel. Estos artistas crean esculturas de piedra, metal, barro, alambre e incluso de avena.Con paciencia, ensamblan miles de minusculas piezas de mosaico sobre escayola, reunen fragmentos de cristal de colores o tapones de botellas, rasgan los diarios y toman fotografias. ¿Por que pasan su vida haciendo cosas como estas? Cada uno de los artistas de este libro nos podra dar una respuesta diferente.

El arte ha encontrado siempre una fuente inagotable de inspiración en la Biblia. En este libro se presentan y se estudian veintiséis obras del Museo del Prado que tienen como tema personajes y episodios del Antiguo Testamento. Ellas serviran de guia para un recorrido por esa primera parte de la unica historia de la salvacion consignada en la Escritura. La intencion, como subrayo el papa Benedicto XVI, es poner 'de manifiesto la relacion intima entre los dos Testamentos, recordando con san Gregorio Magno que todo lo que 'el Antiguo Testamento ha prometido, el Nuevo Testamento lo ha cumplido; lo que aquel anunciaba de manera oculta, este lo proclama abiertamente como presente. Por eso, el Antiguo Testamento es profecia del Nuevo Testamento; y el mejor comentario al Antiguo Testamento es el Nuevo Testamento'' (Verbum Domini 41).

Este libro se ha convertido ya en una obra clásica para innumerables estudiosos, sobre todo por su reflexión filosófica sobre las diferentes teorías de la educación. El texto plantea una visión progresista de las relaciones entre las didacticas generales, diferenciales y especificas y, a traves de una impresionante acumulacion de datos, establece una minuciosa sintesis tanto de teorias autorales como de modelos educativos. Una abundante documentacion asi como un alto grado de reflexion lo convierten, junto a los demas aspectos citados, en lectura basica para todos los estudiantes de educacion, arte y filosofia. El libro incluye ilustraciones en blanco y negro y color, asi como un prologo del autora esta primera edicion en lengua española. Elliot W. Eisner participo en el Proyecto Kattering de la Universidad de Stanford, que se propuso definir los ambitos de la enseñanza y el aprendizaje del arte: una definicion de caracter epistemologico que situo la educacion artistica como disciplina estructurada dentro de unos campos del saber, con unos objetivos, contenidos y metodologias coherentes, basados en las diferentes ciencias del arte, la estetica y la comunicacion.